Un énorme coup de cœur

Que c'est beau le théâtre ! N’y allons pas par quatre chemins, ce spectacle est parfait: drôle, émouvant, surprenant, triste, joyeux... Tout d’abord, le choix du théâtre musical apporte énormément de tendresse et la qualité des chansons n’y est pas étrangère. Les comédiens, n’ayons pas peur des mots, sont extraordinaires. Alexandre Faitrouni est si sincère et touchant qu’on en a plusieurs fois les larmes aux yeux. Quant à Valérie Zaccomer, elle est simplement bouleversante. La mise en scène de Virginie Lemoine est, comme toujours sobre et astucieuse. Cerise sur le gâteau, et qui rend l’ensemble encore plus émouvant, l’auteur de la pièce autobiographique et des chansons, Stéphane Corbin, est également sur scène et joue les mélodies en direct. On imagine son émotion de voir se dérouler devant ses yeux l’histoire de sa vie.
Je ne fais généralement pas la promotion de spectacles sur Paris mais "Nos années parallèles" est un bijou et sans aucun doute l’un des spectacles à voir en cette fin d'année. N’hésitez pas une seule seconde et précipitez vous au théâtre des Mathurins!

4 211 km c’est la distance entre Paris et Téhéran, celle parcourue par Mina et Fereydoun venus d’Iran pour se réfugier en France après une révolution qu’on leur a volée.  Yalda leur fille, née à Paris, nous raconte leur exil, leur combat pour la liberté, l’amour d’un pays et l’espoir d’un retour. Elle nous balade entre ses deux mondes : sa famille, des déracinés qui ne se plaignent jamais, et la société française dans laquelle elle cherche désespérément sa place.  C’est l’histoire d’un héritage que l’on aime et que l’on déteste, c’est l’histoire d’hommes et de femmes qui cherchent à se frayer un nouveau chemin. Alors qu’en Iran le peuple se révolte depuis plus d’un an, cette pièce résonne de manière particulière. Elle nous éclaire sur la barbarie du régime islamique et témoigne du combat que mènent les Iraniens depuis plus de 44 ans – ceux qui ne sont plus là, ceux qui sont restés et les exilés.

Malgré mes craintes initiales puisque je n'avais eu que d'excellents échos de cette pièce et j'en attendais beaucoup, je n'ai absolument pas été déçue. Effectivement, il mérite ses Molières, il en aurait peut-être même mérité davantage, tant je n'ai aucune critique à émettre. La mise en scène est sublime, les comédiens sont excellents et l'histoire nous atteint en plein coeur. Je n'ai pas eu de coup de coeur à proprement parler parce que j'ai eu l'impression d'avoir déjà vu une histoire quasi identique dans le film "nous 3 ou rien", mais cela n'enlève rien à la qualité du spectacle. Je n'ai juste pas été surprise mais j'ai toutefois été gagnée par l'émotion dans la scène finale que j'ai trouvée poignante. N'hésitez pas!

Après 68 spectacles, est-ce la fatigue ou l’attente générée par les nombreux échos positifs ? Toujours est-il que j’ai été, personnellement, assez déçue par cette proposition.

Dès les premières minutes, une chose m’a frappée : étant hispanophone, j’ai été surprise (et parfois même gênée) par les nombreuses approximations dans la prononciation de l’espagnol. Cela nuit à la crédibilité de certaines scènes et un véritable travail linguistique me semble indispensable pour renforcer la cohérence de l’ensemble.

Côté mise en scène, si les jeux de sons et lumières sont précis et bien exécutés, je n’ai pas réussi à entrer pleinement dans la narration. L’histoire, certes complexe et ambitieuse, m’a souvent perdue. On sent une volonté de bien faire, mais le fil dramatique manque de clarté, et l’on finit parfois par décrocher.

La dernière partie, en revanche, m’a davantage touchée. Il s’agit d’une histoire vraie, celle d’une enfant au courage remarquable, et l’émotion affleure enfin. La volonté d’honorer la mémoire d’une grande tante est sincère et respectable, et c’est sans doute ce qu’on retient le plus en sortant.

Un beau projet sur le papier, empreint de sensibilité, mais au final un spectacle inégal qui, à mes yeux, peine à convaincre totalement.

En ce dernier jour de festival, difficile pour moi de soutenir mon attention sur tout un spectacle. Il faut donc que la pièce soit particulièrement rythmée et la mise en scène inventive pour me tenir en haleine, et c'est ce qu'a réussi à faire toute l'équipe de "La voix d'or". Je ne m'y attendais pas du tout mais j'ai beaucoup aimé. J'ai aimé l'histoire, la mise en scène, les chansons, les chorégraphies et surtout les artistes. Je dis artistes car ils chantent, ils dansent, ils jouent et certains font même des claquettes. Comment ne pas insister particulièrement sur la performance de Sandrine Seubille mais aussi sur celle de Grégory Benchenafi? Quelle intensité de jeu! J'ai été embarquée dans cette histoire aux multiples rebondissements et recommande à tous les amateurs de théâtre musical d'aller les voir sur scène.

Je ne m'attarderai pas sur ce spectacle qui, loin d'être mauvais, ne m'a absolument pas fait rire, ce qui est bien dommage pour une comédie. Certes les comédiens ont de l'énergie et la mise en scène est originale, mais ce n'est pas le genre d'humour qui me plaît. Cependant, une bonne partie du public a ri de bon coeur, je suis juste passée totalement à côté.

Voilà un spectacle aussi surprenant que percutant. Sa forme, d’abord, déroute : une succession de saynètes, toutes très différentes, qui ont pourtant un objectif commun limpide : nous faire prendre conscience de la dangerosité de Jeff Bezos et de son empire tentaculaire.

Ce qui rend l’expérience particulièrement brillante, c’est la diversité des approches : chaque scène adopte un ton, un style ou un genre différent (tragédie grecque, comédie burlesque, clown, parodie grinçante, rap engagé…) Et dans chacun de ces registres, les comédiens excellent avec une aisance bluffante. Leur polyvalence est à saluer, tout comme la mise en scène inventive et les textes finement écrits.

Le spectacle alterne humour absurde, satire féroce, moments de poésie et d’émotion, avec un sens du rythme irréprochable. Le message est clair, frontal, et pourtant jamais lourd : c’est un théâtre politique intelligent, qui fait rire autant qu’il questionne.

Et que dire de l’image donnée de Jeff Bezos ? Elle est… désastreuse, évidemment. On ressort avec l’envie (ou la culpabilité ?) de ne plus jamais commander sur Amazon. Ce tiraillement entre conscience politique et confort personnel est d’ailleurs posé dès les premières minutes : il est facile d’avoir des convictions, plus difficile de les appliquer au quotidien. Le spectacle, sans donner de leçon, met le doigt sur cette hypocrisie collective avec justesse et ironie.

En résumé : un spectacle nécessaire, brillamment interprété, qui amuse, éveille et remue. Que demander de plus?

Conspirations n’est pas un simple spectacle de mentalisme, c’est une véritable proposition théâtrale, originale et captivante.

Évidemment, les réactions du public ne se font pas attendre : exclamations, rires, applaudissements, incrédulité. À chaque nouveau tour, les spectateurs sont bluffés. Mais dans un univers où les mentalistes se multiplient, Benoît Faceyrias a su trouver une manière bien à lui de se démarquer.

Son pari ? Fusionner mentalisme, théâtre et faits historiques. Sur scène, il incarne Nicolas de La Reynie, considéré comme le premier enquêteur de France, et nous plonge dans une intrigue inspirée de faits réels. Le fil narratif est solide, bien construit, et donne un vrai relief à l’ensemble. On ne se contente pas d’assister à une série de démonstrations : on est pris dans une histoire, avec un personnage, une époque, une tension dramatique.

La mise en scène est sobre mais efficace, et ponctuée de touches d’humour bien dosées. Et surtout, les numéros sont à la hauteur: incroyables, bluffants, hallucinants. Le genre de moments où l’on se tourne vers son voisin en chuchotant : « Mais comment il fait ?! »

Si vous aimez le mentalisme, courez-y. Et si vous pensez ne pas aimer ça… laissez-vous surprendre par cette forme hybride, aussi spectaculaire qu’intelligente.

Les retrouvailles de 5 frères et sœurs à l'enterrement d'une mère terrifiante et castratrice, le sujet n'est pas une nouveauté. Mais avec un humour cinglant, des règlements de compte, de l'émotion, des personnages bien écrits et des comédiens talentueux, il ne manquait pas grand chose pour que j'aie un coup de coeur. Et pourtant à la sortie, j'avais ce petit goût amer et ce regret que chaque personnage n'était qu'esquissé. Il faut dire qu'ils sont si intéressants que l'on pourrait écrire toute une histoire sur chacun d'entre eux. Mais peut-on critiquer le fait que les personnages soient trop riches ou ne serait-ce pas plutôt bon signe? La mise en scène joue beaucoup avec les lumières et offre à chacun (ou presque) un petit espace de monologue qui nous éclaire sur ses démons. Au final, j'ai passé un très bon moment et c'est bien le plus important.

Politique, intelligent et engagé, ce spectacle offre une expérience intéressante. En effet, nous allons découvrir Edward Bernays, neveu de Freud, et maître en manipulation de masses. En résumé, c'est le père du marketing et de la communication moderne. La mise en scène est très originale: sur un grand tableau noir en fond de scène s'affiche peu à peu le tableau de chasse de cet homme, ses plus grandes réussites (savons, cigarettes, dictateurs) et surtout, tous les comédiens incarnent à un moment où à un autre Edward, comme pour montrer que ces méthodes sont très répandues. On ne peut qu'être édifié devant ces techniques de "vente" qui, comble de l'horreur, ont inspiré les nazis. Et surtout, les spectateurs, par la forme du spectacle, se questionnent forcément sur leur propre manipulation. Oui, nous sommes tous victimes de ces méthodes qui dominent désormais le monde. Le message n'est pas que négatif et on sent que l'auteur veut éveiller les consciences. "Un démocrate" est, certes, déstabilisant mais nécessaire.

Je n'avais lu qu'un petit pitch du spectacle et m'attendais à voir une pièce à suspense. Il s'agit en fait d'une comédie, voire même d'une farce. Si j'ai été un peu déçue par la forme, puisque l'ensemble est assez caricatural (en tous cas je l'espère), j'ai été plus convaincue par le fond et la fin du spectacle. En réalité, il s'agit d'une critique du système politique français, de ses magouilles et ses copinages. En tous cas, le message et assez clair et le but est atteint. La pièce est rythmée et il y a plusieurs passages assez drôles. Donc si vous cherchez à vous détendre, vous pourriez passer un bon moment.

J'ai été très touchée par ce spectacle. Sa thématique est sensible puisqu'il traite des enfants placés en familles d'accueil. Et ce qui est très intéressant est que l'on aborde le point de vue de l'enfant placé, des parents "adoptifs" et des enfants de la famille d'accueil. Chacun à son échelle souffre de la situation. Le fameux Tom, évidemment, abandonné par ses parents biologiques, Achille le nouveau frère, qui a peur de se faire prendre sa place, et les parents d'Achille qui veulent essayer de guérir cet enfant, parfois maladroitement. Si le sujet mériterait d'être approfondi (impossible malheureusement en une heure dix), la pièce n'en reste pas moins une pièce très émouvante et les acteurs, en particulier les deux jeunes, sont convaincants. Ce spectacle est une très belle surprise.

Wow! Ce que je retiens particulièrement de ce spectacle c'est la performance incroyable de ces artistes. On peut même dire ces athlètes, qui ont d'ailleurs été finalistes de la France a un incroyable talent. J'ai été bluffée car ce sont des acrobates de haut niveau qui ont leur place dans les plus grands shows de cirque au monde ( mention particulière pour celui que j'ai surnommé "l'homme chewing gum"). J'aurais eu un véritable coup de coeur si j'avais mieux compris tous les messages passés et si les numéros avaient été un peu moins répétitifs. Il n'empêche que c'est un spectacle d'une grande qualité, qui donne la pêche et qui éblouira les petits et les grands (il suffit de compter le nombre de wooooow du public pendant l'heure qu'a duré le show). Et pour couronner le tout, leur histoire est très touchante car ce sont d'ex enfants des rues de Guinée qui forment la troupe. A voir.

Encore une belle surprise! Un monologue en plein milieu de l'après-midi, c'est risqué, car il est parfois difficile de rester éveillé. La performance de Véronique Augereau n'en est que plus remarquable. Dès son entrée sur scène, j'ai été happé. La comédienne est tellement incroyable que j'ai eu l'impression qu'elle racontait sa propre histoire. Elle joue avec une vraie sincérité un texte pourtant très difficile. Ce texte qui donne la parole à une mère dont le fils a commis les pires atrocités. Ce point de vue que l'on n'entend jamais, car on ne veut pas l'entendre. Les seuls bémols que je peux avoir sont l'utilisation trop sporadique des écrans et une mise en scène un peu simple. Cela ne l'empêche absolument pas d'être un texte poignant déclamé par une interprète qui vit tellement son personnage qu'à la fin du spectacle elle a du mal à retrouver ses esprits. Bluffant!

Autant dire que le classique, ce n'est vraiment pas ce qui me botte car je m'y ennuie souvent Ma culture théâtrale se limitant à Molière, Corneille et Racine, je me suis laissée tenter par du Nikolaï Gogol sans avoir aucune idée de ce que j'allais voir. Et là, bonne surprise. Le texte est très accessible, l'histoire est peu originale mais amusante et les comédiens sont vraiment excellents. On est dans de la comédie pure, la mise en scène est simple mais avec quelques touches de folie qui apportent de l'humour et j'ai beaucoup apprécié que la musique soit jouée par un pianiste en live. En résumé, si vous voulez voir une pièce classique et efficace, vous serez comblés.

Coup de coeur 

Après le merveilleux "une vie sur mesure", Cédric Chapuis nous propose, dans un registre totalement différent, "Alter Egos ". On y découvre cet être fascinant qu'était Stanley Billigan (ou Billy Milligan dans la vraie vie), un homme accusé d'agression sexuelle, et finalement acquitté car diagnostiqué comme ayant un trouble dissociatif de l'identité. S'il est impossible de raconter toute sa vie en 1h20 (pour cela je vous conseille de lire le livre "les 1001 vies de Billy Milligan"), l'auteur est toutefois parvenu à résumer assez fidèlement cette histoire passionnante et l'a construite un peu à la manière d'un thriller. Enfin, comment ne pas mettre l'accent sur l'immense talent de Cédric Chapuis à incarner magistralement tous ces personnages? C'est une performance majuscule et vous sortirez probablement en ayant une irrésistible envie d'en savoir plus sur Milligan.

Voilà un spectacle sur un sujet très lourd puisqu'on y aborde la pédophilie dans l’Église. On y suit le parcours d'un jeune comédien, victime lors de son adolescence d'un prêtre pervers et manipulateur, qui va se trouver confronté à ses fantômes du passé qu'il a tenté d'oublier depuis des années en devant jouer une scène du Tartuffe (d'ailleurs, ce parallèle est très bien trouvé). Le parti pris est de mettre davantage l'accent sur la difficulté de se construire après une telle atrocité et sur ses conséquences désastreuses que sur les actes eux-mêmes, même si l'on assiste quand même à quelques scènes très suggestives voire choquantes. La pièce est révoltante et le comédien principal est très touchant. J'ai également beaucoup aimé certaines idées dans la mise en scène, en particulier les transitions dans les flashbacks et la scène du tribunal. En résumé, je recommande vraiment ce spectacle.

Véritable succès depuis le début du festival, affichant complet jusqu’à la toute dernière représentation, ce spectacle avait suscité en moi une grande attente. Je m’attendais à être profondément touchée, peut-être même à verser une petite larme.

Et pourtant, malgré ses nombreuses qualités, je suis restée un peu sur ma faim. Ne vous méprenez pas, il s’agit d’un très beau spectacle, porté par une interprétation remarquable, notamment grâce à la magnifique performance de Jean-Jacques Vannier. La mise en scène, élégante et maîtrisée, rappelle parfois le style soigné d’un Daguerre, propre et classique.

Le spectacle coche toutes les cases du théâtre de qualité, avec un soin apporté à chaque détail et une écriture qui mérite sans doute des Molières. Cependant, il m’a manqué ce petit supplément d’âme, ce frisson d’émotion qui fait qu’une pièce reste gravée longtemps après sa fin.

Je ne peux en aucun cas déconseiller ce spectacle : il saura séduire un large public, par sa rigueur et sa belle interprétation. Mais personnellement, j’espérais une expérience plus intense, un lien plus profond avec les personnages et leur histoire.

En somme, un spectacle très réussi, mais qui, pour moi, n’a pas tout à fait atteint l’émotion à laquelle je m’attendais.

C'est un bon spectacle, avec une comédienne talentueuse, une excellente mise en scène et un message intéressant. On y suit la vie de Jeanne, comédienne-boxeuse, on nous raconte son enfance entourée de parents qui ne l'écoutent pas, sa descente aux enfers commençant par le décrochage scolaire et l'agression sexuelle qu'elle subit, et sa tentative de s'en sortir grâce à la boxe et au théâtre. Malgré quelques passages forts, le ton plutôt humoristique m'a empêché d'être envahie par l'émotion que j'aurais peut-être dû ressentir. Cependant, cette pièce est un véritable coup de coeur pour bon nombre de spectateurs et rencontre un tel succès qu'elle vous plaira probablement.

J'ai mis plusieurs jours à me décider à écrire sur ce spectacle et je ne mettrai pas de note. Je vais tenter d'expliquer pourquoi. Tout d'abord, il faut savoir que je suis une grande fan des Moutons Noirs et que j'attends chacune de leurs créations avec impatience. J'étais donc tellement pressée d'aller voir cet "avis de recherche" que je ne me suis absolument pas renseignée sur le spectacle. Avis de recherche, c'est une adaptation ultra moderne et ultra déjantée (comme toujours avec eux) de L'illusion comique de Corneille. Et c'est là le problème. Je n'aime pas du tout les pièces classiques, et encore moins Corneille. Les 10/15 premières minutes de la pièces sont géniales. Les spectateurs sont partie intégrante du spectacle puisqu'ils deviennent public d'une émission de télévision présentée par un présentateur odieux. Comme lors d'une émission, on nous explique le fonctionnement, on nous demande de rire, d'applaudir, de nous exclamée... C'est très malin. Yannick Laubain incarne un présentateur totalement ringard et détestable, les autres deviennent techniciens... Bref, l'idée de départ est géniale. Le problème de cette pièce pour moi n'est absolument pas la troupe des Moutons Noirs, c'est le texte de Corneille. Ils ont beau essayer de le moderniser à base de personnages caricaturaux, de costumes ridicules et de l'utilisation de la vidéo, l'histoire reste extrêmement ennuyeuse, en tous cas, à mes yeux. Et surtout, si j'avais connu l'histoire des Illusions comiques à la base, j'aurais été capable de comprendre le pourquoi du comment. Avec le recul, et après m'être renseignée, je comprends qu'il y a eu un travail énorme sur le texte et une vraie réflexion sur la meilleure manière de l'adapter. En soi, pour tout ce travail, cela mérite au moins 4 étoiles mais je ne peux me résigner à recommander ce spectacle car il sera très clivant et risque de déplaire à beaucoup de monde. Donc je dirais, si vous aimez Corneille et l'humour absurde, vous allez adorer.

Que dire ? Quand je suis sortie du théâtre, j’étais un peu KO. Jamais je n’avais assisté à un spectacle pareil, entre concert, reportage et théâtre. Non seulement la forme est unique, mais l’histoire vous prend littéralement aux tripes.

Le titre parle de lui-même : on va suivre la chute d’Arianne. Arianne, c’est une rock star qui s’apprête à vivre le dernier concert de sa tournée avec son groupe. Si la première partie peut sembler déconcertante (le chaos scénique reflétant le tumulte intérieur de cette jeune femme), le public va peu à peu rassembler les pièces du puzzle. On commence alors à comprendre ce qui s’est réellement passé lors de cet événement central. Quel est donc cet accident dont tout le monde parle à demi-mot ?

Je préfère ne pas trop en dire pour ne pas gâcher la surprise. Sachez seulement que la comédienne principale mérite toutes les récompenses du monde. Thomas Gendronneau (oui, celui qui m’avait déjà éblouie dans Glenn) signe ici un chef-d’œuvre, avec une bande-son remarquable jouée en live. Et attention : quelques retournements de situation pourraient bien vous couper le souffle.

Un bijou d’une intensité folle, à ne surtout pas manquer.

Petit conseil : ne vous placez pas trop près de la scène pour profiter pleinement de l’ensemble du spectacle.

Violette Toussaint est garde-cimetière dans une petite ville de Bourgogne. Son quotidien est rythmé par son travail et les confidences des gens de passage et des habitués. Un jour, parce qu'un homme découvre que sa mère veut être enterrée auprès d'un inconnu, tout bascule. Des liens, qui unissent les vivants et les morts, sont exhumés. Changer l'eau des fleurs conte l'histoire intense d'une femme qui, malgré les épreuves, croit obstinément au bonheur.

Cela fait des années qu'on me parle de ce spectacle et que je ne trouve pas le temps d'aller le voir. J'ai donc profité de ce festival d'Avignon pour enfin prendre ce temps. Aucun regret. Adapté d'un roman de plusieurs centaines de pages, les fans du livre pourront peut-être regretter quelques ellipses pourtant indispensables pour que la pièce ne dure pas cinq heures. N'ayant pas lu l’œuvre, je n'ai pas ce regret. J'ai passé un très bon moment devant cette histoire s'apparentant à une comédie romantique (mais pas gnangnan), je me suis laissée porter par l'histoire et j'ai beaucoup aimé la prestation des trois comédiens: une Ludivine de Chastenet tout en retenue, un Morgan Pérez très touchant et, encore une fois, un Mikael Chirinian phénoménal même s'il n'apparaît que cinq minutes. C'est un très beau spectacle qui mérite toutes les éloges qu'il a reçues.

Impossible de parler en profondeur de la pièce dans dévoiler des éléments-clé de l'intrigue. Je dirai donc simplement que tous les ingrédients sont réunis pour faire un joli spectacle: une belle histoire d'amitié intergénérationnelle, des retournements de situation, des moments légers, d'autres plus graves, et des comédiennes aussi différentes que complémentaires. Je retiens particulièrement l'énergie de Kim Schwarck dans ce rôle qui semble taillé pour elle. Un beau moment de théâtre.

Molière du meilleur seul en scène 2024, Eva Rami était présente pour deux représentations exceptionnelles à la Scala et j'ai sauté sur l'occasion. Sa marque de fabrique étant de raconter son parcours de vie en incarnant de multiples personnages qui ont jalonné son existence, elle ne fait pas exception dans ce spectacle. Son talent de comédienne est indéniable, la mise en scène est parfaite et le sujet abordé (les violences sexuelles) est fort et intime. Comme lors de son précédent spectacle, j'admire énormément la performance mais justement, je me demande si ce n'est pas un peu au détriment de l'émotion. En tous cas, j'ai eu du mal à être réellement touchée malgré la puissance du propos. Il n'empêche que c'est un spectacle d'une immense qualité et que le Molière est amplement mérité.

Christophe Delort, auteur à succès bien connu pour ses comédies, est un homme de défis. Rien que cette année au festival, il a signé pas moins de cinq mises en scène et joue dans trois spectacles chaque jour. Cette fois, il s’est lancé dans une toute nouvelle aventure : le biopic, et pas n’importe lequel : celui d’Al Capone, figure mythique et complexe dont la vie mouvementée ne laisse rien au hasard.

Autant vous dire que le pari est brillamment tenu, et que j’ai adoré cette pièce. L’ambiance de la prohibition est recréée avec un soin méticuleux : décors d’époque, costumes impeccables, effets vidéo immersifs et surtout un groupe de musiciens live qui apportent énergie et authenticité à la représentation.

L’histoire d’Al Capone, l’un des gangsters les plus célèbres de tous les temps, est synthétisée avec finesse, donnant un aperçu à la fois complet et rythmé de sa vie tumultueuse. La mise en scène exploite avec ingéniosité les spécificités de la salle, rendant l’expérience encore plus immersive pour le spectateur.

Alexandre Putfin incarne un Al Capone à la fois charismatique et terrifiant, et le reste de la troupe multiplie avec brio les personnages, passant d’un rôle à l’autre avec une aisance impressionnante.

Le rythme est soutenu, sans aucun temps mort, ce qui empêche toute forme d’ennui. Pour quelqu’un comme moi qui adore apprendre au théâtre, ce spectacle fut un véritable régal.

Je ne peux que vous recommander vivement cette pièce, un spectacle à la fois instructif, captivant et intense qui marquera sans doute les esprits.

L'idée de départ de la pièce est originale puisqu'elle a pour propos de faire un lien entre le livre Madame Bovary et la vie d'Emma, cette enfant surprenante, ado rebelle, femme délaissée et vieille dame désespérément seule. Dans ce seul en scène, Julie Deroisin montre toute l'étendue de son talent en incarnant avec justesse le personnage tout au long de sa vie avec des allers-retours continuels entre les différentes époques de son existence. Ce spectacle est parfois très drôle car la comédienne déborde d'énergie, a un réel talent comique et que l'écriture est bonne. Cependant, je me suis un peu perdue car, si au début, on voit tout à fait le rôle du roman de Flaubert dans la vie de cette Emma, peu à peu il disparaît et s'enchaînent les scènes, certes intéressantes, mais sans réel rapport avec lui. Je pense que je ne connais pas assez Madame Bovary pour y voir les liens. Cependant, j'ai quasiment eu envie de lire le livre en sortant, c'est plutôt bon signe!

Quel spectacle passionnant! J'aime de plus en plus les récits historiques au théâtre et j'admire les auteurs et metteurs en scène qui se risquent à raconter des histoires aussi complexes sur une scène. Ici, l'affaire Dreyfus et ces quelques courageux (Zola et Méliès) qui se sont risqués à dénoncer ce scandale d'état chacun avec leurs armes (une plume pour le premier et une caméra pour le second) et ce, au péril de leur carrière. En ont découlé l'article de presse le plus célèbre de l'histoire de France, le fameux "J'accuse", déclamé de manière extrêmement puissante dans ce que je considère comme le climax du spectacle, ainsi que le premier film censuré au monde, "l'affaire Dreyfus". Sans ces Téméraires et leur influence, qui sait si cet homme aurait été réhabilité? La pièce est également émaillée de répliques très drôles qui font mouche et est portée par une excellente mise en scène et des comédiens talentueux. Je connaissais Stéphane Dauch et Charlotte Matzneff que j'avais déjà adorés à plusieurs reprises et je retiens l'immense performance de Romain Lagarde dans le rôle de Zola. Enfin, j'ai beaucoup aimé l'accent mis sur l'importance des femmes dans la carrière de leurs maris. Il s'agit d'un spectacle très instructif, du beau théâtre de troupe comme on en voit de moins en moins, et grande spécialité du Grenier de Babouchka.

Quelle belle réussite que ce spectacle ! "Les Frottements du cœur" raconte une histoire vraie, aussi bouleversante qu'incroyable, portée par une très belle mise en scène. Et la présence d'une musicienne sur scène est une magnifique trouvaille qui apporte une dimension supplémentaire au récit et en souligne toute l'émotion.

Il faut dire que l'histoire a de quoi bouleverser. Comment une jeune femme de 29 ans peut-elle se retrouver hospitalisée pendant des mois à la suite d'une grippe mal soignée, confrontée à la souffrance et à la peur de mourir? Il y aurait de quoi se révolter! On pourrait s'attendre à un récit empreint de colère, à une dénonciation des défaillances du système de santé ou du manque de délicatesse de certains soignants. Mais ce n'est absolument pas la voie choisie par Katia Ghanty. Ici, pas de règlement de comptes ni de rancœur. La comédienne préfère retenir le positif, les rencontres, les gestes qui sauvent et, surtout, cette formidable envie de vivre. Et cette volonté de regarder du côté de la vie donne au spectacle une tonalité assez inattendue. Car, aussi surprenant que cela puisse paraître, "Les Frottements du cœur" est aussi un spectacle plein d'humour. Et c'est sans doute là que réside l'une de ses plus grandes forces. Katia Ghanty ne se contente pas de raconter son histoire : avec un remarquable talent, elle incarne également les différents membres du personnel hospitalier qui ont jalonné son parcours, leur donnant à chacun une personnalité et faisant surgir le rire là où on ne l'attendrait pas.

Mais l'humour n'efface évidemment pas la dureté de ce qui nous est raconté. Certaines scènes m'ont particulièrement remuée. J'ai même parfois ressenti un véritable malaise, tant il m'était impossible de ne pas m'imaginer à sa place. Comment supporter une telle souffrance, des mois d'hospitalisation et cette terrible incertitude quant à l'avenir ? Cette projection m'a parfois déstabilisée, mais c'est aussi ce qui fait la force de ce spectacle : parvenir à nous faire ressentir une infime partie de ce qu'elle a traversé.

Et au-delà de cette épreuve, il y a une autre réalité que j'ai été heureuse de voir abordée : celle de l'après. Car survivre ne signifie pas que tout redevient comme avant. Il faut se reconstruire physiquement et psychologiquement, mais aussi faire face aux attentes de l'entourage. Comme si, après avoir frôlé la mort, on devait nécessairement croquer la vie à pleines dents et savourer chaque instant. Comme si avoir survécu imposait désormais une obligation de bonheur. J'ai trouvé cette réflexion particulièrement juste et intéressante.

Finalement, Les Frottements du cœur est bien plus que le récit d'une épreuve médicale. C'est une formidable ode à la vie, une leçon de courage et de résilience, mais sans optimisme forcé ni discours moralisateur. Un spectacle qui ose raconter la douleur sans s'y complaire, qui fait rire sans jamais banaliser la souffrance et qui parvient autant à nous émouvoir qu'à nous faire réfléchir.

Très attendu après son succès avec No Limit, Robin Goupil ne déçoit pas. Je dirais même que The Loop m’a encore plus séduite. Inutile de chercher un message politique caché ici : c’est du pur divertissement, intelligent et jubilatoire.

À la manière de Qui a tué Pamela Rose ?, on est plongé dans un commissariat américain, où une enquête pour meurtre est confiée à deux inspecteurs complètement déjantés. La vraie originalité tient dans l’utilisation brillante de la théorie de l’effet papillon : l’interrogatoire est rejoué trois fois, chaque fois avec une ou deux variations apparemment mineures… mais qui entraînent des conséquences de plus en plus folles. Le tout vire au délire dans une mécanique narrative parfaitement maîtrisée.

C’est très malin. Et surtout : hilarant.

Difficile de ne pas saluer les comédiens, avec une mention spéciale pour les comédiennes à qui l’on a confié les meilleurs rôles. J’avoue un petit faible pour Juliette Damy, irrésistible à chaque apparition.

Vous sortirez le sourire aux lèvres. Et un conseil : réservez vite. Le spectacle risque d’afficher complet jusqu’à la fin du festival et à mon avis, ce n’est que le début. Je lui prédis une longue vie : succès parisien, nomination aux Molières, tournée triomphale… Ce serait amplement mérité.

Encore un seul en scène féminin, cette fois-ci sur un sujet rarement abordé puisque Marie-Odile Weiss nous parle d'autisme. Si le sujet est traité avec autant de sincérité, c'est que la comédienne nous parle en réalité de son histoire et met en lumière les difficultés auxquelles elle s'est trouvée confrontée avec son fils. C'est un parcours du combattant qui attend les familles d'enfants atteints de ce handicap, noyées entre les diagnostics et leurs initiales incompréhensibles et les multiples rendez-vous médicaux. Elles doivent également faire face au regard des autres et à leur propre culpabilité. On ne peut que ressentir de l'empathie pour eux et de la colère en voyant le peu de soutien qu'ils reçoivent. C'est un spectacle qui fait énormément réfléchir, qui est plein d'amour mais aussi d'humour et très pédagogique puisqu'il donne des clés au grand public pour comprendre l'autisme. Je recommande vivement.

"Classement sans suite" est loin d'être le seul spectacle de cet Avignon à traiter des violences faites aux femmes mais c'est probablement le plus original. Ses choix en terme de mise en scène et de narration sont une véritable prise de risque payante. Le but ici n'est pas de raconter UNE histoire mais un maximum d'histoires, avec une variété de victimes allant du petit garçon à la femme mariée, en passant par la prostituée ou la jeune femme... C'est assez bien vu et l'éventail est très large. Il met également clairement en cause les institutions, les agresseurs (logique), les proches... Tout le monde en prend un peu pour son grade. Certains moments de "pauses volontaires" où le quatrième mur est brisé permettent, non seulement, d'apporter un peu de légèreté mais également d'autres axes de réflexion. Ce spectacle, écrit (il faut le noter) par un homme, a un côté didactique très intéressant qui permettra au plus grand nombre de se sentir concerné.

C'est délirant, trash, complètement barré, en gros c'est Punk! Si les amateurs de ce genre de musique s'en donneront à cœur joie, les autres se laisseront embarquer par l'histoire très intéressante d'un des premiers groupes de Punk féminin au monde. L'énergie débordante des comédiennes, la musique live, les décors et la mise en scène sont les gros points positifs de ce show décoiffant qui parvient également à nous émouvoir par moments. On se demande bien comment ils réussissent à tenir 1h30 sans que l'ardeur ne faiblisse jamais. Bravo pour la performance!

Coup de coeur

Premier petit coup de coeur de ce festival pour ce seul en scène bouleversant de Mikaël Chirinian. Le comédien nous livre une performance époustouflante (dans la lignée de ce qu'il avait fait dans "la liste de nos envies" ou "l'ombre de la baleine"). Il ne se contente pas de délivrer le texte du livre du même nom, il incarne ce personnage abject, "l'ange de la mort" d'Auschwitz, avec une interprétation tellement puissante qu'on en reste scotché. On déteste cet homme, on vomit les propos tenus et sa lâcheté et on est révolté d'apprendre qu'il a toute sa vie échappé à la justice. De la première à la dernière seconde, le public est tenu en haleine et ne peut que se lever d'un seul homme à la fin pour acclamer l'artiste. Sans aucun doute, ce spectacle, qui résonne particulièrement dans le contexte actuel, sera complet tout le festival et Mikaël Chirinian sera tôt ou tard dans la course aux Molières.

Au fur et à mesure que les années passent, le one man show est un style de spectacle qui m'attire de moins en moins. Il subsiste tout de même quelques humoristes qui continuent à susciter mon intérêt et Karim Duval en fait partie. Tout simplement car je le trouve différent. Ici pas de jeux de mots faciles, pas de clichés vus et revus, les thématiques sont originales et l'écriture est intelligente. D'ailleurs, qui utilise le mot Entropie dans un spectacle d'humour de nos jours? Et en plus, c'est drôle. En somme, s'il y avait un stand up à aller voir, je conseillerais sans hésiter celui-ci.

Nicolas Devort est un artiste au talent quasi unique dans le paysage théâtral contemporain. Seul sur scène, avec pour seuls « accessoires » son corps, sa voix et son incroyable présence, il parvient à créer tout un univers. Son spectacle nous entraîne dans l’histoire de Lisa, une adolescente d’aujourd’hui confrontée à un bouleversement majeur, un monde qui s’écroule autour d’elle.

Au premier abord, le récit pourrait sembler être celui d’une adolescente en quête de sens, d’identité, comme on en voit souvent. Pourtant, il s’agit bien plus que cela : le sujet, d’une grande profondeur, explore des thématiques universelles, sensibles et actuelles, qui touchent au cœur de nos existences. Je n’en dirai pas plus pour ne pas gâcher la découverte, mais sachez que chaque moment sur scène résonne bien au-delà des apparences.

La mise en scène, d’une grande précision, est une nouvelle fois une démonstration du talent de Devort. Tout est millimétré : chaque mouvement, chaque regard, chaque silence est pensé pour maximiser l’émotion et l’impact sur le spectateur. C’est un théâtre d’une rare intensité, où la simplicité apparente masque une maîtrise technique et artistique impressionnante.

La performance de Nicolas Devort est tout simplement de haut vol. Son engagement total, sa capacité à incarner plusieurs personnages et à faire vivre une histoire complexe seul sur scène forcent le respect. On est littéralement happé, tenu en haleine, suspendu à chacun de ses gestes, de ses mots.

Ce spectacle est une véritable leçon d’art théâtral où l’on comprend que, parfois, le minimalisme est la clé pour toucher au plus profond. Un seul comédien, un plateau nu, et pourtant une émotion immense, une puissance rare.

Je ne peux que vous encourager vivement à découvrir cette pièce, tout comme son merveilleux Dans la peau de Cyrano.

Je ne compte plus le nombre de pièces de Molière avec soi-disant "une mise en scène moderne". Pas un jour où l'on ne m'arrête dans la rue pour me proposer ce genre de spectacle. Alors pourquoi, moi qui ne suis pas du tout friande de théâtre classique, ai-je choisi celui-ci? La réponse tient en un nom: Tigran Mekhitarian. Ici metteur en scène et comédien, il m'avait éblouie l'an dernier dans "La maladie de la famille M" par son intensité dans le jeu et son talent. La prouesse de m'avoir tenue en haleine devant une pièce de Molière, qui plus est à cette heure-là, ne tient pas seulement au fait que, décidément, les sièges du théâtre de l'Oulle sont bien inconfortables. C'est surtout parce que, malgré un texte que je trouve parfois un peu difficile à suivre (les longs monologues de temps en temps par exemple), les choix faits dans la mise en scène sont judicieux. L'utilisation parfois d'un langage familier, s'il pourrait peut-être en déranger certains, crée un décalage et un effet comique qui font mouche. Cette pièce a surtout comme immense qualité de rendre accessible aux adolescents un texte qui pourrait leur sembler compliqué. Si vous cherchez à voir un classique sur ce festival, je vous recommande celui-ci.

En voilà un spectacle original ! La performance des comédiens/chanteurs/ mimes/bruiteurs est époustouflante. Le parti pris de nous raconter une histoire sans aucune bande son est un défi relevé haut la main tant ils rivalisent d'ingéniosité en détournant des objets du quotidien pour réaliser tous les bruitages. On passe son temps à se dire que c'est incroyable d'arriver a un tel réalisme a l'aide d'un bout de tuyau, d'un sac en plastique ou d'une simple bassine d'eau. Et lorsqu'il s'agit de chanter, les voix s'accordent merveilleusement. Le jeu du comédien principal est convaincant et l'écoute et l'osmose entre les 5 comédiens est parfaite. En ces points, ce spectacle est à voir. Même si j'ai trouvé la fin un peu longue et répétitive et que l'histoire ne m'a pas transportée, on ira principalement les voir pour la prouesse technique que représente ce spectacle.

La thématique de la prostitution étudiante, rarement abordée sur les planches, a immédiatement capté mon attention. Il est essentiel de parler de ce sujet trop souvent tabou, d’expliquer les raisons qui poussent certaines jeunes filles dans cette voie, mais aussi de montrer combien il est difficile d’en sortir.

Sur ce point, le spectacle remplit pleinement sa mission : l’histoire, tirée de faits réels, touche profondément le public et suscite une vraie émotion.

La mise en scène signée Violaine Arsac est intelligente et efficace. J’ai particulièrement retenu l’utilisation symbolique d’une veste d’homme suspendue en arrière-plan, qui incarne les clients lors d’une scène d’agression, une idée forte et très bien pensée.

Mon seul bémol concernerait le manque d’interaction entre les comédiens, une limite sans doute inhérente à la forme de l’adaptation, basée sur des échanges épistolaires ou virtuels entre deux protagonistes.

Enfin, il faut saluer la présence sur place du « héros » de cette histoire (terme que j’emploie avec intention) qui a accompagné cette jeune femme tout au long du festival. Son soutien sans faille est admirable et donne encore plus de poids à ce récit bouleversant.

1984 est clairement un spectacle à part dans ce festival. Véritable prouesse technique, c'est un ensemble visuellement très réussi. Avoir adapté un tel roman au théâtre est un exploit non négligeable et, rien que pour cela, cela vaut le coup de se déplacer. Je salue également la performance très convaincante du comédien principal. Malgré quelques longueurs et des scènes un peu répétitives, on en ressort, et c'est bien le but, assez mal à l'aise, sans pouvoir s'empêcher de faire quelques (heureusement lointains) parallèles avec la situation que vit le monde actuellement .

Quelle performance!! J'ai adoré ce moment passé en compagnie de ces Artistes. La pièce nous raconte l'histoire de Njim, un gosse des cités à la vie loin d'être toute rose. Il est tiraillé entre sa passion pour la danse hip hop (qui lui permet d'exprimer ses émotions) et l'adrénaline qu'il ressent en tant que voyou. Non seulement l'histoire est touchante et inspirée d'une histoire vraie, mais les moments de danse sont scotchants. Les trois danseurs sont bluffants et le musicien, qui comme souvent sur les mises en scène d'Eric Bouvron, joue en live et n'a pas qu'un rôle de faire-valoir, est également épatant. On ressort de ce show plein d'énergie! Je recommande mille fois et n'ai qu'une envie: aller voir le collectif Wanted Posse sur les planches.

Fan inconditionnelle de leur précédente création Swing Heil , que je recommande sans hésiter à tous,  j’attendais avec impatience la nouvelle pièce du Road Movie Cabaret. Et, une fois encore, le spectacle est une belle réussite.

Leur force? Aborder des sujets à la fois importants et graves avec intelligence et sensibilité. Après avoir exploré les jeunesses hitlériennes, ils se penchent ici sur le combat des suffragettes, ces femmes héroïnes qui ont risqué leur vie pour obtenir le droit de vote en Angleterre au début du XXe siècle.

Le récit se concentre particulièrement sur Sylvia Pankhurst, dont la lutte pour l’émancipation féminine est poignante et inspirante. Certains passages prennent littéralement aux tripes, mais heureusement, Jimmy Dumas vient parfois alléger l’atmosphère avec quelques touches d’humour bienvenues.

Ce spectacle est une réussite totale, qui mêle engagement, émotion et théâtre vivant. Je vous encourage vivement à aller le découvrir, d’autant qu’il reste malheureusement d’actualité dans de nombreuses régions du monde, et que le combat pour l’égalité des droits est encore loin d’être gagné, y compris en France.

Difficile de succéder à Guillaume Gallienne, tant son seul-en-scène, inspiré de sa propre vie, avait marqué les esprits par sa justesse et son émotion. Pourtant, Jean-François Breuer relève ce défi avec brio et apporte une interprétation toute en finesse et en tendresse qui m’a beaucoup touchée.

La plupart d’entre vous connaissent déjà cette histoire d’un garçon en quête d’identité, qui cherche sa place et finit par comprendre qu’il n’est pas ce que tout le monde attend de lui. Ce récit, à la fois drôle et émouvant, conserve toute sa force ici, portée par un comédien qui sait à la fois faire rire et émouvoir sans jamais tomber dans la caricature.

Jean-François Breuer réussit à faire oublier l’ombre du premier interprète pour s’approprier pleinement ce rôle délicat. Si vous souhaitez découvrir ou redécouvrir ce texte fort et universel, je vous encourage vivement à aller voir cette belle adaptation.

Encore une très belle découverte aujourd’hui, un peu par hasard en feuilletant le catalogue du festival. J’ai été immédiatement touchée par ces deux personnages auxquels on s’attache profondément. Leur amitié, née sur les bancs du CAP, traverse les épreuves du temps et du milieu impitoyable de la restauration. Mais à mesure que leur parcours professionnel avance et que les ambitions personnelles prennent le dessus, ce lien fort se fissure doucement, avec toute la complexité et la douleur que cela implique.

Ce spectacle offre aussi un éclairage rare et précieux sur le quotidien souvent méconnu des restaurateurs : un univers de passion, de sacrifices et d’abnégation. Pour ma part, je n’avais jamais vu une pièce qui plongeait aussi authentiquement dans ce monde exigeant, ce qui a rendu l’histoire d’autant plus captivante.

La mise en scène, particulièrement inventive, soutient parfaitement le récit et les émotions, tandis que les comédiens, impeccables, incarnent avec justesse et sensibilité leurs personnages respectifs, parfois même dans plusieurs rôles, ce qui ajoute à la richesse de la représentation.

En résumé, c’est un spectacle à la fois touchant et instructif, qui saura séduire autant les amateurs de théâtre que ceux qui s’intéressent à la réalité derrière les fourneaux. Je vous le recommande vivement !

C'est une histoire très intéressante que j'ai eu l'occasion de découvrir aujourd'hui. Je ne connaissais de Roland Garros que la profession mais je ne savais pas à quel point son destin avait été extraordinaire. Cet aviateur impertinent, ambitieux, tête brûlée et courageux a brûlé la vie par les deux bouts au détriment de ses relations amicales et amoureuses. C'était un personnage à la fois insupportable, surprenant et attachant. Comme à son habitude, Eric Bouvron signe une mise en scène tout en sobriété et parvient à nous embarquer dans cette épopée pour le moins surprenante à partir de peu de choses. Un élastique, des roues de vélo, deux ou trois accessoires et surtout notre imagination suffisent à nous transporter tantôt dans un avion, tantôt dans une voiture, tantôt dans un atelier. Pas besoin de plus (enfin si, quatre comédiens convaincants!), là est tout le talent de ce metteur en scène. En résumé, si vous aimez les biopics, vous apprécierez ce moment en compagnie de Roland Garros.

J'aime beaucoup ce genre de découvertes. Petite salle, petit théâtre, comédiens qui ne sont pas des têtes d'affiche, et pourtant, cette pièce est bien meilleure que bon nombre de spectacles de grosses productions. Le résumé énigmatique ne me laissait pas imaginer une histoire si poignante. Sans vouloir dévoiler l'intrigue, je dirai simplement que vous irez de surprise en surprise et que la tension monte crescendo jusqu'à un final en apothéose. Les deux comédiens principaux sont incroyables, lui dans son rôle de manipulateur odieux, elle bouleversante dans son rôle de femme soumise qui, tel une chenille, sort de sa chrysalide pour devenir papillon, mais un papillon pas si innocent. Bravo!

Que dire? La performance du comédien n'est absolument pas à remettre en cause, il est même très bon. Je n'ai juste pas du tout été intéressée par l'histoire, aussi bien narrée soit-elle et le temps m'a paru très long. Mais à en voir les réactions de la plupart des gens du public, d'autres ont adoré. Je suis juste passée à côté.

Ce n'est pas tous les jours qu’un eucalyptus corse vous tombe dessus. Pourtant, c’est exactement ce qui est arrivé à Marjolaine Pottlizer, et c’est le point de départ de ce seul-en-scène autobiographique. Ce spectacle mêle avec justesse émotion, réflexion et humour, dans un savant équilibre qui tient en haleine du début à la fin.

Plus qu’un simple récit d’accident, Marjolaine nous emmène dans le combat qui a suivi ce choc brutal : les premiers soins (que l’on qualifiera de décevants), les longs mois de rééducation parfois décourageants, et la confrontation avec un handicap invisible qui rend son quotidien bien plus compliqué qu’il n’y paraît. Cette histoire vraie est racontée avec une sincérité et une vulnérabilité touchantes, mais toujours teintée d’une autodérision rafraîchissante qui allège les moments difficiles.

Ce spectacle est un hommage vibrant à la résilience humaine, porté par une artiste dont la force de caractère transparaît à chaque instant. Malgré quelques petites failles dans le jeu, c’est l’intensité du témoignage et la vérité du propos qui marquent durablement. On rit, on est touché, et surtout, on admire cette capacité à transformer une expérience traumatisante en un récit puissant, porteur d’espoir.

Un moment unique, à la fois poignant et drôle, qui invite à réfléchir sur la fragilité de la vie et la manière dont on peut la réinventer, même quand tout semble s’effondrer.

Grosse déception pour cette comédie romantique un peu simplette. Si on ne passe pas un mauvais moment, je n'ai absolument pas réussi à rentrer dans l'histoire qui m'a semblé trop téléphonée (c'est le cas de la dire). Le reste du public semble toutefois avoir apprécié.

Ma pudeur m'a empêchée d'adhérer totalement à ce spectacle qui, pourtant, a de réelles qualités. J'émets des réserves sur la première moitié de la pièce où l'on se retrouve devant une comédie à la thématique, certes, originale mais aux dialogues pas forcément très recherchés. Cependant, l'histoire est bien plus profonde qu'elle ne peut le sembler et dénonce les dérives sectaires. A partir du moment où l'on quitte le registre de la comédie pour le drame, j'ai été convaincue. Je regrette seulement le choix de mettre les comédiens en sous-vêtements pendant les 3/4 du spectacle. Vous devriez aimer la pièce si vous êtes moins coincés que moi.

Je dois reconnaître qu'il s'agit d'un très bon spectacle. Les comédiens sont excellents et sont de vrais artistes qui chantent, dansent et jouent de la musique, la mise en scène est parfaite, les lumières sont géniales, l'énergie est folle... En bref c'est excellent, mais c'est vraiment trop barré pour moi. Il faut rentrer dans le délire et je n'ai que trop rarement souri. Mais bravo pour le show!

Si vous souhaitez voir du théâtre un peu plus classique et être transportés dans le Londres du 17eme sciècle, à l'époque à peine machiste à laquelle les femmes ne pouvaient être comédiennes et où, par conséquent, les rôles de femmes étaient tous tenus par des hommes, vous allez être séduits.

J'ai beaucoup aimé le spectacle, tant au niveau de l'histoire que du jeu des comédiens. J'ai évidemment été particulièrement bluffée par la performance de Vincent Heden, qui joue le protagoniste de l'histoire. Un homme aussi détestable que touchant auquel il apporte toute la nuance et la vulnérabilité nécessaire.

Ma seule critique réside dans le fait que certains personnages ou certaines répliques sont un peu vulgaires. C'est dommage car le spectacle aurait pu être un immense coup de coeur sans ce bémol. Mais j'ai apprécié en apprendre davantage sur cette époque.

Je suis allée voir ce spectacle avec beaucoup de réserves, ayant entendu du bon et du moins bon à son sujet. Si je n'ai pas été époustouflée, j'ai été agréablement surprise. L'histoire est intéressante car on en apprend beaucoup non seulement sur "le cocu le plus célèbre de France" mais aussi sur les mœurs de Louis XIV et de sa cour. Les costumes, le maquillage, les décors (pas terribles d'ailleurs), tout y est. Mais l'intérêt principal de la pièce est, sans aucun doute, la performance de Michaël Hirsch, qui apporte l'essentiel de l'humour. Je regrette de ne pas être allée le voir dans ses seuls en scène tant je l'ai apprécié. En résumé, "Le Montespan" est une pièce historique grand public qui se laisse aisément regarder mais ne restera pas forcément dans les annales du théâtre. D'ailleurs, il n'y a pas eu de standing ovation à la fin de la représentation.

Petite déception pour ce spectacle, qui pourtant, avait tout pour me plaire: la thématique de la seconde guerre mondiale m'intéresse, la mise en scène de Xavier Lemaire et la présence d'Isabelle Andréani. Et pourtant, malgré toute la bonne volonté du monde, a aucun moment je n'ai été touchée ni n'ai cru à l'histoire. Ce n'est pas une mauvaise pièce, loin s'en faut, mais il m'a manqué un petit quelque chose. Dommage...

Si j'avais vu ce spectacle dans les premiers jours du festival, peut-être que je l'aurais encore plus aimé. Il est évident qu'après une quarantaine de spectacles en une semaine, mon esprit n'est plus en aussi grande forme qu'il y a quelques jours. Alors, si j'essaie d'être objective, je dirai que le texte et l'histoire sont bouleversants. Pour un seul en scène d'un homme qui n'est pas comédien, c'est sacrément bien joué. La mise en scène, particulièrement épurée, est excellente. Je n'ai juste pas ressenti les émotions du comédien, cela ne m'a pas personnellement émue. Cependant, la standing ovation du public et les critiques dithyrambiques me laissent à penser que bon nombre de spectateurs ont été touchés en plein cœur. Il est fort probable que vous le seriez également.

Après plusieurs années de curiosité, je me suis enfin décidée à découvrir « Fausse note », un spectacle dont le pitch prometteur avait su attiser mon intérêt. Et je n’ai pas été déçue !

Cette pièce est d’une intensité rare : non seulement elle tient le spectateur en haleine du début à la fin, mais elle aborde également un sujet fascinant (que je préfère ne pas dévoiler pour préserver la surprise) mais qui m’a toujours passionnée.

Sur scène, les deux comédiens livrent une prestation remarquable, donnant tout ce qu’ils ont. Leur engagement est palpable, surtout dans les émotions qui traversent leurs visages à la fin du spectacle, témoignant d’une immersion totale dans leurs personnages.

Le rythme est soutenu, parsemé de nombreux rebondissements qui maintiennent le suspense à son comble. L’écriture est fine, les dialogues ciselés, et la mise en scène efficace.

Quant à la fin… elle est totalement inattendue, un vrai coup de théâtre qui m’a laissée bouche bée.

Je vous encourage vivement à aller découvrir ce thriller théâtral qui, je suis sûre, saura vous captiver autant qu’il l’a fait pour moi. Une belle surprise à ne pas manquer !

Coup de coeur

J'ai eu un IMMENSE coup de coeur pour "Vole, Eddie, vole!" et n'ai pu m'empêcher de me lever dès la première seconde de noir pour acclamer les comédiens qui m'ont fait passer 1h20 de pur bonheur. Après les pièces aux thématiques assez dures choisis les premiers jours, quel pied de pouvoir se divertir et s'émouvoir en même temps! C'est un message plein d'optimisme que nous délivre ce spectacle: celui que rien n'est jamais impossible et qu'il faut croire en ses rêves. Et pourtant qui eût cru Eddie, fils de plâtrier depuis des générations et vivant dans une petite ville anglaise, participerait aux Jeux Olympiques d'hiver après s'être passionné pour le ski grâce à un reportage télévisé de trois minutes! Ce destin hors du commun (mais réel) nous est conté avec brio par des comédiens géniaux. Le personnage principal nous touche énormément et incarne un Eddie plus vrai que nature (quelle performance!). Les personnages secondaires sont souvent d'une drôlerie absolue et m'ont fait éclater de rire plusieurs fois. Enfin, l'écriture est aussi fine et intelligente que le jeu des acteurs est brillant. Impossible de ne pas sortir le sourire aux lèvres et admiratif du destin extraordinaire de ce type ordinaire.

Coup de coeur

Après avoir été séduite par la performance de Guillaume Bouchède et Vanessa Caillol dans "Les marchands d'étoiles", un de mes coups de coeur de cet Avignon, j'ai été convaincue d'aller enfin voir "Je m'appelle Asher Lev" qui me faisait de l'oeil depuis l'an dernier. Aucune déception. On y suit le parcours d'un génie de la peinture qui grandit dans une famille ultra religieuse qui réprime sa passion, et son combat pour pouvoir vivre de son art. J'aurais d'ailleurs adoré que cette histoire soit vraie tellement elle est captivante mais elle n'est "que" l'adaptation d'un roman. J'ai tout aimé dans ce spectacle: le texte, bien sûr, qui a réussi à m'émouvoir souvent, à me faire rire parfois et à me tenir en haleine jusqu'à la dernière minute; le fait de découvrir le monde de la peinture que je ne connais pas du tout; et évidemment les trois comédiens. Martin Karmann, tout d'abord, dont la performance monte crescendo en même temps que sa passion le dévore jusqu'à finir en apothéose. Stéphanie Caillol, ensuite, toujours dans la justesse, la douceur et la retenue. Enfin, bien sûr, l'immense Guillaume Bouchède, MA découverte de ce festival, dont l'intensité de jeu n'a d'égal que son sens du rythme de la réplique et sa justesse dans les émotions. "Je m'appelle Asher Lev" est un magnifique moment de théâtre. Courez-y!

Coup de coeur

Le seul mot qui m’est venu à l’esprit en sortant, c’est « remarquable » ! Quand le cinéma s’invite au théâtre avec un tel talent, cela donne un spectacle à la fois surprenant, brillant et d’une qualité rarement atteinte.

D’abord, la qualité visuelle est saisissante. Le pari osé de proposer une œuvre en noir et blanc est tenu avec une maîtrise exceptionnelle : quelle beauté, quel bijou pour les yeux ! Chaque image, chaque scène semble soigneusement pensée comme un véritable tableau cinématographique.

Le scénario, lui aussi, est d’une grande finesse. Certes, le début peut dérouter (je l’avoue, j’ai été un peu perdue au départ) mais une fois que tout prend sens, on est complètement embarqué dans cette histoire unique.

Quant aux comédiens, leur talent est indéniable. Alexandre Faitrouni réalise une performance majuscule, incarnant un Charlie Chaplin que l’on ne connaît pas : un personnage maladroit, hésitant, gauche, mais profondément touchant. Sa nomination aux Molières est plus que méritée. Je suis particulièrement fan de ce comédien depuis plusieurs années, tant il a ce don rare de toucher le public en plein cœur. Ses deux partenaires l’accompagnent également avec brio, livrant une prestation irréprochable.

La mise en scène est d’une précision remarquable, presque chorégraphiée, ce qui ajoute à la magie du spectacle.

Il faut néanmoins prévenir : ce spectacle divise. Certains le trouvent lent et peuvent avoir du mal à accrocher. 

Pour ma part, c’est un véritable coup de cœur, un spectacle unique en son genre que je recommande chaudement à tous les amoureux du théâtre et du cinéma.

Je ne m'attendais pas du tout à assister à ce genre de spectacle. Le résumé ne laisse pas du tout présager de la profondeur du propos de cette pièce. Believers c'est une histoire d'amour face aux difficultés de la vie. Un amour qui résiste aux années et aux tempêtes (que dis-je? Aux ouragans). On passe du sourire aux larmes par les allers-retours incessants entre les personnages jeunes (en mode comédie romantique) et adultes (en mode comédie dramatique) et on ressort totalement bouleversé. Impossible toutefois d'en dire plus sans dévoiler des éléments essentiels de l'intrigue. Alors si vous aimez être ému au théâtre, n'hésitez pas!

Dans la famille "spectacles inclassables" j'ai pioché "La maladie de la famille M". 22h30 me semble être un bon choix d'horaire pour cette pièce car il ne faut pas chercher à tout comprendre et, après une journée avignonnaise, on en est de toutes façons incapable. On est à mi-chemin entre une tragédie et une comédie à l'humour qui n'est pas sans rappeler Les Chiens de Navarre pour le côté trash et malaisant. On ressent un certain malaise devant cette galerie de personnages tous plus pathétiques les uns que les autres, et pourtant, j'ai étonnamment passé un très bon moment. Ce n'est pas une pièce classique, et probablement que certains ne rentreront pas dans l'univers. J'ai personnellement énormément ri mais, en même temps, certains moments de tension extrême m'ont prise aux tripes. Les comédiens sont absolument épatants et je tiens à souligner la performance incroyable de Tigran Mekhitarian. C'est un spectacle que je recommande, tout en sachant qu'il ne fera pas l'unanimité.

Comme souvent, la programmation du Théâtre Actuel nous propose un spectacle de qualité. Menée par un Olivier Sitruk époustouflant, "Dolores" nous raconte l'histoire extraordinaire de Sylvin Rubinstein, que l'on nous présente comme danseur de flamenco et tueur de nazis. Accrocheur, non? Le tout agrémenté de quelques moments de danse flamenco magnifiques. S'il m'a manqué un petit quelque chose que je ne saurais expliquer pour être un coup de coeur, la pièce n'en est pas moins un excellent spectacle que je conseille sans hésitation, en particulier quand on sait qu'il s'agit d'une histoire vraie. Incroyable!

Quelle belle surprise que ce seul-en-scène de Christophe Delort ! Le pari était audacieux : nous faire découvrir la philosophie en un peu plus d’une heure, tout en la rendant accessible à tous, et en plus, en nous faisant rire. Pari relevé haut la main.

Ce spectacle est bien plus profond qu’on ne pourrait l’imaginer au premier abord. Il invite à réfléchir sur de nombreux aspects de la vie, sans jamais être pesant ni élitiste. L’énergie débordante du comédien, son aisance dans la communication avec le public et sa bonne humeur communicative font de cette heure un vrai moment de plaisir.

Christophe Delort parvient à rendre vivants les grands philosophes et leurs idées avec une simplicité et un humour qui captivent aussi bien les adolescents que les adultes. C’est une excellente introduction à la philosophie, qui donne envie d’en apprendre davantage. On en ressort grandi, avec l’esprit un peu plus éclairé et le sourire aux lèvres. Je recommande ce spectacle à tous ceux qui souhaitent allier culture et divertissement.

Quelle performance! L'énergie des musiciens n'a d'égal que leur talent derrière leur(s) instrument(s). Alors certes, on peut parfois être perdu en essayant, à tort, de suivre l'histoire, mais il faut juste vivre le moment et apprécier la folie du spectacle. On ne peut que s'incliner devant la performance des artistes et la mise en scène impeccable d'Eric Bouvron. La salle était debout et est ressortie le sourire aux lèvres. Allez-y pour vivre un moment fou et musicalement de haut vol!

Rien de tel qu'un spectacle comme celui-ci pour terminer une journée avignonnaise. Dans ce nouveau spectacle, les Divalala s'attaquent au vaste sujet de l'amour dans le répertoire français et on se demande comment elles ont pu faire une sélection tant le choix est vaste! Quand on aime cet univers, c'est tout simplement un très bon spectacle. La scénographie est parfaitement huilée, les jeux de lumière sont magnifiques, la direction artistique impeccable et surtout, le travail d'harmonisation des voix qui a été fait est impressionnant. Si vous souhaitez finir votre journée en chanson et en légèreté, vous ne trouverez pas mieux!

Coup de coeur

Pour finir en beauté le festival, direction le théâtre Actuel pour une pièce dont on me parle depuis 2019: "Les filles aux mains jaunes". Magnifique texte, magnifiques comédiennes, magnifique mise en scène, bref, un coup de coeur. J'ai failli passer à côté de ce spectacle qui met l'accent sur toutes ces femmes qui ont travaillé dans les usines d'armement lors de la première guerre mondiale au péril de leurs vies. Il permet également d'aborder le thème de l'égalité salariale, des conditions de travail des ouvriers et pointe du doigt l'absurdité des guerres menées du fait des alliances entre pays. C'est une pièce instructive, bouleversante et que je conseille à tous.

Coup de coeur

Comment ressortir indemne de ce spectacle? J'ai été totalement époustouflée par cette adaptation de la vie de Lawrence d'Arabie que, je l'avoue, je ne connaissais que de nom. Son histoire pourrait se suffire à elle-même tant elle est étonnante, mais elle est encore plus mise en valeur par la brillante mise en scène. Les comédiens sont exceptionnels et que dire de la musique? J'ai été complètement envoûtée par la voix de la chanteuse et hypnotisée par les deux musiciens sur scène qui font partie intégrante du spectacle, qui le vivent à chaque seconde et sans qui la pièce n'aurait pas la même saveur. Ajoutons à cela l'humour apporté par quelques personnages et nous nous retrouvons avec un spectacle remarquable en tous points.C'est pour vivre des émotions comme celle-là que je vais au théâtre!

Coup de coeur

Je viens d'assister à la toute première représentation d'une pépite qui, j'en suis certaine, va faire parler.

"Oublie-moi" c'est avant tout une histoire d'amour, un véritable amour à l'épreuve de la maladie. Il explore la question suivante: comment réagir quand l'être aimé devient peu à peu un inconnu? Le sujet d'Alzheimer, certes lourd, est traité avec beaucoup de finesse et même d'humour. L'histoire est magnifique. L'amour profond qui unit les deux personnages, la résilience admirable de cette femme face à cette souffrance, cette fin pleine de poésie... C'est un tourbillon d'émotions qui m'ont traversée pendant plus d'une heure.

Et que dire des comédiens? La justesse de leur jeu et l'émotion qu'ils parviennent à nous transmettre tout au long de cette descente aux enfers m'ont bouleversée.

Je suis convaincue que le bouche à oreilles va rapidement fonctionner alors je ne peux que vous conseiller de vous précipiter au Théâtre Actuel avant qu'il ne soit trop tard.

A l'heure où la plupart des compagnies ont tendance à faire le choix du seul en scène (probablement pour des raisons plus économiques qu'artistiques), autant dire que "Les trois mousquetaires" dénote dans le paysage théâtral avignonnais. Douze artistes multicasquette sur scène (comédiens et/ou musiciens, escrimeurs, chanteurs) nous offrent un véritable spectacle et nous en mettent plein les yeux. La mise en scène est superbe, les artistes sont extrêmement talentueux (mention spéciale pour Richelieu!) et on est complètement embarqués dans cette épopée folle qui nous emmène sur les routes de France et d'Angleterre. La musique jouée en live est, encore et toujours à mon goût, un vrai plus.

Adapter un roman de 800 pages en 1h35 n'est pas chose aisée. Certains passages mériteraient d'être plus détaillés pour ne jamais perdre le spectateur tant l'histoire est riche, mais c'est impossible au vu du format imposé par le genre théâtral. C'est donc une vraie réussite qui ravira les petits et les grands.

J'apprécie de plus en plus de m'instruire au théâtre. Là, j'ai eu la chance d'en apprendre beaucoup plus sur Charlie Chaplin et je n'avais aucune idée de la complexité de cet acteur. La pièce met l'accent sur la période d'écriture du dictateur, qui marque un tournant dans sa carrière, et son engagement politique. Le comédien principal est excellent et, sans vouloir trop en raconter, il excelle dans le registre comique mais également dans l'émotion. Ce spectacle est beaucoup plus complexe qu'il n'y paraît et extrêmement intéressant.

Il s'agit d'un magnifique seul en scène, que je suis pourtant allée voir plutôt par fidélité au théâtre des Béliers que par réelle conviction, tant le sujet du cancer a déjà été traité au théâtre. Et grand bien m'en a pris! Un peu a la manière de Noémie Caillault dans "Maligne" il y a quelques années, Théo Askolovitch nous parle de son combat contre la maladie avec énormément d'émotion, de résilience mais également une bonne dose d'humour. C'est un hymne à la vie, à l'amour et une leçon de vie qui, personnellement, m'a tellement émue que j'ai eu du mal à retenir les larmes à la fin du spectacle. J'ai complétement adoré et je recommande vivement à chaque personne qui lira cette critique de prendre rapidement sa place car cela risque d'être rapidement complet tant le public est ressorti enchanté et ému.

J'ai passé un très agréable moment devant ce spectacle et n'ai pas vu le temps passer tant la trajectoire de vie du personnage de Samuel/Samir est surprenante. Dans un rythme haletant, l'auteur nous déstabilise sans arrêt en passant d'un genre théâtral à l'autre (comédie, thriller, drame). Les comédiens sont excellents et j'ai pris un malin plaisir à détester ce jeune loup assez odieux, malgré ses vaines tentatives pour nous expliquer son comportement. Cette pièce aborde également des sujets plus profonds tels que le racisme à l'embauche, l'endoctrinement, les conditions de vie en prison ou le pouvoir de l'argent. N'hésitez pas à aller découvrir ce spectacle!

C'est un spectacle familial que j'ai eu la chance de voir cet après midi. L'idée de base du comédien est de nous raconter toute l'histoire de l'Odyssée en un peu plus d'une heure tout en étant seul sur scène. Le tout de manière humoristique... C'est une sacrée performance et, à entendre les rires sincères des enfants (mais pas seulement) c'est une totale réussite. Camille Prioul incarne tour à tour les Dieux grecs (Zeus, Athena, Poseidon...), Ulysse, Télémaque, Penélope ... Tout le monde y passe, et, derrière les vannes, l'histoire est totalement respectée. Bravo!

Je connaissais surtout Yohann Métay pour son talent incroyable d’improvisateur, capable de créer des moments magiques et uniques sur scène à chaque représentation. Mais avec "Sublime Sabotage", j’ai découvert un autre visage de cet artiste : un comédien complet, drôlissime, déjanté et surtout complètement barré, et c’est précisément ce qui rend ce spectacle si irrésistible !

Dès les premières minutes, j’ai su que j’assistais à l’un des débuts de spectacle les plus fous et déjantés du festival. On retrouve avec bonheur l’énergie et la spontanéité d’un improvisateur qui ne recule devant rien, mêlées à un vrai travail de comédien au service d’un univers totalement loufoque. Ensuite, c’est une succession non-stop de scènes plus folles et hilarantes les unes que les autres, avec des situations que Yohann sait étirer et exagérer avec un sens du rythme et de la nuance impressionnant. Le spectacle tutoie la folie, sans jamais basculer dans l’excès.

Que dire de ce fameux stage de clown ou de la fameuse danse de la communauté ? Ces moments sont des concentrés de joie pure et les rires fusent en continu pendant toute la durée du spectacle, 1h20 de bonheur communicatif.

Loin d’être un sabotage, ce spectacle est au contraire une bulle d’air frais et de bonne humeur dans un festival parfois chargé. Je ressors avec un grand sourire, le cœur léger, et surtout l’envie de crier haut et fort : "AMOUR, Yohann !"

Si vous cherchez une comédie complètement déjantée mais maîtrisée, capable de vous faire rire aux éclats du début à la fin, ne ratez surtout pas ce "Sublime Sabotage".

Il y a un charme particulier à pénétrer dans un théâtre qui n’en a pas l’air, comme ce lycée transformé en scène de spectacle, sans savoir à quoi s’attendre… Et c’est précisément ce qui fait toute la magie d’Avignon. Ce spectacle fut pour moi une véritable révélation.

Dès les premières minutes, on est happé par le récit poignant d’un père au passé lourd, un homme héroïque qui n’a jamais réussi à confier ses secrets à son fils. L’intrigue démarre avec une simple photo, retrouvée parmi les affaires du père récemment décédé, et qui déclenche une enquête intime et bouleversante menée par le fils, déterminé à comprendre enfin la vérité.

Ce qui rend ce spectacle si puissant, c’est son ancrage dans des faits historiques réels. La plume de Grégory Bellanger signe une histoire solide, à la fois haletante et émouvante, qui pourrait aisément être adaptée au cinéma tant le suspense et la profondeur des personnages sont maîtrisés.

Le tempo est parfait, ne laissant jamais au spectateur le temps de s’ennuyer. Chaque scène révèle de nouveaux éléments, chaque dialogue creuse davantage la psychologie des personnages et le poids du passé.

La mise en scène, d’une grande ingéniosité, joue habilement avec l’espace du lycée pour créer une atmosphère immersive qui amplifie l’intensité dramatique. C’est un véritable tour de force qui donne vie à cette histoire avec une simplicité et une efficacité remarquables.

Ce spectacle est un rappel puissant que parfois, les plus belles surprises se cachent là où on ne les attend pas. Une invitation à ne pas hésiter à s’aventurer hors des sentiers battus pour découvrir des perles rares.

Le point de départ de ce spectacle est très intéressant puisque nous n'avons pas le droit à une mais à trois histoires à trois époques différentes. Leur point commun? Une cabine téléphonique. Cependant, nous comprenons rapidement que tous ces personnages sont liés et ces trois histoires vont finir par s'entrelacer et dévoiler le lourd passé de cette famille marquée par les drames. On y parle d'amour, de haine, de résistance, de football, de musique, de maladie, de chagrin.. Les thèmes abordés sont nombreux. Les comédiens sont excellents, leurs émotions incroyablement justes et la mise en scène brillante. On ne s'ennuie pas une seconde. Je recommande vivement.

Je suis allée voir ce spectacle un peu par hasard, me fiant d'une part, à la qualité de la programmation du théâtre des Béliers et d'autre part, aux comédiens à l'affiche. Le pitch énigmatique aurait pu me dissuader mais j'ai finalement sauté le pas, sans aucun regret. J'ai passé un très bon moment, je me suis laissée emporter par l'histoire et ai été très touchée, en particulier (et logiquement) par le personnage interprété par Johann Dionnet. C'est une histoire très émouvante dans laquelle on recolle les pièces du puzzle au fil de la narration grâce à d'habiles flashbacks. L'humour est également présent, en particulier grâce au personnage hilarant de la pianiste. Un beau moment de théâtre!

Salle comble pour cette pièce depuis le début du festival. Ce spectacle, qui nous permet d'en apprendre davantage sur ce génie de la musique, m'a clairement donné envie de me plonger dans la biographie de Glenn Gould et d'écouter ses œuvres tant le portait qui en est dépeint est fascinant. J'ai énormément apprécié la performance des comédiens, en particulier ceux qui campent Glenn et sa cousine dont l'histoire m'a particulièrement touchée. Décidément, la programmation du théâtre des Béliers cette année est d'une grande qualité.

Déception pour ce spectacle. Si l'idée de départ est intéressante et la première scène prometteuse, je n'ai pas forcément été gagnée par l'émotion et j'ai noté pas mal de longueurs, en particulier dans les scènes de réalisation des tâches. Il n'y a que peu de surprises, on s'attend clairement à tout ce qui va se passer. Et surtout, le final est couru d'avance et totalement improbable. Le jeu des comédiens est inégal mais j'ai adoré Jean-Alois Belbachir et j'ai été très heureuse de revoir Juliette Béhar sur scène, cette fois-ci dans un rôle plus classique que ceux dans lesquels je l'avais découverte il y a quelques années. En résumé, c'est tout de même une pièce assez agréable à voir mais loin d'être de la qualité de certains spectacles de cette année.

Ce spectacle a été à deux doigts d'être un de mes plus gros coups de cœur du festival. En plus de nous raconter une histoire poignante et d'être sublimé par la danse et les projections vidéo, la performance de la comédienne principale est bouleversante. Et pourtant, que c'est difficile de jouer le handicap sans jamais verser dans la caricature! Quelques chansons viennent agréablement agrémenter le propos. Ce spectacle est une petite pépite et, même s'il tombe un tout petit peu trop dans le sentimental à mon goût lors des dernières minutes, il n'en reste pas moins très poétique et émouvant. Il mérite amplement de se jouer devant des salles combles saisir votre texte.

J'ai beaucoup aimé ce voyage au temps de Molière. Comme dans leur création "Les trois Mousquetaires" la compagnie du Grenier de Babouchka (ma plus grande découverte de ce festival) joue un vrai beau théâtre à l'ancienne, avec une vraie troupe, et c'est un régal. Le comédien principal est excellent, sa fougue m'a totalement emportée, et ses compagnons sont extrêmement talentueux. Comme toujours, la mise en scène de Jean-Philippe Daguerre est convaincante. L'histoire est intéressante, on en apprend beaucoup sur Molière et ses camarades et leur vie au quotidien avant de devenir des proches du Roi. Mon seul bémol sera sur le final assez attendu et un peu décevant. Mais je recommande toutefois vivement ce spectacle qui est aussi divertissant qu'instructif.

J'ai été séduite par l'idée de départ de cette comédie, tout en étant consciente que j'étais de moins en moins friande de ce genre de spectacles. Mais, poussée par les critiques des spectateurs depuis le début du festival, je me suis installée dans la salle et j'ai attendu.... J'ai attendu assez longtemps mon premier sourire et encore plus longtemps mon premier vrai rire. Cette pièce se laisse aisément regarder, je le concède, mais à aucun moment je n'ai vraiment ri. J'aime le fait que le thème soit plus profond que ce qu'il n'y paraît mais il a fallu attendre l'arrivée de Richard 3 pour que je sois réellement émue. C'est le seul personnage qui ne surjoue pas, et c'est souvent un travers des comédies: on en fait des tonnes pour faire rire. Alors certes, certaines situations (souvent amenées par "l'accessoiriste") sont drôles. Mais il me manque un peu de folie et de sincérité dans le jeu des comédiens, même si certains tirent leur épingle du jeu.

A chaque nouvelle création, les Moutons Noirs se réinventent mais toujours avec un postulat de base commun: revisiter les grands classiques avec une modernité qui m'épate à tous les coups. Cette fois-ci, ils s'attaquent à Maupassant. Autant vous dire qu'il s'agissait de l'un des spectacles que j'attendais le plus cette année tant j'avais aimé leurs précédents spectacles. J'ai été, encore une fois, totalement bluffée. L'idée de faire un parallèle entre ce texte et l'exclusion est brillante. Incarnant le professeur que tout élève rêve d'avoir, retraçant des annecdotes sur sa vie racontées avec tant de sincérité qu'on est en droit de se demander s'il n'y aurait pas une part de vérité, Yannick Laubin nous embarque dans son histoire et nous tient en haleine jusqu'à la dernière seconde, grand moment d'émotion par ailleurs. La mise en scène, où le dessin revêt une importance capitale, est absolument géniale. Et je suis totalement conquise par ce comédien tellement talentueux! Un spectacle à montrer de toute urgence aux plus jeunes car il explique parfaitement les mécanismes de ce fléau qu'est le harcèlement. Et comme toujours, un immense bravo aux Moutons Noirs!

Belle surprise que ce seul en scène de Cyril Garnier ! Je m'attendais à, pardonnez-moi l'expression, un "spectacle de geek" qui, d'un côté, attirait ma curiosité, mais me faisait également craindre de ne pas être passionnée par le sujet. Cependant, j'ai été complètement embarquée dans cette histoire. Déjà, j'ai appris énormément de choses sur la conquête spatiale, mais surtout, ce que je retiens particulièrement, c'est que j'ai été extrêmement touchée par le parcours de vie du comédien. Cyril se met à nu devant nous avec une sincérité bouleversante, nous partage ses souvenirs de jeunesse parfois tragiques, ses doutes, ses angoisses et ses fragilités, tout en gardant son humour que nous lui connaissons bien. Car oui, on rit également énormément. Je suis vraiment très heureuse d'avoir poussé la porte des béliers ce soir et recommande à tous, passionnés ou non d'espace, d'en faire de même. Vous passerez un moment drôle, touchant et instructif.

Attirée par les excellentes critiques de ce spectacle depuis l’an dernier, j’ai décidé d’aller voir de moi même à quoi il pouvait ressembler. Salle pleine à craquer, propriétaire des lieux qui, elle, a complètement craqué, me voilà installée dans les escaliers. Ce seul en scène est de qualité, la comédienne, Eva Rami, est très talentueuse. C’est assez drôle, elle campe à merveille tous les personnages, mais c’est un peu longuet. Un bon quart d’heure de moins ne ferait pas de mal. Par ailleurs, le fait qu’elle nous raconte son parcours pour devenir comédienne fait que le spectacle est un peu redondant. On se lasse un peu des caricatures de tous ses professeurs de théâtre, même si elles sont très bien faites. En bref, c’est un bon spectacle mais perfectible.

Coup de cœur

Quel magnifique moment de théâtre! Probablement l’une des plus belles pièces de ce festival. Contrairement à "un cœur simple" dont la thématique est assez similaire, je ne me suis pas ennuyée une seule seconde. Et cela est dû en partie à la merveilleuse Béatrice Agenin qui interprète avec beaucoup de talent le rôle de Marie et de George Sand. L’histoire est extrêmement touchante et la mise en scène avec l’utilisation de cette grande maison de poupées m’a étonnée. Plusieurs sujets sont abordés avec intelligence et on en apprend plus sur les coutumes du 19eme siècle. C’est un vrai bijou et je ne doute pas que ce spectacle aura une longue vie après Avignon.

Coup de coeur 

Difficile de m’étonner après 15 jours de festival, et pourtant cette pièce l’a fait. Peut être parce que je suis directement concernée, j’ai été complètement tenue en haleine de la première à la dernière seconde. Difficile sujet que celui du métier de professeur, on peut tomber dans des clichés et heureusement ce n’est pas le cas. Impossible de ne pas penser à ces images choquantes que nous avons tous vues l’an dernier montrant un élève braquer son professeur. Ici, la situation est inverse mais ce qui est épatant, c’est qu’aucun des personnages n’est tout blanc ou tout noir. Chacun a ses failles, ses qualités (parfois bien cachées) et ses défauts. Et on se prend d’empathie pour chacun d’entre eux (ou presque). Le final "en apothéose" est chargé d’émotion et on ressort bouleversé. C’est exactement ce qu’on attend du théâtre.

Coup de coeur.

Encore un petit bijou du Festival ! Cette pièce, loin d’être une surprise pour moi, fait partie des incontournables d’Avignon depuis plusieurs années, jouée à guichets quasi fermés — et ce, à juste titre. Je l’avais déjà vue il y a deux ans, mais je suis retournée la voir cette année avec plaisir, impatience, et une curiosité toute particulière liée au changement d’interprète principal.

Et je n’ai absolument rien à redire : ce spectacle est un condensé d’émotion, de surprises et d’humour, porté par un jeune artiste d’un talent remarquable. J’avais découvert cette pièce avec Axel Auriant, dont j’avais été bluffée par la performance. J’avoue avoir eu une petite crainte de ne pas retrouver la même magie avec son successeur, mais Pierre Martin m’a totalement convaincue. Sa manière d’incarner Adrien est peut-être différente, mais tout aussi bouleversante et juste. Il se montre tout aussi virtuose que son prédécesseur, avec une sensibilité et une énergie qui donnent vie au texte d’une manière très personnelle.

L’écriture est d’une finesse rare, la mise en scène est maîtrisée et contribue à créer une atmosphère immersive. À la sortie, on a le cœur serré mais le sourire aux lèvres — un mélange subtil d’émotions qui reste longtemps.

Pour celles et ceux qui fréquentent le Festival depuis longtemps, "Une vie sur mesure" est sans doute un titre familier. Et si vous pensez que le thème ne vous concerne pas ou ne vous attirera pas, je vous invite vivement à oublier vos préjugés. Ce spectacle touche à l’universel, à ce qui nous fait tous vibrer. Courrez-y sans hésiter, vous ne le regretterez pas une seconde !

Edit: cette année, c'est l'auteur de la pièce, Cédric Chapuis, qui reprendra le rôle au festival. Ne manquez pas cela!

Tandis que l'orage menace, Richard, un metteur en scène sur le retour, vient dispenser son premier cours de théâtre en centrale. Il espère une forte affluence, qui entraînerait d'autres cours - et d'autres cachets - mais seuls deux détenus se présentent : Kevin, un jeune chien fou, et Ange, la cinquantaine mutique, qui n'est là que pour accompagner son ami. Richard, secondé par une de ses anciennes actrices - accessoirement son ex-femme - et par une assistante sociale inexpérimentée, choisit de donner quand même son cours...

Ma première rencontre avec le théâtre d'Alexis Michalik ne s'était pas particulièrement bien passée. J'étais ressortie du Porteur d'histoire assez déçue, sans vraiment comprendre l'enthousiasme qu'il suscitait. Depuis, j'ai revu cette pièce et l'ai beaucoup appréciée, mais c'est donc avec une certaine méfiance que suis allée voir "Intra Muros". Le sujet, plus ancré dans la réalité, m'intriguait néanmoins suffisamment pour me donner envie de tenter l'expérience. Et quelle bonne idée j'ai eue !

L'histoire débute dans une prison, où Richard, un metteur en scène un peu désabusé, vient animer un atelier de théâtre. Il espère attirer de nombreux détenus, mais seuls deux hommes répondent présents. Accompagné d'une comédienne et d'une jeune assistante sociale, il décide malgré tout de maintenir son cours. Un point de départ finalement assez banal, mais qui va rapidement nous entraîner bien au-delà des murs de la prison.

Car Alexis Michalik possède un véritable talent de conteur. À partir d'une situation toute simple, il construit progressivement une histoire beaucoup plus riche et complexe qu'il n'y paraît. Les récits s'imbriquent, les époques se croisent, les personnages dévoilent peu à peu leur passé et les pièces du puzzle s'assemblent. On passe d'une histoire à une autre avec une fluidité déconcertante, sans jamais perdre le fil. Chaque révélation vient éclairer différemment ce que l'on croyait avoir compris, entretenant une curiosité permanente.

La mise en scène participe largement à cette réussite. Avec très peu d'éléments de décor, Michalik parvient à nous faire voyager d'un lieu à un autre et d'une époque à une autre. Tout repose sur l'imagination, le mouvement et le talent des comédiens, qui endossent plusieurs rôles avec une belle aisance. Les transitions sont particulièrement habiles et la musique jouée en direct contribue à créer des atmosphères très différentes. C'est un théâtre qui ne cherche pas à impressionner par ses moyens, mais par son inventivité.

Et puis, derrière cette mécanique narrative parfaitement maîtrisée, il y a de véritables questions humaines. La prison n'est finalement qu'un point de départ pour explorer des parcours de vie, des blessures, des regrets, des rencontres et des choix qui peuvent faire basculer une existence. La pièce interroge aussi la frontière entre la réalité et la fiction, mais surtout le pouvoir du théâtre : celui de permettre à chacun de s'évader, de se raconter et peut-être même de se révéler. Le tout sans oublier l'humour, qui apporte une légèreté bienvenue à un récit parfois sombre et émouvant.

Ce qui est assez étonnant, c'est qu'en sortant de la salle, j'avais du mal à expliquer pourquoi j'avais autant aimé. Les comédiens étaient très bons, certes, mais aucun ne m'avait particulièrement bouleversée. L'histoire était belle, mais je n'avais pas non plus le sentiment d'avoir assisté à quelque chose d'extraordinaire. Et pourtant, j'avais littéralement été happée par le spectacle. Je n'avais pas vu passer les 1h45 ! Je crois tout simplement que la force d'  "Intra Muros" réside justement dans cette alchimie entre tous les éléments. Rien ne semble prendre le dessus, mais tout fonctionne ensemble avec une efficacité redoutable. On se laisse entraîner dans ce tourbillon d'histoires sans même s'en rendre compte, et lorsque le rideau tombe, on réalise à quel point on a été captivé.

Finalement, c'est peut-être aussi cela, le talent d'Alexis Michalik : nous faire oublier que nous sommes au théâtre, simplement parce que nous sommes trop occupés à savourer les histoires qu'il nous raconte. Une formidable démonstration du pouvoir de la fiction et, surtout, un excellent moment de théâtre que je recommande sans hésitation!

A voir à la Pépinière Théâtre jusqu'au 2 décembre

Le mardi à 21h et le mercredi à 19h

Texte et mise en scène: Alexis Michalik 
 Avec en alternance : Clémentine Aussourd, Christopher Bayemi, Chloé Berthier, Raphaèle Bouchard, Hocine Choutri, Jérémie Covillault, Johann Dionnet, Janik Erima, Fleur Fitoussi, Jean Fornerod, Muriel Gaudin, Magali Genoud, Thibaut Gonzalez, Antoine Kobi, Aurélie Konaté, Christian Mulot, Jean-Philippe Ricci, Fayçal Safi, Marie Sambourg, Azize Kabouche et Julien Urrutia  et les musiciens : Raphaël Bancou, Sylvain Briat, Raphaël Charpentier, Mathias Louis et Killian Rebreyend.

Autant j’avais été bouleversée et conquise par "visites à Mister Green" il y a trois jours, autant je n’ai pas été emballée par la suite. J’ai passé un bon moment, entendons-nous bien, le comédien principal est toujours aussi incroyable, mais je trouve dommage d’avoir choisi le registre de la comédie pour continuer cette belle histoire. Et de donner une vision si négative du judaïsme rigoriste. Cela m’a presque gênée. Peu d’émotion, plus caricatural, bref j’ai été assez déçue.