Un énorme coup de cœur ❤️❤️❤️❤️❤️

Que c'est beau le théâtre ! N’y allons pas par quatre chemins, ce spectacle est parfait: drôle, émouvant, surprenant, triste, joyeux... Tout d’abord, le choix du théâtre musical apporte énormément de tendresse et la qualité des chansons n’y est pas étrangère. Les comédiens, n’ayons pas peur des mots, sont extraordinaires. Alexandre Faitrouni est si sincère et touchant qu’on en a plusieurs fois les larmes aux yeux. Quant à Valérie Zaccomer, elle est simplement bouleversante. La mise en scène de Virginie Lemoine est, comme toujours sobre et astucieuse. Cerise sur le gâteau, et qui rend l’ensemble encore plus émouvant, l’auteur de la pièce autobiographique et des chansons, Stéphane Corbin, est également sur scène et joue les mélodies en direct. On imagine son émotion de voir se dérouler devant ses yeux l’histoire de sa vie.
Je ne fais généralement pas la promotion de spectacles sur Paris mais "Nos années parallèles" est un bijou et sans aucun doute l’un des spectacles à voir en cette fin d'année. N’hésitez pas une seule seconde et précipitez vous au théâtre des Mathurins!

4 211 km c’est la distance entre Paris et Téhéran, celle parcourue par Mina et Fereydoun venus d’Iran pour se réfugier en France après une révolution qu’on leur a volée.  Yalda leur fille, née à Paris, nous raconte leur exil, leur combat pour la liberté, l’amour d’un pays et l’espoir d’un retour. Elle nous balade entre ses deux mondes : sa famille, des déracinés qui ne se plaignent jamais, et la société française dans laquelle elle cherche désespérément sa place.  C’est l’histoire d’un héritage que l’on aime et que l’on déteste, c’est l’histoire d’hommes et de femmes qui cherchent à se frayer un nouveau chemin. Alors qu’en Iran le peuple se révolte depuis plus d’un an, cette pièce résonne de manière particulière. Elle nous éclaire sur la barbarie du régime islamique et témoigne du combat que mènent les Iraniens depuis plus de 44 ans – ceux qui ne sont plus là, ceux qui sont restés et les exilés.

Malgré mes craintes initiales puisque je n'avais eu que d'excellents échos de cette pièce et j'en attendais beaucoup, je n'ai absolument pas été déçue. Effectivement, il mérite ses Molières, il en aurait peut-être même mérité davantage, tant je n'ai aucune critique à émettre. La mise en scène est sublime, les comédiens sont excellents et l'histoire nous atteint en plein coeur. Je n'ai pas eu de coup de coeur à proprement parler parce que j'ai eu l'impression d'avoir déjà vu une histoire quasi identique dans le film "nous 3 ou rien", mais cela n'enlève rien à la qualité du spectacle. Je n'ai juste pas été surprise mais j'ai toutefois été gagnée par l'émotion dans la scène finale que j'ai trouvée poignante. N'hésitez pas!

⭐⭐

Après 68 spectacles, est-ce la fatigue ou l’attente générée par les nombreux échos positifs ? Toujours est-il que j’ai été, personnellement, assez déçue par cette proposition.

Dès les premières minutes, une chose m’a frappée : étant hispanophone, j’ai été surprise (et parfois même gênée) par les nombreuses approximations dans la prononciation de l’espagnol. Cela nuit à la crédibilité de certaines scènes et un véritable travail linguistique me semble indispensable pour renforcer la cohérence de l’ensemble.

Côté mise en scène, si les jeux de sons et lumières sont précis et bien exécutés, je n’ai pas réussi à entrer pleinement dans la narration. L’histoire, certes complexe et ambitieuse, m’a souvent perdue. On sent une volonté de bien faire, mais le fil dramatique manque de clarté, et l’on finit parfois par décrocher.

La dernière partie, en revanche, m’a davantage touchée. Il s’agit d’une histoire vraie, celle d’une enfant au courage remarquable, et l’émotion affleure enfin. La volonté d’honorer la mémoire d’une grande tante est sincère et respectable, et c’est sans doute ce qu’on retient le plus en sortant.

Un beau projet sur le papier, empreint de sensibilité, mais au final un spectacle inégal qui, à mes yeux, peine à convaincre totalement.

⭐⭐⭐⭐

En ce dernier jour de festival, difficile pour moi de soutenir mon attention sur tout un spectacle. Il faut donc que la pièce soit particulièrement rythmée et la mise en scène inventive pour me tenir en haleine, et c'est ce qu'a réussi à faire toute l'équipe de "La voix d'or". Je ne m'y attendais pas du tout mais j'ai beaucoup aimé. J'ai aimé l'histoire, la mise en scène, les chansons, les chorégraphies et surtout les artistes. Je dis artistes car ils chantent, ils dansent, ils jouent et certains font même des claquettes. Comment ne pas insister particulièrement sur la performance de Sandrine Seubille mais aussi sur celle de Grégory Benchenafi? Quelle intensité de jeu! J'ai été embarquée dans cette histoire aux multiples rebondissements et recommande à tous les amateurs de théâtre musical d'aller les voir sur scène.

⭐⭐

Je ne m'attarderai pas sur ce spectacle qui, loin d'être mauvais, ne m'a absolument pas fait rire, ce qui est bien dommage pour une comédie. Certes les comédiens ont de l'énergie et la mise en scène est originale, mais ce n'est pas le genre d'humour qui me plaît. Cependant, une bonne partie du public a ri de bon coeur, je suis juste passée totalement à côté.

⭐⭐⭐✨

L'idée de base de ce spectacle est excellente puisqu'il s'agit de mêler deux genres que l'on pourrait penser incompatibles: la musique classique et le one man show d'humour. Et pourtant, François Moschetta relève le défi et nous présente un vrai "one piano show". Ce pianiste virtuose propose de nous faire découvrir la vie de Mozart et une petite partie de son œuvre tout en nous amusant. C'est très malin car cela présente cette musique à un autre public que les auditeurs de Radio Classique. Évidemment, l'homme est plus pianiste qu'humoriste mais les vannes sont plutôt bien trouvées et l'ensemble est très divertissant. C'est un spectacle qui ravira toute la famille et dans lequel vous en apprendrez davantage sur Mozart, vous apprendrez à comprendre ses œuvres et connaîtrez les grandes étapes de sa vie.

⭐⭐⭐⭐

Voilà un spectacle aussi surprenant que percutant. Sa forme, d’abord, déroute : une succession de saynètes, toutes très différentes, qui ont pourtant un objectif commun limpide : nous faire prendre conscience de la dangerosité de Jeff Bezos et de son empire tentaculaire.

Ce qui rend l’expérience particulièrement brillante, c’est la diversité des approches : chaque scène adopte un ton, un style ou un genre différent (tragédie grecque, comédie burlesque, clown, parodie grinçante, rap engagé…) Et dans chacun de ces registres, les comédiens excellent avec une aisance bluffante. Leur polyvalence est à saluer, tout comme la mise en scène inventive et les textes finement écrits.

Le spectacle alterne humour absurde, satire féroce, moments de poésie et d’émotion, avec un sens du rythme irréprochable. Le message est clair, frontal, et pourtant jamais lourd : c’est un théâtre politique intelligent, qui fait rire autant qu’il questionne.

Et que dire de l’image donnée de Jeff Bezos ? Elle est… désastreuse, évidemment. On ressort avec l’envie (ou la culpabilité ?) de ne plus jamais commander sur Amazon. Ce tiraillement entre conscience politique et confort personnel est d’ailleurs posé dès les premières minutes : il est facile d’avoir des convictions, plus difficile de les appliquer au quotidien. Le spectacle, sans donner de leçon, met le doigt sur cette hypocrisie collective avec justesse et ironie.

En résumé : un spectacle nécessaire, brillamment interprété, qui amuse, éveille et remue. Que demander de plus?

⭐⭐⭐✨

Conspirations n’est pas un simple spectacle de mentalisme, c’est une véritable proposition théâtrale, originale et captivante.

Évidemment, les réactions du public ne se font pas attendre : exclamations, rires, applaudissements, incrédulité. À chaque nouveau tour, les spectateurs sont bluffés. Mais dans un univers où les mentalistes se multiplient, Benoît Faceyrias a su trouver une manière bien à lui de se démarquer.

Son pari ? Fusionner mentalisme, théâtre et faits historiques. Sur scène, il incarne Nicolas de La Reynie, considéré comme le premier enquêteur de France, et nous plonge dans une intrigue inspirée de faits réels. Le fil narratif est solide, bien construit, et donne un vrai relief à l’ensemble. On ne se contente pas d’assister à une série de démonstrations : on est pris dans une histoire, avec un personnage, une époque, une tension dramatique.

La mise en scène est sobre mais efficace, et ponctuée de touches d’humour bien dosées. Et surtout, les numéros sont à la hauteur: incroyables, bluffants, hallucinants. Le genre de moments où l’on se tourne vers son voisin en chuchotant : « Mais comment il fait ?! »

Si vous aimez le mentalisme, courez-y. Et si vous pensez ne pas aimer ça… laissez-vous surprendre par cette forme hybride, aussi spectaculaire qu’intelligente.

⭐⭐⭐⭐

Les retrouvailles de 5 frères et sœurs à l'enterrement d'une mère terrifiante et castratrice, le sujet n'est pas une nouveauté. Mais avec un humour cinglant, des règlements de compte, de l'émotion, des personnages bien écrits et des comédiens talentueux, il ne manquait pas grand chose pour que j'aie un coup de coeur. Et pourtant à la sortie, j'avais ce petit goût amer et ce regret que chaque personnage n'était qu'esquissé. Il faut dire qu'ils sont si intéressants que l'on pourrait écrire toute une histoire sur chacun d'entre eux. Mais peut-on critiquer le fait que les personnages soient trop riches ou ne serait-ce pas plutôt bon signe? La mise en scène joue beaucoup avec les lumières et offre à chacun (ou presque) un petit espace de monologue qui nous éclaire sur ses démons. Au final, j'ai passé un très bon moment et c'est bien le plus important.

⭐⭐⭐

Politique, intelligent et engagé, ce spectacle offre une expérience intéressante. En effet, nous allons découvrir Edward Bernays, neveu de Freud, et maître en manipulation de masses. En résumé, c'est le père du marketing et de la communication moderne. La mise en scène est très originale: sur un grand tableau noir en fond de scène s'affiche peu à peu le tableau de chasse de cet homme, ses plus grandes réussites (savons, cigarettes, dictateurs) et surtout, tous les comédiens incarnent à un moment où à un autre Edward, comme pour montrer que ces méthodes sont très répandues. On ne peut qu'être édifié devant ces techniques de "vente" qui, comble de l'horreur, ont inspiré les nazis. Et surtout, les spectateurs, par la forme du spectacle, se questionnent forcément sur leur propre manipulation. Oui, nous sommes tous victimes de ces méthodes qui dominent désormais le monde. Le message n'est pas que négatif et on sent que l'auteur veut éveiller les consciences. "Un démocrate" est, certes, déstabilisant mais nécessaire.

⭐⭐✨

Je n'avais lu qu'un petit pitch du spectacle et m'attendais à voir une pièce à suspense. Il s'agit en fait d'une comédie, voire même d'une farce. Si j'ai été un peu déçue par la forme, puisque l'ensemble est assez caricatural (en tous cas je l'espère), j'ai été plus convaincue par le fond et la fin du spectacle. En réalité, il s'agit d'une critique du système politique français, de ses magouilles et ses copinages. En tous cas, le message et assez clair et le but est atteint. La pièce est rythmée et il y a plusieurs passages assez drôles. Donc si vous cherchez à vous détendre, vous pourriez passer un bon moment.

⭐⭐⭐✨

Wow! Ce que je retiens particulièrement de ce spectacle c'est la performance incroyable de ces artistes. On peut même dire ces athlètes, qui ont d'ailleurs été finalistes de la France a un incroyable talent. J'ai été bluffée car ce sont des acrobates de haut niveau qui ont leur place dans les plus grands shows de cirque au monde ( mention particulière pour celui que j'ai surnommé "l'homme chewing gum"). J'aurais eu un véritable coup de coeur si j'avais mieux compris tous les messages passés et si les numéros avaient été un peu moins répétitifs. Il n'empêche que c'est un spectacle d'une grande qualité, qui donne la pêche et qui éblouira les petits et les grands (il suffit de compter le nombre de wooooow du public pendant l'heure qu'a duré le show). Et pour couronner le tout, leur histoire est très touchante car ce sont d'ex enfants des rues de Guinée qui forment la troupe. A voir.

⭐⭐⭐✨

Encore une belle surprise! Un monologue en plein milieu de l'après-midi, c'est risqué, car il est parfois difficile de rester éveillé. La performance de Véronique Augereau n'en est que plus remarquable. Dès son entrée sur scène, j'ai été happé. La comédienne est tellement incroyable que j'ai eu l'impression qu'elle racontait sa propre histoire. Elle joue avec une vraie sincérité un texte pourtant très difficile. Ce texte qui donne la parole à une mère dont le fils a commis les pires atrocités. Ce point de vue que l'on n'entend jamais, car on ne veut pas l'entendre. Les seuls bémols que je peux avoir sont l'utilisation trop sporadique des écrans et une mise en scène un peu simple. Cela ne l'empêche absolument pas d'être un texte poignant déclamé par une interprète qui vit tellement son personnage qu'à la fin du spectacle elle a du mal à retrouver ses esprits. Bluffant!

⭐⭐⭐✨

Autant dire que le classique, ce n'est vraiment pas ce qui me botte car je m'y ennuie souvent Ma culture théâtrale se limitant à Molière, Corneille et Racine, je me suis laissée tenter par du Nikolaï Gogol sans avoir aucune idée de ce que j'allais voir. Et là, bonne surprise. Le texte est très accessible, l'histoire est peu originale mais amusante et les comédiens sont vraiment excellents. On est dans de la comédie pure, la mise en scène est simple mais avec quelques touches de folie qui apportent de l'humour et j'ai beaucoup apprécié que la musique soit jouée par un pianiste en live. En résumé, si vous voulez voir une pièce classique et efficace, vous serez comblés.

❤️❤️❤️❤️❤️

Coup de coeur 

Après le merveilleux "une vie sur mesure", Cédric Chapuis nous propose, dans un registre totalement différent, "Alter Egos ". On y découvre cet être fascinant qu'était Stanley Billigan (ou Billy Milligan dans la vraie vie), un homme accusé d'agression sexuelle, et finalement acquitté car diagnostiqué comme ayant un trouble dissociatif de l'identité. S'il est impossible de raconter toute sa vie en 1h20 (pour cela je vous conseille de lire le livre "les 1001 vies de Billy Milligan"), l'auteur est toutefois parvenu à résumer assez fidèlement cette histoire passionnante et l'a construite un peu à la manière d'un thriller. Enfin, comment ne pas mettre l'accent sur l'immense talent de Cédric Chapuis à incarner magistralement tous ces personnages? C'est une performance majuscule et vous sortirez probablement en ayant une irrésistible envie d'en savoir plus sur Milligan.

⭐⭐⭐✨

Voilà un spectacle sur un sujet très lourd puisqu'on y aborde la pédophilie dans l’Église. On y suit le parcours d'un jeune comédien, victime lors de son adolescence d'un prêtre pervers et manipulateur, qui va se trouver confronté à ses fantômes du passé qu'il a tenté d'oublier depuis des années en devant jouer une scène du Tartuffe (d'ailleurs, ce parallèle est très bien trouvé). Le parti pris est de mettre davantage l'accent sur la difficulté de se construire après une telle atrocité et sur ses conséquences désastreuses que sur les actes eux-mêmes, même si l'on assiste quand même à quelques scènes très suggestives voire choquantes. La pièce est révoltante et le comédien principal est très touchant. J'ai également beaucoup aimé certaines idées dans la mise en scène, en particulier les transitions dans les flashbacks et la scène du tribunal. En résumé, je recommande vraiment ce spectacle.

⭐⭐⭐

Véritable succès depuis le début du festival, affichant complet jusqu’à la toute dernière représentation, ce spectacle avait suscité en moi une grande attente. Je m’attendais à être profondément touchée, peut-être même à verser une petite larme.

Et pourtant, malgré ses nombreuses qualités, je suis restée un peu sur ma faim. Ne vous méprenez pas, il s’agit d’un très beau spectacle, porté par une interprétation remarquable, notamment grâce à la magnifique performance de Jean-Jacques Vannier. La mise en scène, élégante et maîtrisée, rappelle parfois le style soigné d’un Daguerre, propre et classique.

Le spectacle coche toutes les cases du théâtre de qualité, avec un soin apporté à chaque détail et une écriture qui mérite sans doute des Molières. Cependant, il m’a manqué ce petit supplément d’âme, ce frisson d’émotion qui fait qu’une pièce reste gravée longtemps après sa fin.

Je ne peux en aucun cas déconseiller ce spectacle : il saura séduire un large public, par sa rigueur et sa belle interprétation. Mais personnellement, j’espérais une expérience plus intense, un lien plus profond avec les personnages et leur histoire.

En somme, un spectacle très réussi, mais qui, pour moi, n’a pas tout à fait atteint l’émotion à laquelle je m’attendais.

⭐⭐✨

C'est un bon spectacle, avec une comédienne talentueuse, une excellente mise en scène et un message intéressant. On y suit la vie de Jeanne, comédienne-boxeuse, on nous raconte son enfance entourée de parents qui ne l'écoutent pas, sa descente aux enfers commençant par le décrochage scolaire et l'agression sexuelle qu'elle subit, et sa tentative de s'en sortir grâce à la boxe et au théâtre. Malgré quelques passages forts, le ton plutôt humoristique m'a empêché d'être envahie par l'émotion que j'aurais peut-être dû ressentir. Cependant, cette pièce est un véritable coup de coeur pour bon nombre de spectateurs et rencontre un tel succès qu'elle vous plaira probablement.

J'ai mis plusieurs jours à me décider à écrire sur ce spectacle et je ne mettrai pas de note. Je vais tenter d'expliquer pourquoi. Tout d'abord, il faut savoir que je suis une grande fan des Moutons Noirs et que j'attends chacune de leurs créations avec impatience. J'étais donc tellement pressée d'aller voir cet "avis de recherche" que je ne me suis absolument pas renseignée sur le spectacle. Avis de recherche, c'est une adaptation ultra moderne et ultra déjantée (comme toujours avec eux) de L'illusion comique de Corneille. Et c'est là le problème. Je n'aime pas du tout les pièces classiques, et encore moins Corneille. Les 10/15 premières minutes de la pièces sont géniales. Les spectateurs sont partie intégrante du spectacle puisqu'ils deviennent public d'une émission de télévision présentée par un présentateur odieux. Comme lors d'une émission, on nous explique le fonctionnement, on nous demande de rire, d'applaudir, de nous exclamée... C'est très malin. Yannick Laubain incarne un présentateur totalement ringard et détestable, les autres deviennent techniciens... Bref, l'idée de départ est géniale. Le problème de cette pièce pour moi n'est absolument pas la troupe des Moutons Noirs, c'est le texte de Corneille. Ils ont beau essayer de le moderniser à base de personnages caricaturaux, de costumes ridicules et de l'utilisation de la vidéo, l'histoire reste extrêmement ennuyeuse, en tous cas, à mes yeux. Et surtout, si j'avais connu l'histoire des Illusions comiques à la base, j'aurais été capable de comprendre le pourquoi du comment. Avec le recul, et après m'être renseignée, je comprends qu'il y a eu un travail énorme sur le texte et une vraie réflexion sur la meilleure manière de l'adapter. En soi, pour tout ce travail, cela mérite au moins 4 étoiles mais je ne peux me résigner à recommander ce spectacle car il sera très clivant et risque de déplaire à beaucoup de monde. Donc je dirais, si vous aimez Corneille et l'humour absurde, vous allez adorer.

⭐⭐⭐✨

J'ai trouvé que ce spectacle était très intéressant, en particulier pour les adolescents. Il permet d'aborder avec eux les thèmes du harcèlement, bien sûr, et des addictions aux réseaux sociaux. En effet, ici, tous les personnages à leur manière, qu'ils soient jeunes ou moins, sont dépendants des commentaires et likes et ne semblent pouvoir se sentir exister qu'à travers le nombre de pouces et retweets qu'ils reçoivent. Cela doit faire écho en bon nombre de personnes, moi y compris. Si la réponse à la question posée dans le titre n'est finalement que peu abordée et n'est pas le point central de la pièce, certains moments m'ont énormément plu. J'ai particulièrement apprécié la gravité dans la mise en scène du moment de la visite des camps et les témoignages ainsi que les chorégraphies (surtout celle des masques). Décidément, le théâtre de l'Oulle a une programmation d'une immense qualité cette année!

⭐⭐⭐⭐

Cela fait des années qu'on me parle de ce spectacle et que je ne trouve pas le temps d'aller le voir. J'ai donc profité de ce festival d'Avignon pour enfin prendre ce temps. Aucun regret. Adapté d'un roman de plusieurs centaines de pages, les fans du livre pourront peut-être regretter quelques elipses pourtant indispensables pour que la pièce ne dure pas cinq heures. N'ayant pas lu l'oeuvre, je n'ai pas ce regret. J'ai passé un très bon moment devant cette histoire s'apparentant à une comédie romantique (mais pas gnangnan), je me suis laissée porter par l'histoire et j'ai beaucoup aimé la prestation des trois comédiens: une Ludivine de Chastenet tout en retenue, un Morgan Pérez très touchant et, encore une fois, un Mikael Chirinian phénoménal même s'il n'apparaît que cinq minutes. C'est un très beau spectacle qui mérite toutes les éloges qu'il a reçues.

⭐⭐⭐

Impossible de parler en profondeur de la pièce dans dévoiler des éléments-clé de l'intrigue. Je dirai donc simplement que tous les ingrédients sont réunis pour faire un joli spectacle: une belle histoire d'amitié intergénérationnelle, des retournements de situation, des moments légers, d'autres plus graves, et des comédiennes aussi différentes que complémentaires. Je retiens particulièrement l'énergie de Kim Schwarck dans ce rôle qui semble taillé pour elle. Un beau moment de théâtre.

⭐⭐⭐

Molière du meilleur seul en scène 2024, Eva Rami était présente pour deux représentations exceptionnelles à la Scala et j'ai sauté sur l'occasion. Sa marque de fabrique étant de raconter son parcours de vie en incarnant de multiples personnages qui ont jalonné son existence, elle ne fait pas exception dans ce spectacle. Son talent de comédienne est indéniable, la mise en scène est parfaite et le sujet abordé (les violences sexuelles) est fort et intime. Comme lors de son précédent spectacle, j'admire énormément la performance mais justement, je me demande si ce n'est pas un peu au détriment de l'émotion. En tous cas, j'ai eu du mal à être réellement touchée malgré la puissance du propos. Il n'empêche que c'est un spectacle d'une immense qualité et que le Molière est amplement mérité.

⭐⭐⭐✨

Christophe Delort, auteur à succès bien connu pour ses comédies, est un homme de défis. Rien que cette année au festival, il a signé pas moins de cinq mises en scène et joue dans trois spectacles chaque jour. Cette fois, il s’est lancé dans une toute nouvelle aventure : le biopic, et pas n’importe lequel : celui d’Al Capone, figure mythique et complexe dont la vie mouvementée ne laisse rien au hasard.

Autant vous dire que le pari est brillamment tenu, et que j’ai adoré cette pièce. L’ambiance de la prohibition est recréée avec un soin méticuleux : décors d’époque, costumes impeccables, effets vidéo immersifs et surtout un groupe de musiciens live qui apportent énergie et authenticité à la représentation.

L’histoire d’Al Capone, l’un des gangsters les plus célèbres de tous les temps, est synthétisée avec finesse, donnant un aperçu à la fois complet et rythmé de sa vie tumultueuse. La mise en scène exploite avec ingéniosité les spécificités de la salle, rendant l’expérience encore plus immersive pour le spectateur.

Alexandre Putfin incarne un Al Capone à la fois charismatique et terrifiant, et le reste de la troupe multiplie avec brio les personnages, passant d’un rôle à l’autre avec une aisance impressionnante.

Le rythme est soutenu, sans aucun temps mort, ce qui empêche toute forme d’ennui. Pour quelqu’un comme moi qui adore apprendre au théâtre, ce spectacle fut un véritable régal.

Je ne peux que vous recommander vivement cette pièce, un spectacle à la fois instructif, captivant et intense qui marquera sans doute les esprits.

⭐⭐⭐

L'idée de départ de la pièce est originale puisqu'elle a pour propos de faire un lien entre le livre Madame Bovary et la vie d'Emma, cette enfant surprenante, ado rebelle, femme délaissée et vieille dame désespérément seule. Dans ce seul en scène, Julie Deroisin montre toute l'étendue de son talent en incarnant avec justesse le personnage tout au long de sa vie avec des allers-retours continuels entre les différentes époques de son existence. Ce spectacle est parfois très drôle car la comédienne déborde d'énergie, a un réel talent comique et que l'écriture est bonne. Cependant, je me suis un peu perdue car, si au début, on voit tout à fait le rôle du roman de Flaubert dans la vie de cette Emma, peu à peu il disparaît et s'enchaînent les scènes, certes intéressantes, mais sans réel rapport avec lui. Je pense que je ne connais pas assez Madame Bovary pour y voir les liens. Cependant, j'ai quasiment eu envie de lire le livre en sortant, c'est plutôt bon signe!

⭐⭐⭐⭐

Quel spectacle passionnant! J'aime de plus en plus les récits historiques au théâtre et j'admire les auteurs et metteurs en scène qui se risquent à raconter des histoires aussi complexes sur une scène. Ici, l'affaire Dreyfus et ces quelques courageux (Zola et Méliès) qui se sont risqués à dénoncer ce scandale d'état chacun avec leurs armes (une plume pour le premier et une caméra pour le second) et ce, au péril de leur carrière. En ont découlé l'article de presse le plus célèbre de l'histoire de France, le fameux "J'accuse", déclamé de manière extrêmement puissante dans ce que je considère comme le climax du spectacle, ainsi que le premier film censuré au monde, "l'affaire Dreyfus". Sans ces Téméraires et leur influence, qui sait si cet homme aurait été réhabilité? La pièce est également émaillée de répliques très drôles qui font mouche et est portée par une excellente mise en scène et des comédiens talentueux. Je connaissais Stéphane Dauch et Charlotte Matzneff que j'avais déjà adorés à plusieurs reprises et je retiens l'immense performance de Romain Lagarde dans le rôle de Zola. Enfin, j'ai beaucoup aimé l'accent mis sur l'importance des femmes dans la carrière de leurs maris. Il s'agit d'un spectacle très instructif, du beau théâtre de troupe comme on en voit de moins en moins, et grande spécialité du Grenier de Babouchka.

⭐⭐⭐✨

Ce spectacle est une réussite. L'histoire (vraie) est bouleversante, la mise en scène est très belle et la présence d'une musicienne sur scène est une magnifique trouvaille et apporte un vrai plus. On ne peut qu'être touché par cette histoire et on pourrait se sentir révolté : comment une jeune femme de 29 ans peut se retrouver pendant des mois à l'hôpital à cause d'une grippe mal soignée? Mais ce n'est pas le chemin que la comédienne veut prendre. Ici aucune colère, pas de critique envers un personnel hospitalier pas toujours délicat. Non, on ne veut retenir que le positif. C'est une véritable ode à la vie, une leçon de résilience et de courage et surtout, c'est un spectacle drôle. Katia Ghanty joue son rôle, bien sûr, mais utilise ses vrais talents de comédienne pour incarner également tout ce personnel hospitalier qui lui a sauvé la vie. J'ai parfois été très touchée par certaines situations, mais je me suis également de temps en temps sentie mal à l'aise car je n'ai pu m'empêcher de m'imaginer à sa place et ressentir au fond de moi la souffrance qu'elle a dû elle-même ressentir. C'est un spectacle dur mais qui heureusement est abordé avec recul et humour. Il me paraissait également important de parler de l'après, et de la difficulté de se reconstruire après une telle épreuve, surtout quand tout le monde s'attend maladroitement à ce que l'on croque la vie à pleines dents. En cela, le texte m'aura fait réfléchir et le spectacle me semble très intéressant.

⭐⭐⭐⭐✨

Très attendu après son succès avec No Limit, Robin Goupil ne déçoit pas. Je dirais même que The Loop m’a encore plus séduite. Inutile de chercher un message politique caché ici : c’est du pur divertissement, intelligent et jubilatoire.

À la manière de Qui a tué Pamela Rose ?, on est plongé dans un commissariat américain, où une enquête pour meurtre est confiée à deux inspecteurs complètement déjantés. La vraie originalité tient dans l’utilisation brillante de la théorie de l’effet papillon : l’interrogatoire est rejoué trois fois, chaque fois avec une ou deux variations apparemment mineures… mais qui entraînent des conséquences de plus en plus folles. Le tout vire au délire dans une mécanique narrative parfaitement maîtrisée.

C’est très malin. Et surtout : hilarant.

Difficile de ne pas saluer les comédiens, avec une mention spéciale pour les comédiennes à qui l’on a confié les meilleurs rôles. J’avoue un petit faible pour Juliette Damy, irrésistible à chaque apparition.

Vous sortirez le sourire aux lèvres. Et un conseil : réservez vite. Le spectacle risque d’afficher complet jusqu’à la fin du festival et à mon avis, ce n’est que le début. Je lui prédis une longue vie : succès parisien, nomination aux Molières, tournée triomphale… Ce serait amplement mérité.

⭐⭐⭐✨

Encore un seul en scène féminin, cette fois-ci sur un sujet rarement abordé puisque Marie-Odile Weiss nous parle d'autisme. Si le sujet est traité avec autant de sincérité, c'est que la comédienne nous parle en réalité de son histoire et met en lumière les difficultés auxquelles elle s'est trouvée confrontée avec son fils. C'est un parcours du combattant qui attend les familles d'enfants atteints de ce handicap, noyées entre les diagnostics et leurs initiales incompréhensibles et les multiples rendez-vous médicaux. Elles doivent également faire face au regard des autres et à leur propre culpabilité. On ne peut que ressentir de l'empathie pour eux et de la colère en voyant le peu de soutien qu'ils reçoivent. C'est un spectacle qui fait énormément réfléchir, qui est plein d'amour mais aussi d'humour et très pédagogique puisqu'il donne des clés au grand public pour comprendre l'autisme. Je recommande vivement.

⭐⭐⭐✨

J'ai été très touchée par ce spectacle. Sa thématique est sensible puisqu'il traite des enfants placés en familles d'accueil. Et ce qui est très intéressant est que l'on aborde le point de vue de l'enfant placé, des parents "adoptifs" et des enfants de la famille d'accueil. Chacun à son échelle souffre de la situation. Le fameux Tom, évidemment, abandonné par ses parents biologiques, Achille le nouveau frère, qui a peur de se faire prendre sa place, et les parents d'Achille qui veulent essayer de guérir cet enfant, parfois maladroitement. Si le sujet mériterait d'être approfondi (impossible malheureusement en une heure dix), la pièce n'en reste pas moins une pièce très émouvante et les acteurs, en particulier les deux jeunes, sont convaincants. Ce spectacle est une très belle surprise.

⭐⭐⭐✨

"Classement sans suite" est loin d'être le seul spectacle de cet Avignon à traiter des violences faites aux femmes mais c'est probablement le plus original. Ses choix en terme de mise en scène et de narration sont une véritable prise de risque payante. Le but ici n'est pas de raconter UNE histoire mais un maximum d'histoires, avec une variété de victimes allant du petit garçon à la femme mariée, en passant par la prostituée ou la jeune femme... C'est assez bien vu et l'éventail est très large. Il met également clairement en cause les institutions, les agresseurs (logique), les proches... Tout le monde en prend un peu pour son grade. Certains moments de "pauses volontaires" où le quatrième mur est brisé permettent, non seulement, d'apporter un peu de légèreté mais également d'autres axes de réflexion. Ce spectacle, écrit (il faut le noter) par un homme, a un côté didactique très intéressant qui permettra au plus grand nombre de se sentir concerné.

⭐⭐⭐

C'est délirant, trash, complètement barré, en gros c'est Punk! Si les amateurs de ce genre de musique s'en donneront à cœur joie, les autres se laisseront embarquer par l'histoire très intéressante d'un des premiers groupes de Punk féminin au monde. L'énergie débordante des comédiennes, la musique live, les décors et la mise en scène sont les gros points positifs de ce show décoiffant qui parvient également à nous émouvoir par moments. On se demande bien comment ils réussissent à tenir 1h30 sans que l'ardeur ne faiblisse jamais. Bravo pour la performance!

❤️❤️❤️❤️❣️

Coup de coeur

Premier petit coup de coeur de ce festival pour ce seul en scène bouleversant de Mikaël Chirinian. Le comédien nous livre une performance époustouflante (dans la lignée de ce qu'il avait fait dans "la liste de nos envies" ou "l'ombre de la baleine"). Il ne se contente pas de délivrer le texte du livre du même nom, il incarne ce personnage abject, "l'ange de la mort" d'Auschwitz, avec une interprétation tellement puissante qu'on en reste scotché. On déteste cet homme, on vomit les propos tenus et sa lâcheté et on est révolté d'apprendre qu'il a toute sa vie échappé à la justice. De la première à la dernière seconde, le public est tenu en haleine et ne peut que se lever d'un seul homme à la fin pour acclamer l'artiste. Sans aucun doute, ce spectacle, qui résonne particulièrement dans le contexte actuel, sera complet tout le festival et Mikaël Chirinian sera tôt ou tard dans la course aux Molières.

⭐⭐⭐

Au fur et à mesure que les années passent, le one man show est un style de spectacle qui m'attire de moins en moins. Il subsiste tout de même quelques humoristes qui continuent à susciter mon intérêt et Karim Duval en fait partie. Tout simplement car je le trouve différent. Ici pas de jeux de mots faciles, pas de clichés vus et revus, les thématiques sont originales et l'écriture est intelligente. D'ailleurs, qui utilise le mot Entropie dans un spectacle d'humour de nos jours? Et en plus, c'est drôle. En somme, s'il y avait un stand up à aller voir, je conseillerais sans hésiter celui-ci.

⭐⭐⭐✨

Nicolas Devort est un artiste au talent quasi unique dans le paysage théâtral contemporain. Seul sur scène, avec pour seuls « accessoires » son corps, sa voix et son incroyable présence, il parvient à créer tout un univers. Son spectacle nous entraîne dans l’histoire de Lisa, une adolescente d’aujourd’hui confrontée à un bouleversement majeur, un monde qui s’écroule autour d’elle.

Au premier abord, le récit pourrait sembler être celui d’une adolescente en quête de sens, d’identité, comme on en voit souvent. Pourtant, il s’agit bien plus que cela : le sujet, d’une grande profondeur, explore des thématiques universelles, sensibles et actuelles, qui touchent au cœur de nos existences. Je n’en dirai pas plus pour ne pas gâcher la découverte, mais sachez que chaque moment sur scène résonne bien au-delà des apparences.

La mise en scène, d’une grande précision, est une nouvelle fois une démonstration du talent de Devort. Tout est millimétré : chaque mouvement, chaque regard, chaque silence est pensé pour maximiser l’émotion et l’impact sur le spectateur. C’est un théâtre d’une rare intensité, où la simplicité apparente masque une maîtrise technique et artistique impressionnante.

La performance de Nicolas Devort est tout simplement de haut vol. Son engagement total, sa capacité à incarner plusieurs personnages et à faire vivre une histoire complexe seul sur scène forcent le respect. On est littéralement happé, tenu en haleine, suspendu à chacun de ses gestes, de ses mots.

Ce spectacle est une véritable leçon d’art théâtral où l’on comprend que, parfois, le minimalisme est la clé pour toucher au plus profond. Un seul comédien, un plateau nu, et pourtant une émotion immense, une puissance rare.

Je ne peux que vous encourager vivement à découvrir cette pièce.

⭐⭐⭐⭐

Je ne compte plus le nombre de pièces de Molière avec soi-disant "une mise en scène moderne". Pas un jour où l'on ne m'arrête dans la rue pour me proposer ce genre de spectacle. Alors pourquoi, moi qui ne suis pas du tout friande de théâtre classique, ai-je choisi celui-ci? La réponse tient en un nom: Tigran Mekhitarian. Ici metteur en scène et comédien, il m'avait éblouie l'an dernier dans "La maladie de la famille M" par son intensité dans le jeu et son talent. La prouesse de m'avoir tenue en haleine devant une pièce de Molière, qui plus est à cette heure-là, ne tient pas seulement au fait que, décidément, les sièges du théâtre de l'Oulle sont bien inconfortables. C'est surtout parce que, malgré un texte que je trouve parfois un peu difficile à suivre (les longs monologues de temps en temps par exemple), les choix faits dans la mise en scène sont judicieux. L'utilisation parfois d'un langage familier, s'il pourrait peut-être en déranger certains, crée un décalage et un effet comique qui font mouche. Cette pièce a surtout comme immense qualité de rendre accessible aux adolescents un texte qui pourrait leur sembler compliqué. Si vous cherchez à voir un classique sur ce festival, je vous recommande celui-ci.

⭐⭐⭐

En voilà un spectacle original ! La performance des comédiens/chanteurs/ mimes/bruiteurs est époustouflante. Le parti pris de nous raconter une histoire sans aucune bande son est un défi relevé haut la main tant ils rivalisent d'ingéniosité en détournant des objets du quotidien pour réaliser tous les bruitages. On passe son temps à se dire que c'est incroyable d'arriver a un tel réalisme a l'aide d'un bout de tuyau, d'un sac en plastique ou d'une simple bassine d'eau. Et lorsqu'il s'agit de chanter, les voix s'accordent merveilleusement. Le jeu du comédien principal est convaincant et l'écoute et l'osmose entre les 5 comédiens est parfaite. En ces points, ce spectacle est à voir. Même si j'ai trouvé la fin un peu longue et répétitive et que l'histoire ne m'a pas transportée, on ira principalement les voir pour la prouesse technique que représente ce spectacle.

⭐⭐⭐

La thématique de la prostitution étudiante, rarement abordée sur les planches, a immédiatement capté mon attention. Il est essentiel de parler de ce sujet trop souvent tabou, d’expliquer les raisons qui poussent certaines jeunes filles dans cette voie, mais aussi de montrer combien il est difficile d’en sortir.

Sur ce point, le spectacle remplit pleinement sa mission : l’histoire, tirée de faits réels, touche profondément le public et suscite une vraie émotion.

La mise en scène signée Violaine Arsac est intelligente et efficace. J’ai particulièrement retenu l’utilisation symbolique d’une veste d’homme suspendue en arrière-plan, qui incarne les clients lors d’une scène d’agression, une idée forte et très bien pensée.

Mon seul bémol concernerait le manque d’interaction entre les comédiens, une limite sans doute inhérente à la forme de l’adaptation, basée sur des échanges épistolaires ou virtuels entre deux protagonistes.

Enfin, il faut saluer la présence sur place du « héros » de cette histoire (terme que j’emploie avec intention) qui a accompagné cette jeune femme tout au long du festival. Son soutien sans faille est admirable et donne encore plus de poids à ce récit bouleversant.