⭐⭐⭐⭐✨

Cléopâtre – La Reine Louve raconte l’ascension de la jeune et déterminée Cléopâtre, propulsée à la tête de la dynastie des Ptolémées.

Assister à un spectacle d’Éric Bouvron, c’est s’offrir une expérience mémorable, et Cléopâtre, la Reine Louve ne fait pas exception à la règle. Dans la lignée de son sublime Lawrence d’Arabie, le metteur en scène nous embarque cette fois-ci en Égypte ancienne, à la découverte du destin fascinant d’une reine mondialement célèbre, mais dont les véritables contours restent, pour beaucoup, méconnus.

Dès les premières minutes, la mise en scène capte l’attention. D’une beauté sobre et saisissante, elle repose sur un minimalisme poétique : quelques bâtons, des tissus, quelques costumes suffisent à faire naître l'histoire sous nos yeux. Fidèle à son style, Éric Bouvron (à mon avis le metteur en scène le plus talentueux du moment) prouve une fois de plus qu’il sait faire beaucoup avec peu. Les superbes créations lumières subliment les scènes, tandis que la musique, jouée et chantée en live par les musiciens, ajoute une vraie profondeur à l'ensemble.

La troupe, menée par une Charline Freri bouleversante dans le rôle de Cléopâtre, est irréprochable. Tous les comédiens incarnent avec aisance une multitude de personnages, naviguant entre émotion, humour et tension avec une fluidité remarquable.

L’histoire, riche et passionnante, est racontée avec précision, tout en étant ponctuée de traits d'humour parfaitement dosés.

En somme, Cléopâtre, la Reine Louve est un joyau théâtral à ne surtout pas manquer. Une œuvre d’une rare qualité, qui enchante autant qu’elle instruit.

⭐⭐⭐✨

UN MEC COOL, c’est quelqu’un qui est mieux que nous, donc c’est normal qu’on paye pour le voir.

Guillaume Sentou rêve d’être un mec cool, ce type décontracté qu’on admire pour son aisance naturelle et sa confiance en lui. Mais, comme tout artiste digne de ce nom, il est traversé par ses propres doutes. Je l’avais découvert éblouissant dans des rôles comme ceux d’Edmond Rostand ou d’Auguste Maquet, où il mêlait avec brio humour, charisme et justesse. Son interprétation d’Edmond lui avait d’ailleurs valu un Molière du meilleur comédien. Et pourtant, derrière ce talent éclatant, il se sent ordinaire.

De ce constat est né un spectacle en solo, un récit intime et universel, porté par une écriture subtile et une interprétation d’une grande finesse, entre émotion, juste critique de la société et autodérision. C’est un tournant dans sa carrière : longtemps salué en duo ou en troupe, il choisit ici de se confronter seul au regard du public. Comme un défi lancé à lui-même, et qu’il relève haut la main.

Pour ma part, sa seule présence suffisait à me convaincre de venir. Et je n’hésiterai pas une seconde à retourner le voir sur scène. Je n’ai jamais été déçue.

⭐⭐

La réussite est une chose étrange. Voyez-vous, ce soir, je signe mon retour triomphant en Angleterre. Tout le gratin de Londres sera là, pourtant il y aura bien un grand absent.
Moi, Philip Somerset. Vous ne me verrez pas car ce soir, je vais mourir. Oh détrompez-vous, cela ne me fait pas plaisir !
C'était une si belle soirée, j'étais entouré d'amis chers : Katherin ma soeur bien aimée, Hartford mon bras droit, Bram Stoker le directeur du théâtre, Georges Bernard Shaw le dramaturge, Miss Lime mon assistante, Arthur Conan Doyle le célèbre romancier.
Pourtant mon assassin est forcément parmi eux. Alors Qui ? Et si c'était simplement mon heure ?

Malheureusement, cette comédie policière ne m’a pas vraiment convaincue. Le terme de "comédie" me semble d’ailleurs un peu exagéré : les moments drôles sont rares, et les sourires, timides. L’intrigue met beaucoup de temps à se mettre en place, et quand elle décolle enfin, elle manque cruellement d’originalité. Quant aux personnages, ils peinent à susciter l’intérêt ou l’empathie.

Le seul véritable point fort du spectacle réside dans ses rebondissements, parfois inattendus, qui rappellent les mécanismes bien rodés des romans d’Agatha Christie. Cela dit, malgré quelques sursauts d’intérêt, je suis restée assez distante tout au long de la représentation.

Je ne dirais pas que j’ai passé un mauvais moment, mais cette pièce ne laissera clairement pas un souvenir marquant.

⭐⭐⭐⭐

Louise, ancienne étudiante en Maths Sup reconvertie dans le stand-up, puise dans sa vie personnelle pour alimenter ses sketches. Son humour acerbe a toutefois creusé un fossé entre elle et sa mère, au point qu'elles ne se parlent plus depuis trois ans. En panne d'inspiration, Louise retourne pourtant dans la maison familiale à l'occasion d'un événement symbolique : la Fête des mères. L'occasion de revoir ses frères Gabriel et Ziggy ainsi que leurs conjoint.e.s. Mais alors que tout le monde se retrouve, un élément inattendu vient perturber la réunion : l'absence inexpliquée de la mère.

Difficile à classer, "Fête des mères" surprend autant qu’elle désarçonne. Si les règlements de comptes familiaux sont un thème récurrent au théâtre, c’est ici le ton, résolument absurde et grinçant, qui fait toute la singularité du spectacle. L’humour, souvent acide, joue sur le malaise, autant dans les dialogues que dans les situations, poussant parfois jusqu’au burlesque. Dans ce chaos savamment orchestré, le personnage de Florence se distingue : à la fois hilarant, insupportable, et terriblement humain.

Derrière cette comédie aux accents trash et à l’irrévérence assumée, se cache un message plus profond, voire touchant. Si certains pourront rester hermétiques à ce type d’humour, les amateurs de comédies noires et décalées, eux, y trouveront leur compte… et bien plus encore.

⭐⭐⭐⭐

Issa, jeune Érythréen laissé pour mort dans la « jungle » de Calais, a perdu la mémoire. Alors que le seul élément tangible de son passé est son passeport, il entame une longue quête semée d’embûches afin d’obtenir un titre de séjour, entouré de compagnons d’infortune.

J’ai enfin eu le plaisir de découvrir Passeport, et le verdict est sans appel : c’est une pièce remarquable. On y retrouve les ingrédients emblématiques du théâtre d’Alexis Michalik – un rythme soutenu, une mise en scène ingénieuse et un dénouement inattendu. Impossible de décrocher tant le récit regorge de péripéties et que les histoires des personnages, finement entremêlées, captivent et émeuvent.

Ce qui m’a particulièrement frappée, c’est la manière dont l’auteur parvient encore à explorer de nouvelles thématiques tout en conservant ce qui fait la force de son univers. Passeport est sans doute son œuvre la plus engagée à ce jour, mais elle ne verse jamais dans le manifeste militant. Il s’agit avant tout du parcours profondément humain d’un homme en quête de soi, traité avec finesse et sensibilité.

Les comédiens sont excellents, notamment Jean-Louis Garçon, bouleversant dans le rôle d’Issa, et Kevin Razy, qui insuffle une dose d’humour bien dosée et bienvenue. Si le propos est fort, il n’est jamais pesant : la pièce touche par son humanisme bien plus qu’elle ne cherche à faire la leçon.

Une œuvre aboutie, intelligente et profondément humaine que je recommande sans hésiter.

⭐⭐⭐⭐

"Orgueil et préjugés... ou presque !", l'adaptation décalée et pop du célèbre roman de Jane Austen, arrive enfin à Paris!l Accompagnées d'une musicienne, 5 comédiennes nous racontent avec humour les péripéties des soeurs Bennet, du point de vue des domestiques.

Si vous cherchez un spectacle déjanté, drôle et plein d’énergie pour clore votre soirée, "Orgueil et préjugés... ou presque" est fait pour vous. Cette adaptation est un concentré de folie, portée par une mise en scène rythmée comme un ballet parfaitement orchestré. Il faut saluer la prouesse d’avoir transposé une œuvre aussi riche avec autant d’inventivité.

Sur scène, cinq comédiennes brillantes incarnent tour à tour plusieurs personnages, avec une aisance et une précision remarquables. Difficile de mettre en avant l’une plus que l’autre tant elles sont toutes excellentes, chacune apportant sa touche unique à cet univers burlesque. Mention spéciale également à la musicienne, subtilement intégrée à la mise en scène : bien plus qu’un accompagnement sonore, elle devient un personnage à part entière, contribuant à l’esprit décalé de la pièce. Je ne regrette que les quelques vulgarités qui me semblaient évitables. 

Il n’est pas nécessaire d’avoir lu le roman ou vu ses adaptations pour savourer pleinement le spectacle, même si cela peut ajouter une touche de plaisir supplémentaire en percevant les clins d’œil et les écarts assumés. J’ai énormément ri et ai été particulièrement impressionnée par la fluidité des transitions et la rapidité des changements de costume.

En somme, un véritable bijou d’humour absurde et une performance de haut vol de toute l'équipe à ne manquer sous aucun prétexte !

⭐⭐⭐⭐

À la suite d’un test ADN, Tomas découvre qu’il n’est pas le père de son bébé, mais son oncle. Seulement, à sa connaissance, il n’a pas de frère. Le jour où sa mère est prête à lui faire des révélations, Tomas la retrouve assassinée.

ADN est un spectacle assez unique. Tout d'abord, impossible ne pas commencer une critique de cette pièce sans mettre l'accent sur la prouesse du metteur en scène Sébastien Azzopardi. Car pour parvenir à retranscrire cette histoire sur scène et faire défiler un nombre incalculable de décors de manière si fluide, il faut un allier talent et ingéniosité. La nomination aux Molières dans la catégorie "Meilleure création visuelle et sonore" est totalement méritée et une dans la meilleure mise en scène n'aurait pas été volée.

S'il me paraît important de mettre en lumière la mise en scène, j'ai également beaucoup aimé l'idée du spectacle. C'est d'ailleurs la première raison pour laquelle je suis allée voir cette pièce, car les thrillers au théâtre sont assez rares. Inspirée de faits réels mais largement romancée, cette histoire incroyable tient les spectateurs en haleine de la première à la dernière seconde. Le final est même totalement inattendu et j'ai été scotchée par la beauté de la dernière scène, que je ne révélerait évidemment pas. 

Enfin, j'ai eu la bonne surprise d'assister à un spectacle drôle et immersif. Comme dans "Dernier coup de ciseaux", Azzopardi a pris un malin plaisir à intégrer par petites touches le public qui ne demande que ça. J'ai beaucoup ri et je trouve judicieux d'avoir pris le parti de dédramatiser le propos avec une écriture parfois plus légère. 

En résumé, ADN est un spectacle surprenant, intense, haletant et très amusant lors duquel le spectateur va de surprise en surprise et se laisse embarquer dans cette folle histoire avec un immense plaisir.

⭐⭐⭐⭐✨

Nora et Jonathan sont en couple depuis  bien trop longtemps. Et c’est nul. Maxime  quant à lui fait des partouzes pour  rencontrer l’homme de sa vie. Et c’est nul  aussi. Timothée lui, pense qu’il est  heureux, alors que sa vie est nulle. Jeanne  a une vie bien nulle, mais par contre elle  le sait.

Le titre et le pitch du spectacle étaient prometteurs et le fait qu'il ait été récompensée par deux Molières (meilleure comédie et meilleur auteur) l'an dernier m'a poussé à dépasser mes à prioris sur les comédies. Quelle bonne idée! J'ai trouvé l'écriture excellente avec, comble du bonheur pour moi, une petite pointe d'humour noir bien sentie. Les personnages, névrosés et caricaturaux à souhait, sont au mieux agaçants, au pire odieux. On peut donc les détester sans aucun remords et c'est un vrai exutoire. Mais pour jouer ce genre de personnages, il faut des comédiens à la hauteur. Le casting est parfait! Impossible pour moi d'en ressortir un du lot tant ils sont chacun brillants dans leur interprétation. Un immense bravo à eux et à l'auteur.

⭐⭐⭐⭐

Avec La fin du début, le comédien Solal Bouloudnine nous plonge dans l’univers d’un enfant des années 90 qui réalise, comme tous les enfants avant et après lui, que tout a une fin, à commencer par la vie. Nous traversons avec lui une vie marquée par l’angoisse de la fin, dans une comédie touchante et vertigineuse.

Quelle performance! "La fin du début", c'est le genre de spectacles qu'il est très difficile d'expliquer mais qui ne laissera personne indifférent. Certains riront du début à la fin de l'enchaînement de scènes tantôt absurdes, tantôt teintées d'humour noir. D'autres passeront probablement totalement à côté et seront perdus face au côté complètement barré de l'ensemble, aussi bordélique que le plateau en début et en fin de spectacle. Cependant, il est indéniable que Solal Bouloudnine, à la fois comédien et co-auteur, donne de sa personne et est pétri de talent. Il campe une série de personnages tous plus déjantés les uns des autres avec une facilité et une énergie que les plus grands humoristes lui envieraient.  Personnellement j'ai énormément ri, autant des blagues et des jeux de mots volontairement très mauvais que de l'absurdité de certaines situations. Et que dire de ce décor qui, pour un enfant des années 90, est plein de références et de jouets rétro qui nous rappellent notre jeunesse (mention spéciale pour le petit sticker 3615 ULLA bien caché). Le tout est agrémenté de quelques chansons et anecdotes sur la vie de Michel Berger, musicien profondément lié au comédien par un hasard malheureux. 

Ce spectacle est, de plus, bien plus profond qu'il n'y paraît et mène une vraie réflexion philosophique sur des questions telles que la maladie ou la mort. En tous cas, c'est un seul en scène extrêmement original que je recommande à ceux qui n'ont pas peur d'être décontenancés au théâtre.

⭐⭐⭐⭐

À Séville, au début du XIXe siècle, Rosine, une jeune fille orpheline, est retenue captive par son tuteur, le docteur Bartholo, épaulé par son cupide bras droit Basile. Promise à un mariage forcé à ses 18 ans, elle tombe amoureuse d’un mystérieux amant qui la courtise en secret. Ce n’est autre que le comte Almaviva qui, aidé de son ancien valet, le malicieux Barbier Figaro, va tenter de la délivrer…

J'ai été très agréablement surprise par cette adaptation pourtant très classique du Barbier de Séville. Ce qui m'a fait énormément rire dans cette comédie ce n'est pas tant le texte (on est très proche des bonnes pièces de Molière, sans réelle surprise dans l'histoire) mais plutôt l'excellente interprétation des comédiens ainsi que toutes les petites trouvailles de mise en scène très astucieuses et toujours très drôles. Même si ce n'est pas ce que je préfère dans le théâtre, je trouve important que les textes de nos grands auteurs ne tombent pas dans l'oubli et il est indispensable de les faire découvrir et aimer à tous. Ce défi de taille est relevé haut la main par la troupe des Modits. Ce spectacle plaira à la fois aux amoureux du théâtre classique mais aussi aux néophytes et aux enfants qui seront amusés, en particulier par le rôle de l'odieux docteur Bartholo magistralement interprété par Michaël Giorno-Cohen (que j'avais déjà énormément apprécié dans "Le Revizor"). Les autres comédiens ne sont pas en reste et nous livrent une performance pleine d'énergie, que ce soit Oscar Voisin (qui interprète le fantasque Figaro), Victor O'Byrne (l'amoureux transi prêt à tous les subterfuges pour atteindre sa bien aimée), ou Alexis Rocamora (tellement parfait dans son rôle de l'antipathique Basile). Je tiens également à féliciter Justine Vultaggio qui non seulement est très convaincante dans son rôle de Rosine mais qui signe également la mise en scène que j'ai trouvée très intéressante. Il y a quelques années j'avais acheté un album qui s'intitulait "j'aime pas le classique mais ça j'aime bien", voilà qui résumait parfaitement mon état d'esprit à la sortie de cette pièce. Un immense bravo à la troupe

⭐⭐⭐⭐✨

"Oh Capitaine, mon capitaine!". Voilà une réplique qui aura marqué tout une génération. Et dire que le film dont elle est tirée date de 1989! Près que quarante ans plus tard, Tom Schulman s'est lancé le pari fou d'adapter cette oeuvre au théâtre. C'est osé mais le défi est relevé avec brio. Non seulement la pièce retranscrit parfaitement l'histoire d'origine, mais la voir se dérouler sous nos yeux est un pur bonheur. Certes, ce professeur représente une vision totalement idéalisée et utopique du métier, mais quelle performance de Stéphane Freiss! Quel charisme! J'avais déjà été totalement bouleversée par son rôle dans "Le fils" et j'ai eu un plaisir fou à le retrouver sur scène. Il y est entouré d'une bande de jeune comédiens très prometteurs qui apportent un vrai vent de fraîcheur et, en particulier, celui qui a reçu le Molière de la révélation masculine : Ethan Oliel. Le message, ce fameux CARPE DIEM, est universel et intemporel et parlera à tout le public. C'est poétique, philosophique et ça déborde d'une énergie positive qui donne le sourire aux lèvres. 

J'ai eu la chance de voir ce spectacle avec le casting d'origine et je sais que les comédiens qui jouent à Paris ont changé mais, vu la qualité de l'oeuvre, nul doute qu'il vaut encore la peine de se précipiter au Théâtre Antoine pour aller les applaudir.

⭐⭐⭐✨

Je suis de moins en moins fan de one man show car j'ai l'impression de voir toujours le même spectacle. Seuls quelques humoristes trouvent encore grâce à mes yeux. J'étais cependant très curieuse de découvrir Adel Fugazi sur scène, lui que j'avais connu grâce à un sketch qui m'avait fait mourir de rire lors de son passage dans l'émission Comedy Class. Je suis ravie d'avoir retrouvé l'univers qui m'avait tant plu. Un univers complètement barré, loin des standards du stand up, que ne renierait pas le génialissime Yacine Belhousse. Mais Adel a toutefois un style qui lui est propre et qui lui permet de se démarquer des dizaines d'humoristes qui écument les comedy clubs chaque soir. Il a également un don pour aller jusqu'au bout de ses blagues et un sens du rythme qui est indispensable pour réussir à emporter l'adhésion du public. J'ai ri un bon nombre de fois, j'ai beaucoup aimé ce que dégage le comédien et je ne regretterai que la présence un peu trop fréquente d'humour "pipi-caca" qui, certes, a son public, mais qui n'est pas ce que je préfère. Il n'empêche que j'ai passé une très bonne soirée et que le reste des spectateurs également.

A voir à La Nouvelle Seine

⭐⭐⭐⭐

Quatre amies d'enfance se retrouvent, dans un chalet familial, pour fêter leurs amitiés. Derrière l'humour et la légèreté de leurs échanges, la tension est palpable. L'une d'elles semble moins présente. Un événement impensable les a réunies.

Depuis quelques années se multiplient (enfin!) les spectacles sur le sujet des violences faites aux femmes. Ils sont généralement bouleversants mais souvent centrés sur l'acte en lui-même. Ici, l'angle choisi est différent et, selon moi, très intéressant. En effet, si le nom du criminel est plusieurs fois cité, on s'attarde plutôt sur les personnages des témoins que sur celui de la victime (toutefois présente par petites touches) ou du bourreau. Ces trois femmes, qui n'ont pas vu (ou n'ont pas voulu voir) la souffrance de leur amie, se retrouvent dans l'incompréhension et rongées par la culpabilité. Comment ne pas mettre l'accent sur les remarquables comédiennes, en particulier le trio principal, pour la sincérité et la puissance de leur émotion? Grâce à la folie d'Aude Roman (qui n'est pas sans rappeler Catherine Frot), la justesse de Marie le Cam et l'intensité de Tadrina Hocking, également à l'écriture de la pièce, les trois personnages nous agacent autant qu'ils nous bouleversent. Le quatrième  est plus en retrait et joué tout en retenue mais apporte des moments d'émotion. Enfin, le véritable coup de maître, selon moi, c'est que les autrices sont parvenues à apporter des petites touches d'humour, indispensables dans ce genre de pièce. 

Évidemment, le spectateur ne peut que s'interroger en sortant de la salle : et moi, est-ce que je connais quelqu'un qui pourrait être dans cette situation?  Comment faire pour déceler ce que la victime veut absolument cacher? En ceci, je trouve que c'est un spectacle intelligent et nécessaire. 

A voir à La Scène Parisienne jusqu'au 26 mars

⭐⭐⭐⭐

En 1999 débutait le casting pour trouver le jeune garçon qui allait interpréter Harry Potter et qui, par la même occasion, deviendrait mondialement célèbre. Des centaines de garçons furent auditionnés. Finalement, il n’en resta plus que deux. Ce spectacle raconte l’histoire de celui qui n’a pas été choisi.

Dans la salle, où il n'y a plus le moindre strapontin disponible, s'installent des spectateurs de tous âges, probablement attirés par la promesse d'une ambiance Harry Potteresque. Il faut dire que le pitch de la pièce est alléchant. Potterhead dans l'âme, c'est également l'envie de revoir sur scène Axel Auriant, que j'avais découvert et tant aimé dans "Une vie sur mesure", qui attise ma curiosité. Dix minutes avant le spectacle, dans un décor digne de Poudlard, défilent sur un petit écran des reportages mettant l'accent sur la folie Potter. Les ouvreuses, vêtues de leur plus bel uniforme aux couleurs de Serpentard, ferment les portes. 

Une heure et demie plus tard pas de déception: j'ai beaucoup aimé. La mise en scène est grandiose et les comédiens excellent chacun dans leur style. Tout d'abord, un Axel Auriant habité incarne à la perfection Martin Hill, cet enfant torturé au destin pas si banal. Les trois autres campent une galerie de personnages tous plus loufoques les uns que les autres et apportent cette folie qui fait mouche. On rit beaucoup et les clins d'oeil à l'univers de J.K Rowling sont omniprésents. Cerise sur le gâteau, la pièce est plus profonde que ce que l'on pourrait croire puisqu'elle nous pousse également à réfléchir à ce qu'engendre la gloire au-delà des strass et des paillettes. Entre fiction et un petit quelque chose de réalité (il a bien dû y avoir un petit garçon qui n'a pas été choisi sur des détails), cette comédie familiale, non dénuée de moments d'intense émotion, ravira les petits et les grands.

⭐⭐⭐✨

Si vous aimez être émus au théâtre, ce spectacle s'adresse à vous. Cathy Nouchi est bouleversante dans ce texte autobiographique très bien écrit sur le sujet de la maternité. Elle se met à nu devant les spectateurs pour nous livrer une prestation sincère et profondément touchante. Je n'ai personnellement pas pu retenir mes larmes à la fin du spectacle tant je me suis prise d'empathie pour la comédienne. Mon seul bémol est que j'aurais personnellement eu besoin de davantage de moments plus légers tant le propos est parfois profondément triste. Certaines scènes, certes, prêtent à sourire, mais elles auraient pu être davantage creusées. Cela reste un très beau spectacle que je conseille.

⭐⭐⭐⭐

J'ai assisté à la toute première de ce seul en scène surprenant et à la thématique assez originale puisque Nicolas Perrochet nous y parle avec beaucoup de sincérité de son parcours atypique qui l'a vu entrer dans l'armée à la sortie du lycée pour la quitter 12 ans plus tard. Comme le titre le suggère, les scènes dures alternent avec des moments plus touchants, ce qui en fait un spectacle à la fois drôle et émouvant. Si le sujet est passionnant et une source d'inspiration intarissable, des choix ont dû être faits sous peine d'avoir un spectacle de cinq heures et on pourrait être frustré de ne pas avoir droit à davantage d'anecdotes sur la vie militaire. Cependant, le propos n'est pas vraiment là et on se concentre davantage sur son parcours et ses doutes que sur l'armée en soi. En ce qui concerne le comédien, sa présence et son charisme sont indéniables. Le garçon est pétri de talent et excelle dans tous les registres, que ce soit l'humour, l'émotion et même le théâtre plus "corporel". En bref, si des ajustements vont probablement être faits au fur et à mesure des représentations, ce que j'ai vu est prometteur et déjà très abouti.

⭐⭐⭐✨

Assister à ce spectacle, c'est l'assurance de ressortir avec la pêche! Ils sont doués, même très doués. Ce sont des musiciens géniaux, la mise en scène est parfaite, la performance est excellente. Mon seul bémol sera l'humour clownesque dont, personnellement, je ne suis pas cliente. Cependant, les petits et les grands s'amusent de leurs pitreries, se plaisent à jouer avec eux et sont embarqués dans leur univers loufoque et déjanté. Les deux musiciens sont extrêmement talentueux, personne ne pourra dire le contraire. A tous les amateurs de percussions (et encore, vous serez surpris de voir le nombre d'instruments qu'ils jouent!), allez-y!

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Comme il est difficile de me faire rire maintenant! Et pourtant, j'ai beaucoup aimé ce spectacle et je l'ai trouvé très drôle. Alex Ramirès est un humoriste bourré de talent qui sait manier tous les types d'humour. Il alterne entre le stand up et les sketches et passe d'une forme à l'autre avec une facilité déconcertante. C'est également un excellent comédien et un très bon auteur. ses textes ne tombent jamais dans la facilité. J'ai passé un excellent moment et je recommande vivement ce spectacle.

⭐⭐⭐✨

La performance à laquelle j'ai assisté est exceptionnelle. Je pense que je n'avais jamais vu un spectacle de danse d'une telle qualité. La particularité de Murmuration, c'est la perfection poussée à l'extrême dans la synchronisation des danseurs car si l'un d'entre eux est en décalage, le tableau est manqué. Je n'imagine même pas les centaines d'heures de répétition pour atteindre ce niveau de précision! D'où mon extrême respect pour le travail de tous ces artistes. Il n'empêche que, passées les considérations purement techniques, j'ai quelques bémols sur ce spectacle car je l'ai parfois trouvé un peu répétitif. heureusement, il a été très bien pensé et certaines scènes un peu plus dynamiques m'ont parfois fait sortir d'un léger ennui pendant lequel mon esprit s'est mis à divaguer. Certains tableaux sont tout à fait remarquables et poétiques et le bilan est tout de même très positif à la sortie de la salle. Je recommande!