⭐⭐⭐⭐

Figure incontournable de l’humour absurde en France, Yacine Belhousse n’est pas seulement « l’humoriste préféré des humoristes » : il est aussi, et surtout, le mien. Je l’ai découvert il y a déjà plusieurs années au festival d’Avignon, alors qu’il partageait l’affiche avec Dedo. Ce fut un coup de foudre immédiat pour cet humour singulier, déroutant et jubilatoire. Depuis, je suis allée voir à plusieurs reprises son spectacle Révolutions, qui m’avait littéralement fait pleurer de rire, et j’ai pris l’habitude de le retrouver chaque année à l’Européen pour sa date unique. Cette édition ne pouvait donc pas faire exception.

Passée la petite déception d’apprendre qu’il devrait exceptionnellement partager la scène, n’ayant « que quinze minutes de blagues », l’enthousiasme est vite revenu à l’annonce des invités : Adel Fugazi et Dedo.

Adel Fugazi apparaît comme un héritier évident de Yacine. Je l'ai découvert, comme beaucoup, lors de la première saison de Comedy Class, émission pendant laquelle il a signé plusieurs passages devenus cultes. Je garde notamment en mémoire son sketch sur l’humour noir, d’une finesse et d’une intelligence remarquables (à voir absolument sur YouTube). Je m’étais d’ailleurs empressée d’aller le découvrir à la Nouvelle Seine pour un spectacle complet, expérience que j’avais beaucoup appréciée (l'article ici).

Dedo, quant à lui, est le complice historique de Yacine depuis leur rencontre dans la mythique saison 1 du Jamel Comedy Club. Lui aussi adepte de l’absurde, il s’est imposé au fil des années comme un humoriste chevronné et atypique. D'ailleurs, impossible de ne pas recommander la pépite qu'est leur podcast, "Le potes cast de Yacine et Dedo", véritable terrain de jeu improvisé où, chaque semaine, ils se lancent pendant une heure sans filet, sans trame ni préparation. Un exercice de liberté totale, aussi vertigineux que brillant.

La soirée a également permis de découvrir la jeune Poulet de feu, qui a parfaitement ouvert le spectacle. Et pour clore ce moment hors norme, le public a eu la surprise et la chance d’accueillir Suzy Eddie Izzard. Artiste anglo-saxonne de renom, capable de jouer en français, véritable star au Royaume-Uni et mentor de Yacine, elle avait fait le déplacement depuis Londres pour l’accompagner, malgré un genou en mauvais état.

Ce spectacle ne sera (malheureusement) jamais rejoué. Il restera comme une soirée unique, hommage vibrant à l’humour absurde, réunissant plusieurs générations d’artistes ayant fait le choix audacieux de cette voie. À travers cet article, je souhaitais surtout remercier et exprimer toute mon admiration pour Yacine Belhousse, artiste de génie qui m’a tant fait rire ces dernières années. 

Dedo, Adel Fugazi et Poulet de feu seront prochainement sur scène : si vous aimez cet humour-là, ne les manquez surtout pas.

⭐⭐⭐

Astucieux acronyme de MOLIERE, ce spectacle, tout en astuces, nous fait traverser la vie et l’œuvre de celui qui fut sans aucun doute le plus joyeux, le plus fougueux, le plus malin, le plus fou et le plus fort de tous les gens de scène.

Et pour retracer de manière bien subjective (quoique instruite) le parcours de Jean-Baptiste, ces figures puisent aux mots des personnages de Molière.

M.O.L.I.E.R.E est un spectacle généreux et foisonnant, porté par trois comédiens remarquables, débordant d’énergie et dotés d’un sens comique impressionnant. L’idée de raconter la vie de Molière en y insérant des scènes de ses œuvres est particulièrement séduisante : elle permet à la fois de (re)découvrir ses pièces et d’en apprendre davantage sur son parcours. Certains moments sont franchement hilarants, notamment les apparitions de Louis XIV, absolument irrésistibles. La présence du musicien sur scène, avec ses sonorités électro, apporte une touche de modernité bienvenue et dynamise l’ensemble. La mise en scène, la folie communicative des comédiens et l’écriture soignée contribuent à faire de ce spectacle une proposition originale et ambitieuse, où les scènes de Molière s’intègrent avec finesse.

Néanmoins, cette abondance d’idées et d’énergie donne parfois au spectacle un aspect légèrement brouillon. La durée conséquente accentue cette impression et peut entraîner quelques longueurs, faisant ponctuellement retomber l’attention du spectateur. Un rythme plus resserré et une structure davantage épurée auraient sans doute permis de gagner en fluidité et en efficacité, sans rien enlever à la créativité de l’ensemble.

⭐⭐⭐✨

Gnangnan, les contes de fées ? Cucul, ces histoires pour endormir les enfants ? Détrompez-vous : avec leur lot d’amputations, meurtres, mutilations, cannibalisme et autres adultères, les versions originales ne sont pas à mettre entre toutes les mains ! Quatre personnages décident de prendre le contrôle du spectacle pour nous raconter la (sale) vérité sur les contes de fées. Le résultat est un florilège de récits jubilatoires, irrévérencieux, crus et détonants de modernité !

"Et à la fin, ils meurent"  affiche d’emblée la couleur: un titre percutant, un pitch prometteur, et la curiosité est piquée. Adaptée de l’ouvrage éponyme, cette pièce revisite les contes de fées en revenant à leurs racines les plus sombres. Oubliez les versions édulcorées destinées aux enfants: ici, on retrouve la violence, la cruauté, le sexisme et les morales ambiguës des récits originaux. Le ton est volontairement irrévérencieux, parfois cru, grossier ou trash ; le spectacle s’adresse clairement à un public adulte, et assume pleinement ses excès.

Derrière cette comédie déjantée se cache pourtant une réflexion plus fine qu’il n’y paraît. En détournant les codes du conte, la pièce interroge la société contemporaine, notamment le manque de diversité et les schémas stéréotypés transmis dès l’enfance. L’humour fonctionne à merveille : situations absurdes, répliques bien senties et rythme soutenu provoquent de nombreux éclats de rire. La mise en scène regorge d’idées inventives, tout comme le décor, riche en détails à observer. Les comédiens, débordants d’énergie, portent le texte avec un véritable sens du comique et une belle complicité.

Drôle, mordant et intelligent, "Et à la fin, ils meurent"  réussit à divertir tout en faisant réfléchir. Un spectacle audacieux et réjouissant, qui bouscule les contes de notre enfance pour mieux questionner le monde d’aujourd’hui.

❤️❤️❤️❤️❤️

Coup de coeur

Trois amis d'enfance devenus des membres influents du monde de la tech et des médias viennent de commettre un attentat symbolique contre Elon Musk : l'image d'un drone lui déversant de la matière fécale sur la tête fait désormais le tour du monde.

Mais rien ne se passe comme prévu. Un des leurs est mort. Ils ont un otage sur les bras et la police est sur le point de les retrouver.

Ils ont commis cette action au nom du "Freedom Club", une organisation qui lutte pour un arrêt du progrès technologique.

J’ai été totalement happée par Freedom Club, un spectacle qui combine bon nombre d'éléments que j’aime au théâtre: un suspense parfaitement dosé, un propos intelligent qui pousse à réfléchir, et cette patte scénique inventive que l’on reconnaît immédiatement chez Nicolas Le Bricquir. J’avais déjà apprécié son travail dans "Denali", et ici encore, il se distingue par une mise en scène qui tire le meilleur parti de la vidéo et des images pour créer un véritable langage visuel.

L’histoire ne cesse de surprendre. Dès les premières minutes, une tension sourde s’installe et ne faiblit jamais, avec cette impression que tout peut basculer à chaque instant. Le mélange de thriller et de réflexion apporte une dimension profonde au spectacle, qui interroge notre rapport aux nouvelles technologies et la fascination, parfois dangereuse, qu’elles exercent sur notre société.

La mise en scène se distingue par son sens du rythme et par l’utilisation très judicieuse d’outils visuels. Les écrans, les projections, ce chronomètre suspendu au-dessus de la scène et les changements de points de vue créent des effets presque cinématographiques. Tous ces éléments donnent au spectacle une identité forte, contemporaine, nerveuse, en parfaite résonnance avec le sujet.

Ce qui frappe aussi, c’est la manière dont la pièce interroge notre époque sans lourdeur. Le spectacle soulève des questions brûlantes (notre dépendance au numérique, le pouvoir des géants de la tech, l’illusion du progrès infini) tout en gardant une grande efficacité dramatique. On suit l’action, mais on sent en filigrane une inquiétude plus vaste, presque vertigineuse, sur ce que pourrait devenir notre monde si personne ne ralentit la machine.

Les retours en arrière et en avant s’enchaînent avec précision et permettent au public de reconstituer peu à peu l’ensemble des enjeux. On assemble chaque pièce du puzzle au fil du récit, et ce mécanisme contribue largement au plaisir du spectacle. Tout se dévoile naturellement, ce qui maintient l’attention du début à la fin.

Freedom Club est un spectacle puissant, moderne et remarquablement construit. À la fois captivant, intelligent et visuellement stimulant, il parvient à tenir le public en alerte du premier au dernier instant. Et les toutes dernières secondes rappellent à quel point le monde dépeint n'est, finalement, pas si éloigné du nôtre. Une vraie réussite, que je recommande sans hésiter.

⭐⭐⭐⭐

Chris doit trouver de l’argent de toute urgence pour sauver sa peau. Sans un sou, sans famille pour l’aider, il va alors imaginer l’impensable : commettre un meurtre pour récupérer une assurance vie à 50 000 $ !
Pour arriver à ses fins, il décide de faire appel à Joe Cooper, flic le jour et tueur à gages la nuit. Mais ce qui devait être pour lui une solution pour sa survie, vire inévitablement au cauchemar. Entraînant sa famille dans sa chute….

Malaisant, dérangeant, glaçant : les premiers mots qui me viennent à l’esprit pour décrire la pièce "Killer Joe"  pourraient laisser croire que je n’ai pas apprécié le spectacle. Et pourtant, c’est tout l’inverse.

Au théâtre, être secoué, déplacé, mis face à une humanité brute fait partie de ces expériences rares et précieuses, surtout lorsque la noirceur n’est pas l’unique couleur de la représentation.

Adaptée du texte féroce et sulfureux de Tracy Letts, "Killer Joe"  plonge le spectateur au cœur d’une famille texane pauvre et complètement dysfonctionnelle, prête à tout pour résoudre ses problèmes d’argent. Dans ce marasme moral surgit Joe Cooper, tueur à gages énigmatique et terrifiant, dont l’arrivée fait basculer l’équilibre déjà fragile du clan. La pièce est réputée pour son réalisme cru, ses tensions presque insoutenables et ses scènes d’une violence psychologique et physique qui la rendent naturellement clivante.

Dans cette mise en scène, l’humour noir fonctionne à merveille. Il offre une respiration bienvenue au milieu de l’horreur, et il faut souligner l’excellence d’Olivier Sitruk, qui apporte un contrepoint jubilatoire grâce à un sens du timing comique impeccable. Mais réduire le spectacle à une performance individuelle serait injuste: l’ensemble de la troupe livre un travail d’une précision remarquable, sans la moindre fausse note.

L’interprétation, engagée et physique, rend justice à la brutalité du texte et à la complexité des personnages. Certaines séquences, d’un réalisme frappant, justifient pleinement l’interdiction aux moins de 16 ans, tant elles peuvent heurter.

"Killer Joe"  est une pièce trash, radicale, profondément dérangeante. Elle ne plaira évidemment pas à tout le monde (et c’est aussi ce qui en fait la force). Impossible d’en sortir indifférent.

Pour qui aime le théâtre non conventionnel, provocateur et intense, c’est une expérience à ne pas manquer. Pour les autres, mieux vaut être prévenu: cette plongée dans la noirceur humaine ne laisse aucune échappatoire.

⭐⭐⭐✨

Dans les années 1860, pour échapper à la misère en France, Emma Picard part en Algérie cultiver la terre que lui octroie le gouvernement français.

Difficile de rester indifférent devant la performance de Marie Moriette d’une intensité rare qui nous donne l'impression que l’actrice nous confie sa propre histoire, tant son engagement et sa présence habitent chaque mot.

Adapté d’un texte littéraire, le spectacle revient sur un épisode méconnu de l’histoire coloniale française : l’installation de colons envoyés en Algérie pour cultiver des terres en réalité incultivables. À travers le destin d’Emma Picard, c’est tout un pan de la mémoire collective qui refait surface, celui des illusions perdues, de la misère sociale et des espoirs trahis. L’écriture, sobre et incarnée, dénonce avec justesse le scandale humain et politique de cette entreprise.

Si le rythme demeure volontairement lent, c’est au service d’un jeu d’une grande précision. La comédienne ne se contente pas de réciter : elle incarne véritablement son personnage, lui donnant chair et émotion. Chaque geste, chaque inflexion de voix témoigne d’un travail d’interprétation profond, au point qu’on oublie le texte pour ne plus voir que la femme qu’elle fait revivre devant nous.

Emma Picard est un spectacle exigeant, intense, qui s’adresse sans doute davantage à un public amateur de théâtre de texte et de récits historiques. Mais il a le mérite de faire entendre une voix singulière et nécessaire, celle d’une femme et, à travers elle, celle de tout un peuple oublié de l’histoire.

⭐⭐⭐⭐

Vicky, une Québécoise vivant à Paris, fait la rencontre de Maxime. Sans le savoir, ils vivent tous les deux une relation d'emprise. Vicky avec son amoureux et Maxime avec sa mère qui est aussi sa patronne. Ils vont s'aider dans leur quête de liberté. Nos histoires ouvre une porte sur les relations toxiques et les rôles que nous prenons, sur nos choix. Être libre ou prisonnier. Comment se réapproprier son histoire ?

J’ai été profondément touchée par ce spectacle. Cette découverte inattendue s’est révélée être une véritable claque émotionnelle.

Au premier abord, l’histoire semble s’orienter vers une comédie romantique légère : la rencontre improbable entre une Québécoise pétillante, débordante de vie, et un serveur bougon à l’humour grinçant. Mais très vite, le ton change, et l’on comprend que le propos de la pièce est bien plus complexe et sombre qu’il n’y paraît. Sous les apparences d’un duo léger se cache une réflexion fine et bouleversante sur l’amitié, la dépendance affective, l’emprise et les relations toxiques, en somme, sur les ravages d’un amour destructeur.

Les deux comédiens livrent une interprétation très juste. Leur jeu, d’une grande sincérité, oscille avec finesse entre légèreté et intensité dramatique. Certaines scènes, particulièrement dures, nous saisissent au cœur, mais jamais par excès : tout est dosé, retenu, d’une vérité désarmante. On suit avec émotion l’évolution de cette relation ambiguë, où les personnages deviennent tour à tour confidents, miroirs et témoins de leurs propres blessures. Chacun perçoit la détresse de l’autre sans parvenir à reconnaître la sienne, ce qui rend leur lien d’autant plus bouleversant.

La mise en scène accompagne merveilleusement le jeu des acteurs. Les choix musicaux, notamment lors des scènes de tension ou de colère, renforcent l’intensité du moment sans jamais la surcharger. Tout concourt à créer une atmosphère à la fois intime et percutante.

En sortant, on reste habité par cette histoire, à la fois belle et douloureuse, qui interroge notre manière d’aimer et de nous laisser aimer. Je vous recommande vivement ce spectacle, qui ne laissera sans doute personne indifférent.

⭐⭐⭐✨

Entre les Guignols, Mediapart et les MontyPython, un biopic sur Chirac qui se fait heurter par les dossiers noirs de la République.

Il est assez rare que je sorte d’une comédie en ayant souvent ri, et pourtant, Jacques et Chirac a réussi cet exploit. Mais attention, ne vous méprenez pas : ce n’est pas une simple pièce légère. C’est avant tout une comédie politique incisive, qui nous invite à revisiter le parcours de notre ancien président sous un angle à la fois drôle et critique.

Dès le début, le ton est donné. On découvre un Chirac loin du héros consensuel, un homme entaché de nombreuses zones d’ombre : affaires de pots-de-vin, gestion controversée de la politique africaine, convictions parfois bien opportunistes, trahisons politiques… la liste est longue et ne fait pas dans la demi-mesure.

On pourrait regretter que le spectacle ne cherche pas à nuancer ce portrait en évoquant aussi les aspects plus sympathiques ou humains du personnage, mais ce parti pris à charge ne nuit pas à la pertinence du propos. Au contraire, s’il est juste, il est souvent choquant. Pour contrebalancer cette lourdeur, la mise en scène mise sur l’absurde et un humour léger, qui dédramatisent parfaitement le tout sans pour autant minimiser la portée du message.

Les comédiens sont remarquables, donnant vie à ces figures politiques avec un mélange de justesse et de fantaisie. La mise en scène est particulièrement soignée, et l’usage de la vidéo est une réussite : pubs d’époque, fausses émissions télévisées, images d’archives, tout contribue à nous replonger avec humour et efficacité dans les années Chirac.

Ce spectacle est à voir pour tous ceux qui aiment un théâtre engagé, mêlant satire et histoire politique, mais les fans inconditionnels du personnage pourraient ne pas apprécier la charge !

⭐⭐⭐⭐

Si La Promesse de l’Aube est le parcours extraordinaire d’une mère qui a sacrifié sa vie pour que son fils perdu au fin fond de la Pologne devienne l’un des plus grand écrivains français, la Promesse de Tigran Mekhitarian, c’est de raconter cette folle aventure sur scène à trois comédiens avec toute son intensité et sa passion.

Ceux qui me lisent depuis longtemps savent combien j’admire le travail de Tigran Mekhitarian, aussi bien comme comédien que comme metteur en scène. J’attendais donc avec impatience son adaptation de "La Promesse de l’aube"  de Romain Gary. Le projet relevait d’un véritable défi pour celui qui s’est fait connaître par ses relectures modernes de Molière puisque le spectacle a été monté en seulement quelques semaines à partir d’un roman d’une grande densité. Les coupes, inévitables, ont été faites avec une remarquable intelligence: à aucun moment le spectateur n’a le sentiment d’une histoire tronquée.

Sur scène, on retrouve une pièce de grande qualité, portée par tout l’amour que Mekhitarian voue à ce texte qu’il qualifie lui-même de "plus beau livre du monde", un roman qui semble résonner profondément avec sa propre histoire. Tour à tour habité et émouvant, ce dernier livre une interprétation empreinte de sobriété, tout en conservant ce phrasé si caractéristique de son jeu. Delphine Husté campe une mère à la fois agaçante, envahissante et bouleversante, brûlant d’un amour inconditionnel pour son fils. Léonard Stefanica, quant à lui, relève brillamment le défi d’interpréter tous les rôles secondaires tout en accompagnant la pièce au violon, apportant une dimension musicale d’une grande justesse.

Moins moderne que ses précédentes adaptatios, ce spectacle n’en porte pas moins la "patte Mekhitarian", notamment dans une scène de danse hypnotisante qui lui confère une touche singulière.

En somme, un spectacle sensible et sincère, à la fois fidèle à l’esprit du roman et accessible à ceux qui souhaiteraient le découvrir pour la première fois.

⭐⭐⭐⭐

Avec "Elles", le collectif des Funambules offre un spectacle musical à la fois drôle, intelligent et profondément féministe. Après avoir déjà mené un projet  consacré aux problématiques rencontrées par les homosexuels qui avait été un de mes coups de cœur, Stéphane Corbin poursuit avec la même générosité et humanité en donnant cette fois la parole aux femmes.

À travers des chansons tantôt pleines d’humour, tantôt bouleversantes, le spectacle aborde la charge mentale, l’égalité, le désir d’enfant, les violences ou encore la mémoire de figures comme Simone Veil. Les cinq interprètes musiciennes, accompagnées au piano par Stéphane Corbin, livrent une performance vibrante et touchante, qui fait rire autant qu’elle émeut.

"Elles" est un spectacle pour tous indispensable, qui réussit l’équilibre rare entre légèreté et profondeur. On en sort ému, révolté, mais aussi porté par une formidable énergie de vie.

Un moment unique, généreux et nécessaire : il faut absolument y aller!

⭐⭐⭐✨

Eva, très intelligente mais surtout très en colère, est une jeune pensionnaire du Centre d’Éducation Fermé pour mineurs de Mont de Marsan.

Abandonnée à la naissance, elle ne connait rien de ses parents.

Pourtant, ce jour-là, convoquée chez le notaire, elle reçoit son héritage : des dizaines de micro cassettes et un dictaphone – la voix de sa mère sur des heures et des heures d’enregistrement.

La pièce "Le dernier cèdre du Liban"  séduit à la fois par la richesse de son récit, la force de son propos mais aussi la performance des comédiens: l'actrice incarnant la mère y livre une prestation remarquable, pleine de justesse et de présence scénique; celle qui joue la fille, tout en sensibilité, donne à son personnage une sincérité touchante. Enfin, un troisième comédien complète la distribution en interprétant une galerie de personnages qui viennent enrichir et rythmer le récit et apporter un peu de légèreté. 

Le spectacle prend des allures de récit d’aventure : le spectateur suit le parcours d’une journaliste de guerre passionnée, dont les choix professionnels bouleversent profondément la vie personnelle. À travers ce destin individuel se dessinent les drames d’une époque. La pièce aborde sans détour les horreurs de la guerre au Moyen-Orient au XXᵉ siècle : pertes irréparables, violence extrême, jusqu’à une scène marquante où l’héroïne subit l’enfermement et la torture. Cette dureté n’est jamais gratuite : elle rappelle le prix du témoignage, le courage d’informer, et la nécessité de laisser une trace. L’œuvre interroge aussi la transmission, l’héritage émotionnel et les blessures collectives qui traversent les générations.

Si l’émotion ne m’a pas toujours pleinement atteinte tant le rythme est soytenu et l'histoire dense, elle reste palpable à travers le texte et l’interprétation. "Le dernier cèdre du Liban"  est une œuvre forte et sensible, qui plonge le spectateur au cœur des tragédies de l’Histoire tout en racontant, avec humanité, une histoire de filiation.

Un spectacle dur mais profondément humain, à découvrir.

⭐⭐⭐✨

Marius aide son père César, bourru et bonhomme, à tenir son bar juste à côté de l’étal de coquillages de la petite Fanny. Pourtant l’envie de prendre la mer l’obsède. Marius & Fanny sont complices depuis leur enfance… jusqu’au jour où le grand trois mats Le Malaisie fait une courte escale à Marseille. L’appel du large, du coeur, de la famille, autant de sirènes aux chants dissonants...

Il fallait oser s’attaquer au monument pagnolesque qu’est Marius mais Jean-Philippe Daguerre a relevé ce défi avec respect et brio. Honte à moi: je ne connaissais absolument rien de cette histoire emblématique de la trilogie marseillaise, et c’est donc en spectatrice « ignorante » que je me suis laissée embarquer.

Dès les premières scènes, on sent l’amour du metteur en scène pour cet univers. Par ailleurs, certaines scènes méritent une mention particulière: la partie de cartes, évidemment, moment de comédie savoureuse et d’énergie collective; mais aussi les échanges entre César et son fils Marius, où l’émotion affleure sous l’humour; et bien sûr cette magnifique déclaration d’amour entre Marius et Fanny, jouée tout en retenue et en pudeur, ce qui la rend d’autant plus touchante.

Les comédiens servent parfaitement cette adaptation. Ils forment un ensemble cohérent et vivant, mais on ne peut passer sous silence la performance de Romain Lagarde qui compose un César à la fois truculent et profondément humain. Sa présence scénique donne de l’épaisseur au personnage sans jamais tomber dans la caricature. Juliette Béhar et Geoffrey Palisse nous émeuvent tant leur histoire d'amour semble sincère et Teddy Melis, que j'avais déjà adoré dans "Le voyage de Molière", incarne un Palisse aussi drôle et maladroit que touchant.

Je ne suis pas, à la base, une grande admiratrice de l’univers de Pagnol. C’est dire combien cette adaptation m’a surprise. Malgré quelques longueurs ici ou là, sans doute inévitables dans un texte aussi ample, on ressort du théâtre avec le sentiment d’avoir assisté à une véritable (re)découverte d’un classique. Une réussite qui donne envie de replonger dans toute la trilogie marseillaise et qui ravira ses amateurs. 

⭐⭐⭐✨

Paris 1942. Sept convives, s’étant plus ou moins bien accommodés à l’Occupation allemande, se retrouvent chez l’un d’eux pour fêter l’anniversaire de leur hôte. La soirée se déroule sous les meilleurs auspices, lorsqu'au pied de leur immeuble sont abattus deux officiers allemands. En représailles, la Gestapo investit l'immeuble et décide de prendre deux otages par appartement. Mais le Commandant Kaubach, qui dirige l’opération, reconnaît en la personne du propriétaire de l'appartement, M. Pélissier, un libraire à qui il achète régulièrement des ouvrages. Soucieux d'entretenir les rapports courtois qu'il a toujours eus avec lui, il décide de les laisser finir leur dîner et de ne passer prendre ses otages qu’au dessert. Mieux… il leur laisse la liberté de choisir eux-mêmes les deux otages qui l’accompagneront. C'est ainsi que peut commencer "Le Repas des Fauves".

Tout est-il pardonnable quand il s’agit de sauver sa peau? C’est ce qu'affirme l'un des personnages du spectacle "Le repas des fauves" et la question vertigineuse qui est au centre de la pièce, adaptée du roman de Vahé Katcha publié en 1960. Mêlant suspense, dilemme moral et humour noir, elle s’inscrit dans ce que l’on pourrait appeler le “théâtre de l’Occupation”, un genre aujourd’hui très en vogue et que des pièces comme "Les Marchands d’étoiles" ou "Adieu Monsieur Haffmann" ont brillamment exploré.

Cette nouvelle mise en scène frappe d’emblée par sa qualité globale: le rythme est maîtrisé de bout en bout, la tension ne retombe jamais, et chaque scène semble pensée pour faire monter la pression dramatique. On assiste à un huis clos tendu et haletant, où la noirceur de la situation est régulièrement tempérée par des touches d’humour salvateur.

L’une des grandes forces du spectacle réside dans l’utilisation inventive de la vidéo. Loin d’être un simple effet de style, elle fait surgir les scènes extérieures essentielles à l'intrigue et installe une atmosphère visuelle originale. Ces projections apportent au récit une dimension presque cinématographique et intensifient encore l’oppression ressentie par le spectateur.

Les dialogues, eux, sont d’une précision redoutable: ciselés, percutants, ils alternent répliques caustiques et confessions désarmantes. À travers eux, la pièce invite à s’interroger sur l’amitié, la trahison, la moralité et l’hypocrisie sociale: jusqu’où sommes-nous prêts à aller pour sauver notre peau, et à quel prix? Et nous, comment nous serions-nous comportés pendant l'occupation? Aurions-nous collaboré, lutté à notre manière ou aurions-nous été de simples spectateurs?

La distribution contribue largement à cette réussite. Pour ma part, je n’avais jamais vu Thierry Frémont sur scène ; l’erreur est désormais réparée et le plaisir immense. Dans le rôle principal  (celui du lâche, de l’homme odieux qu’on adore détester) il livre une performance magistrale, alliant charisme, ambiguïté et puissance dramatique.

"Le Repas des fauves"  est bien plus qu’un spectacle sur l’Occupation : c’est une expérience théâtrale moderne et audacieuse qui interroge la nature humaine avec intensité. Un classique du théâtre contemporain que je conseille d’aller découvrir ou redécouvrir.

⭐⭐⭐⭐

Le mardi 4 juin 2019, Cynthia Hoffman, 19 ans, est retrouvée morte, ligotée et bâillonnée dans la rivière Eklutna en Alaska. Elle a été abattue d’une balle dans la nuque. Les derniers à l’avoir vue sont Denali Brehmer, 18 ans, et Kayden McIntosh, 16 ans. En les interrogeant, les détectives Jessica Hais et Lenny Torres vont mettre à jour une sordide histoire dont les adolescents sont autant victimes que coupables.

Une série Netflix au théâtre, vous pensez que c’est impossible? C’est pourtant l’exploit que réalise « Denali ». Dès les premières minutes, on comprend qu’on ne va pas assister à une pièce « classique ». Générique d’ouverture, découpages en épisodes, récapitulatif: tout le fonctionnement des plateformes de streaming est transposé sur scène avec un brio rare. Cette transposition n’est jamais gadget: elle structure le récit, apporte du suspense, relance l’attention et donne l’impression grisante de binge-watcher un thriller en direct.

La pièce revient sur l’enquête qui a suivi le crime atroce perpétré par des adolescents contre l’une de leurs amies. Inspiré d’une histoire (malheureusement) vraie, ce polar théâtral vous tient en haleine de la première à la dernière minute. Les révélations s’enchaînent comme dans une enquête journalistique, et l’on ne voit pas le temps passer.

Ce qui impressionne surtout, c’est l’ingéniosité de la mise en scène. Les changements de décor sont instantanés, la scénographie joue des écrans, des projections et d’un savant jeu de lumière pour créer plusieurs espaces dans un même plateau. La mécanique est si précise qu’on a l’impression de regarder une saison entière d’une série, mais avec la puissance et l’émotion du direct.

Petit bonus: toute la musique est interprétée en live. Ce choix donne une tension supplémentaire aux scènes et crée un lien sensoriel direct avec le public. Glaçant à souhait, mais aussi extrêmement efficace.

Les amateurs de « Faites entrer l’accusé », « Chroniques criminelles » ou de true crime en général seront comblés, mais même les spectateurs moins familiers du genre ne peuvent qu’être bluffés par la maîtrise technique et narrative de ce spectacle hors norme. Denali est un spectacle qui offre une proposition originale et extrêmement intéressante.

⭐⭐⭐⭐

Alors qu’un scandale éclabousse le Président des Etats-Unis et agite la rédaction du New York Investigation, la journaliste Julia Robinson voit sa vie vaciller dans la salle d’audience d’un tribunal quand elle croit reconnaître sur le banc des accusés son compagnon mort 4 ans auparavant.
Son enquête pour élucider ce mystère croise celle de son équipe, et la petite cellule du New York Investigation se retrouve confrontée à un programme de manipulation de masse d’une ampleur inédite.
Ensemble, malgré leurs différends, ils vont devoir mettre à jour le plus gros scandale depuis l’affaire du Watergate.

La démocratie est en péril. Leur vie aussi

Avec "Big Mother", Mélody Mourey (dont j’avais déjà énormément apprécié le travail dans "Les Crapauds fous" et "La Course des géants") signe une œuvre dense et haletante qui interroge notre rapport aux données, à l’information et au pouvoir invisible des algorithmes.

Dès les premières minutes, le spectateur est happé par un rythme qui ne faiblit jamais, à la manière d’une enquête journalistique menée tambour battant. 

L’un des atouts majeurs de la mise en scène réside dans l’utilisation permanente de la vidéo. Projections, incrustations, images en direct ou en différé : l’écran devient un personnage à part entière. Loin d’être un simple artifice, cet usage constant des images enrichit le propos, souligne la manipulation des masses par les médias et plonge le spectateur dans une expérience presque cinématographique. 

Le spectacle met en lumière la manière dont nos données, nos clics et nos habitudes se transforment en armes redoutables entre les mains de ceux qui savent les exploiter. C’est à la fois glaçant et salutaire, car il est essentiel que l’art parle de ces dérives contemporaines.

La troupe impressionne par son énergie et sa polyvalence. Six comédiens incarnent une multitude de personnages, passant de l’un à l’autre avec aisance. L’humour cinglant, utilisé avec parcimonie, apporte de véritables respirations dans une histoire aussi intense.

Big Mother interpelle, tant par son propos que par son esthétique. Mélody Mourey réussit le pari de conjuguer une réflexion sociétale brûlante d’actualité avec une mise en scène inventive et spectaculaire. C’est un théâtre qui secoue, qui alerte, mais qui captive du début à la fin.

Un spectacle de grande qualité qui, et c’est amplement mérité, fait salle comble depuis plus de deux ans.

⭐⭐⭐✨

Le tueur de l’ombre est l’insaisissable meurtrier qui sévit au début des années 70 et répand la terreur dans la petite ville de Nogent-sur-Oise. Sa particularité : il ne tue que des femmes brunes en pleine nuit.

Amateurs de faits divers, ce spectacle est fait pour vous ! Connaissez-vous "Le tueur de l’ombre" ? Pour ma part, c’était une découverte, car ce criminel a sévi dans les années 70, à une époque où l’ADN n’était pas encore utilisé et où le concept même de "tueur en série" commençait à peine à émerger. Dans un tel contexte, résoudre une enquête aussi complexe relevait presque de l’impossible, surtout face à un tueur aussi méthodique.

Ce personnage a véritablement semé la terreur parmi les femmes de la région de Nogent-sur-Oise. Et il aura fallu la détermination sans faille d’un enquêteur, prêt à mettre en péril sa propre vie de famille, pour parvenir à l’identifier. C’est cette traque haletante que le spectacle nous retrace, du début à la fin.

Même si le rythme peut parfois sembler un peu lent (à la manière de l’émission "Faites entrer l’accusé"), l’histoire reste captivante et on a envie de savoir comment la vérité a fini par éclater. J’ai aussi beaucoup apprécié la mise en scène, notamment l’utilisation des ombres et de la vidéo, très réussie. Mention spéciale également pour le travail sur les costumes : les comédiens incarnent plusieurs rôles et changent de tenue en un éclair. J’ai même été surprise de constater qu’ils n’étaient que cinq sur scène ! Une belle performance, à saluer.

⭐⭐⭐⭐

À l'aube de sa mort, Esra, icône du cinéma turc, demande à sa fille Hülya d’écrire un discours pour ses funérailles. Hülya accepte à contrecœur de replonger dans un passé qu’elle avait tenté d’oublier et se lance dans une quête de vérité sur la disparition de son père.

Inspiré du roman éponyme et brillamment incarné par une Julie Cavanna magistrale, Trésor National nous transporte dans le bouillonnement d’Istanbul des années 60, à l’âge d’or du cinéma turc. Sur un fond éminemment politique (marqué par trois coups d'État), la pièce raconte avant tout le destin d’une femme à la fois fascinante et dérangeante : une diva flamboyante, complexe, insaisissable, qui a vécu intensément sans vraiment se soucier des dégâts qu'elle pouvait causer autour d'elle. Ce drame romanesque prend une dimension émouvante à travers le regard de sa fille, qui, des années plus tard, la tient encore pour responsable de la disparition de son père. 

Le spectacle, qui nous fait vivre une large palette d’émotions, est une belle réussite. Il est servi par une distribution remarquable, une mise en scène fluide et quelques chansons magnifiquement interprétées. 

⭐⭐⭐

Dans le Paris des années 20, l’histoire folle de trois opératrices des PTT qui ont lancé le téléphone rose!

Quel meilleur moyen de lancer le festival qu’avec une comédie à la fois pétillante, légère, tendre et un brin impertinente ? Enfin… légère, pas tout à fait ! Derrière les apparences, un propos plus engagé émerge subtilement : celui de la condition féminine et plus largement du féminisme.

Plongés dans les années 1920, juste après l’horreur de la guerre, on suit avec plaisir les péripéties de trois femmes aussi différentes qu’attachantes. Leur quotidien, régi par par les normes de l’époque (autorité paternelle omnipotente, liberté de penser quasi inexistante, métiers subalternes) est bouleversé lorsqu’elles découvrent par hasard les défis du téléphone rose.

Le propos est audacieux : raconter l’émancipation féminine à une époque où elle semblait impossible. On rit beaucoup, on est parfois touché, et on ressort charmé par ce spectacle enlevé, drôle et bien mené.

Attention, mieux vaut éviter d’y emmener les plus jeunes, certaines scènes étant un peu... croustillantes !

⭐⭐⭐✨

Dans la salle d'attente des Urgences, Mathilde attend des nouvelles de son mari après un incendie, tandis que Pilar espère des réponses sur l’état de son fils après un accident. Face à la situation, elles se posent la même question : auraient-elles pu, un jour, faire un choix différent pour ne pas se retrouver ici ?

Il est difficile de définir cette pièce, tant elle alterne avec audace entre le drame et l'humour. Ce choix, pleinement assumé, peut parfois désarçonner, tout comme la construction narrative : deux histoires se déroulent en parallèle, et le spectateur passe une grande partie du spectacle à se demander comment elles finiront par se rejoindre.

J’ai, dans un premier temps, été déroutée, d’autant que le propos, souvent philosophique ("Sommes-nous réellement maîtres de notre destin ?"), ajoute une couche de complexité. Mais le final, extrêmement réussi, donne tout son sens à l’ensemble. L’écriture, fine et intelligente, se révèle assez remarquable. À la sortie, j’étais non seulement conquise par la chute de la pièce, mais aussi par la performance des comédiennes, capables de nous faire passer avec une grande justesse des larmes au rire. 

⭐⭐⭐⭐

Découvrez l'incroyable histoire vraie de la seule section féminine sur le front allié en 1944 !

Qui connaît les Rochambelles ? Très peu de monde, et certainement pas moi avant d’assister à ce spectacle. Et pourtant, quelle histoire ! Celle de trente femmes audacieuses qui, pendant la Seconde Guerre mondiale, ont bravé tous les préjugés pour s'engager comme ambulancières aux côtés du général Leclerc. Ce sont leurs parcours que raconte cette pièce, écrite avec cœur par la petite-fille de l’une d’entre elles.

Le spectacle leur redonne la place qu’elles méritent dans notre mémoire collective, en rendant hommage à leur courage, leur ténacité, et à la manière dont elles ont surmonté le sexisme et les dangers de la guerre pour servir une cause plus grande qu’elles.

La mise en scène est d’une grande ingéniosité, jouant habilement avec l’espace, la lumière et les décors pour faire voyager le spectateur dans le temps, du front aux coulisses de l’armée, de New York à Paris en passant par Rabat. Chaque détail est soigné, chaque transition fluide, et rien n’est laissé au hasard. Le tout est soutenu par une distribution remarquable : les comédiens et comédiennes incarnent avec justesse des personnages touchants, drôles parfois, bouleversants souvent.

L’histoire est à la fois passionnante et profondément émouvante. On découvre des figures effacées de l’histoire officielle, et l’on se demande, presque avec indignation : pourquoi n’a-t-on jamais entendu parler de ces femmes dans les livres d’histoire ?

Le rythme est soutenu, sans temps mort. La pièce parvient avec brio à mêler récit historique, émotion et réflexion sur la place des femmes dans les conflits armés.

C’est un spectacle d’une grande intelligence, aussi nécessaire qu’émouvant. Une véritable réussite à voir absolument.

⭐⭐⭐⭐

Nous sommes en 1957. À la veille de leur mariage, cinq futures mariées étudient consciencieusement un manuel de bonnes convenances qui leur distille de précieux conseils. Un joyeux témoignage du chemin parcouru.

J’ai adoré ce spectacle, car il réunit tout ce que j’aime : beaucoup d’humour, une émotion bien dosée, et surtout, un vrai propos. Ce qui m’a frappée d’abord, c’est l’intelligence de l’écriture. Sans jamais sombrer dans le militantisme ni dans la provocation gratuite, la pièce, écrite par Virginie Lemoine, se révèle profondément féministe. Sous les conseils rétrogrades du manuel, qui prônent une soumission totale des femmes à leur mari, se cache une critique fine et acérée de la société patriarcale des années 50, où la femme était reléguée au rang de faire-valoir, de ménagère ou de mère au foyer, sans autre ambition permise. Il y a de quoi être terrifié en voyant la condition des femmes il y a à peine 70 ans, mais c’est aussi porteur d’espoir : la société a évolué, même si le chemin reste encore long.

C’est brillamment écrit, c’est extrêmement drôle, et la mise en scène, précise et inventive, sert à merveille le propos. Quelques chansons viennent ponctuer le récit, portées par l’harmonie vocale des cinq comédiennes, toutes excellentes, et accompagnées en direct par le talentueux Stéphane Corbin. Pipe au bec, ce dernier s’amuse aussi à incarner, avec malice, les rares personnages masculins. 

En somme, un spectacle complet, porté par une distribution sans faille, à la fois mordant et émouvant, qui réussit à faire rire tout en faisant réfléchir. Ne vous laissez pas dérouter par les premières minutes, c'est un petit bijou à ne surtout pas manquer !

⭐⭐⭐⭐

Je m’appelle Rose. J’ai 50 ans. Je m’en fous, j’ai de beaux restes. Et avec les mecs, je sais me défendre. Je peux vous dire que le dernier type avec qui je suis sortie a eu chaud. Un soir, il matait le JT pendant que j’étais au téléphone. Il m’a dit :
« Mais tu vas fermer ta gueule !? »
Motif : je l’empêchais de mater Delahousse.
Et j’ai vu…La crispation sur son visage… Il allait m’en coller une. Le lendemain je m’offrais un calibre 38 et une boite de cartouche, 650 euros sur un site américain. Je m’appelle Rose. J’ai 50 ans. La peur doit changer de camp.

Adapté du roman éponyme, Rose Royal est un seul en scène intense, porté avec brio par une comédienne absolument bouleversante. Sur scène, seule, Anne Charrier incarne Rose, une femme d’une cinquantaine d’années, libre, indépendante, célibataire assumée et moderne.  Jusqu’au jour où elle croise la route de Luc, un homme apparemment sans histoire. Mais derrière les apparences se cachent parfois des pièges, et Rose, malgré sa lucidité, va peu à peu se retrouver embarquée dans un engrenage qu’elle s’était pourtant juré d’éviter.

Je ne connaissais pas Anne Charrier avant ce spectacle, et j’ai été littéralement scotchée par la puissance de son interprétation. Son jeu est d’une justesse et d’une retenue remarquables. Dans un seul en scène, les acteurs peuvent parfois  se laisser emporter dans un flot de paroles, mais ici, chaque mot trouve sa place, chaque silence résonne. On sent chez elle une vraie intelligence du texte et une capacité rare à transmettre les nuances d’un personnage complexe. Le texte est à la fois brut, sensible, et plein de sous-entendus. L’histoire prend son temps, installe une tension jusqu’à un final percutant, que je n’ai, personnellement, pas vu venir et qui m’a littéralement saisie.

Cette pièce n’est pas à mettre devant tous les yeux. Certains passages sont violents voire dérangeants. Ce n’est pas un spectacle confortable. Et pourtant, j'ai été suspendue aux lèvres de la comédienne du début à la fin. Rose Royal est de ces spectacles qui bousculent, qui dérangent. Il ne laissera personne indifférent, et c’est là, sans doute, sa plus grande force.

Petite recommandation: il se joue en extérieur, attention aux moustiques.

⭐⭐⭐✨

Avant ça, j’avais essayé le bonheur avec un grand B : celui d’Instagram, des citations inspirantes et des méthodes de développement personnel. Résultat : j’ai coché toutes les cases… sauf celle du bonheur. Alors j’ai tenté de comprendre. J’ai lu, testé, et fait des rencontres… étonnantes ! Et je vous embarque dans cette quête drôle, sensible, et surtout joyeuse !

Michael Hirsch, c’est ce type doux, drôle et terriblement attachant qu’on a instinctivement envie d’écouter. Alors, difficile de résister à l’appel de son nouveau spectacle. Figure désormais familière du public avignonnais, il revient avec un seul en scène à la fois profond, tendre et délicatement drôle. Révélé au grand public notamment grâce à son rôle marquant dans Le Montespan, il confirme ici toute l'étendue de son double talent : c'est un excellent comedien et un auteur à la plume fine et intelligente. Dans ce spectacle, sans doute le plus personnel de sa carrière, Hirsch délaisse en grande partie les jeux de mots qui faisaient sa marque pour s’interroger sur une question aussi universelle que vertigineuse: "comment trouver (ou retrouver) la joie de vivre?". Le propos, nourri de vraies recherches scientifiques et philosophiques, est accessible. On rit souvent, on sourit beaucoup. Certains passages gagneraient peut-être à être plus resserrés, mais ces légers flottements n’entament en rien la sincérité du propos. Il en ressort une belle envie de savourer les petites choses, d’ouvrir nous aussi un petit carnet… Bref, de vivre.

⭐⭐⭐⭐

Tout le monde connait Le Malade Imaginaire, l’oeuvre ultime de Molière. Enfin, c’est ce qu’on croyait !

Voilà maintenant deux ans que je suis avec attention le travail de Tigran Mekhitarian, depuis cette soirée marquante au théâtre des Beliers où sa performance m’avait bluffée dans La Maladie de la famille M. L’an dernier, sa version de Dom Juan avait été l’un de mes spectacles favoris du festival, c’est donc avec une impatience certaine que j’attendais son Malade Imaginaire. Et le possessif est ici pleinement justifié : une fois encore, il s’empare du texte de Molière avec audace et intelligence pour en livrer une version très personnelle et résolument contemporaine.

Le texte original est respecté dans ses grandes lignes, mais habilement dynamisé par des clins d’œil modernes, quelques envolées familières qui font toujours leur effet et des touches de rap distillées avec parcimonie. À travers ce mélange des genres, c’est tout l’amour de Mekhitarian pour Molière et la langue française qui transparaît. Sa volonté de rendre le théâtre classique accessible à tous, y compris aux plus jeunes, est plus qu’évidente.

La réussite de ce Malade Imaginaire repose aussi sur une distribution sans faute. Tigran Mekhitarian, en plus de sa mise en scène inventive, incarne Argan  et parvient à conjuguer humour, fragilité et dérision avec intensité et aisance, tout en laissant à chacun de ses partenaires l’espace de s'exprimer pleinement.

Certes, l’effet de surprise était un peu moins fort que l’an passé, mais cette nouvelle proposition reste brillante. Ceux qui découvriront son univers pour la première fois seront sans doute aussi étonnés que séduits. 

Un brin de provocation, beaucoup d’inventivité, et surtout un immense respect du texte original : c’est ce savant dosage qui fait (et continuera sans doute longtemps de faire) le succès de ce talentueux metteur en scène.

😳😳😳😳

La folle aventure de trois ami.e.s qui sont allé.e.s pique-niquer pendant la fin du monde.

Je crois bien avoir assisté au spectacle le plus indescriptible de ce festival. Une expérience théâtrale déroutante, excessive, absurde et profondément singulière. Le genre de proposition qui divise, qu'on adore ou qu'on déteste, mais qui ne laisse pas de marbre. Impossible pour moi de lui attribuer une note, mais tout aussi impossible de ne pas en parler.

Les comédiens, jeunes et talentueux , déploient une énergie hallucinante. Ils se jettent dans cette histoire avec un mélange de folie assumée et d’intelligence comique. C’est surprenant, souvent absurde, mais drôle, vraiment drôle.

Quant à l'histoire… que dire ? Avec "Fin, fin et fin", l’auteur ne se contente pas de bousculer les codes du théâtre, il les piétine. Ce spectacle ne ressemble à rien de connu. Peut-être même ne ressemble-t-il à rien du tout. Et pourtant, c’est d’une précision remarquable, foisonnant de trouvailles, d’humour, de chaos savamment orchestré, et d’une certaine profondeur malgré les apparences. 

Alors oui, certains spectateurs resteront totalement hermétiques à cette proposition radicale. D’autres y verront un coup de génie. Mais une chose est certaine: "Fin, fin et fin" ne laissera personne indifférent.

⭐⭐⭐✨

Trois sœurs se retrouvent pour une soirée dans la maison de leur enfance. À l’étage, leur mère délirante ne parle plus qu’à des singes et à un mystérieux saint oublié. Aucune des sœurs ne semble vouloir monter l’escalier qui mène à sa chambre. Alors on boit, on parle, on hurle, on esquive. Entre visions mystiques, règlements de comptes, vieilles chansons et corps qui lâchent, la tragédie prend des airs de comédie (ou l’inverse).

Décidément, le Théâtre des Béliers ne recule devant rien cette année et ose une programmation aussi éclectique qu’ambitieuse. "Le Miracle des grenouilles" en est une belle démonstration. Une mère malade, trois sœurs, des non-dits, des rancœurs : sur le papier, le sujet semble classique, presque déjà vu. Et pourtant, la pièce surprend par sa finesse d’écriture, son humour noir bien dosé et une mise en scène inventive.

Ce qui fait la force du spectacle, c’est ce subtil équilibre entre tension dramatique et humour. On rit, on est tantôt mal à l’aise, tantôt ému, mais on reste toujours suspendu à leurs lèvres. Les comédiennes, toutes extraordinaires, livrent des performances intenses, habitées, qui donnent vie à cette famille bancale et touchante. Elles ne jouent pas, elles incarnent leur personnage. À tel point qu'on en vient parfois à croire que certains moments sont improvisés, tant les dialogues semblent naturels.

Il y a dans cette pièce un grain de folie réjouissant, une liberté de ton qui détonne et qui pourra peut-être désarçonner certains. Mais pour tous ceux qui aiment un théâtre vivant, audacieux et sensible, c’est une vraie réussite.

⭐⭐⭐⭐

Après 2 ans de tournée et un Olympia complet à Paris, Les Goguettes reviennent au Festival OFF avec leur nouveau spectacle !

J’avais découvert Les Goguettes (en trio mais à quatre) il y a quelques années à Avignon, totalement par hasard. À l’époque, peu de gens les connaissaient et je n’en avais jamais entendu parler. J’avais été bluffée par leur originalité, leur humour et leur talent. C’était avant le confinement, avant leur explosion médiatique grâce à leur reprise de "Vierzon" qui les a révélés au grand public. Depuis, leur ascension ne s’est jamais arrêtée : tournées à guichets fermés, Olympia et grandes salles parisiennes, le succès est au rendez-vous, et il est amplement mérité.

Mais au fait, c’est quoi une goguette ? C’est l’art de détourner une chanson connue en en réécrivant les paroles, souvent pour commenter l’actualité avec mordant et irrévérence. Et dans ce domaine, ils excellent.

Je l’avoue, je suis arrivée déjà conquise. Mais même en connaissant leur univers, j’ai été impressionnée. Leur nouveau spectacle est une démonstration de leur talent à tous les niveaux. Les textes sont finement écrits, brillants, intelligents et pleins d'autodérision. Ils chantent, ils jouent de la musique, ils nous font rire et ils le font avec une énergie communicative.

Même si j'adresse une mention spéciale à Clémence Monnier, virtuose du piano, dont les doigts dansent littéralement sur les touches, c'est bien l’ensemble du quatuor qui fonctionne à merveille. Leur complicité, leur sens du rythme, leur aisance scénique... tout est maîtrisé.

Le plus bluffant reste peut-être leur réactivité face à l’actualité. Entre le divorce Trump/Musk, les 40 milliards d’économies à faire ou encore les multiples clins d'œil à Avignon, certaines chansons ont manifestement été réécrites pour l’occasion, preuve d’un travail d’adaptation impressionnant. Et surtout, personne n’est épargné : la droite, la gauche, les écolos... chacun en prend pour son grade, et c’est ce qui rend le spectacle universel.

En résumé : un pur moment de bonheur, d’intelligence et de rire. Idéal pour clore une journée au Festival. Mais attention : les places partent vite. Ne traînez pas.

⭐⭐⭐

Quand son petit-fils l’interroge sur sa vie, Céleste, émigrée portugaise en France, convoques-en sa mémoire les souvenirs passés de sa jeunesse muselée par la dictature de Salazar…

Dans La Fleur au fusil, on découvre un pan de l’Histoire portugaise souvent méconnue: la Révolution des Œillets. Ce seul en scène, aussi touchant que vibrant, nous plonge dans le récit d’une grand-mère à son petit-fils, à qui elle révèle, avec tendresse, qu’elle a joué un rôle décisif dans cette révolution aux côtés de son futur mari.

La mise en scène, quasi chorégraphiée, est d’une grande fluidité et les transitions s’enchaînent avec élégance. 

Mais c’est surtout la performance du comédien qui impressionne. Seul sur scène, il incarne avec une aisance remarquable une galerie de personnages sans jamais tomber dans la caricature. Il passe d’un rôle à l’autre avec une précision bluffante. Il nous fait rire, nous touche, nous captive.

La Fleur au fusil est un bel hommage à ces héros anonymes qui changent le cours de l’histoire. Un spectacle simple, intelligent et profondément humain.

⭐⭐⭐⭐✨

Les histoires d’amour finissent souvent mal. Mais certaines changent le cours de l’Histoire.

1933. Germaine Sablon, l'une des chanteuses les plus populaires de la capitale, se produit dans un cabaret. Dans le public se trouve Joseph Kessel, journaliste, auteur, aviateur et aventurier. Leur coup de foudre est immédiat mais la guerre arrive et transforme la vie de ces deux amants.

Aujourd’hui, toutes les chansons de Germaine Sablon sont tombées dans l’oubli... Toutes, sauf une. celle qu’ils ont créée ensemble : Le Chant des partisans.

Mon premier véritable frisson du festival, je l’ai ressenti lors de la scène finale du "Chant des lions". Une scène intense, à la fois sobre et bouleversante, qui vient clore un spectacle brillant qui, dès les premières minutes littéralement emportée.

Il faut dire que tous les éléments étaient réunis pour me séduire: un récit historique passionnant, une mise en scène signée Charlotte Matzneff, et un texte coécrit par Julien Delpech et Alexandre Foulon, duo d'auteurs que j’avais déjà adoré dans Les Téméraires. Mais "Le Chant des lions" ne se contente pas de cocher les bonnes cases, il va au-delà. 

J’ai absolument tout aimé dans cette pièce. Les comédiens sont remarquables de justesse et la voix de Vanessa Cailhol, à elle seule, pourrait résumer l’émotion de ce spectacle: douce, vibrante, chargée de douleur et d’espoir.  L’histoire, qui mêle faits réels et fiction romanesque, est aussi instructive que haletante.

La mise en scène est, à mes yeux, le travail le plus abouti de Charlotte Matzneff. L’espace est exploité avec intelligence et chaque déplacement semble chorégraphié avec précision. Mais ce qui rend ce spectacle véritablement unique, c’est l’utilisation du talent de Mehdi Bourayou. Ici, pas de bande-son enregistrée : il crée en direct la musique et les bruitages, grâce à une multitude d’objets sonores technologiques, tout en interprétant plusieurs rôles. C’est une performance discrète mais essentielle, qui rend ce spectacle totalement unique.

Mêlant Histoire, aventure, amour, drame, suspense, et même cabaret, "Le Chant des lions" nous plonge dans la Seconde Guerre mondiale à travers une fresque sensible et passionnante. Le public ne s’y trompe pas : la salle est comble à chaque représentation. Un spectacle magnifique que je recommande sans la moindre hésitation.

⭐⭐⭐⭐

À quel moment la loyauté doit-elle s’incliner devant la suspicion ? Voilà la question à laquelle Daniella et Louis sont confrontés.
Nous sommes en Argentine, en décembre 1961.
On frappe à leur porte. Simon, un inconnu, vient faire des révélations sur Joachim, l’ami qui leur est le plus cher, celui qu’ils considèrent comme un frère…
Et vous, que feriez-vous si votre meilleur ami était suspecté des pires atrocités ?

Ce spectacle réunit tous les ingrédients d’une véritable réussite: un sujet passionnant, une mise en scène élégante, et une distribution d’une grande justesse. Il ose aussi un savant mélange des genres, alternant entre théâtre, danse et chant. Ces respirations musicales, portées avec grâce par Ariane Brousse, apportent une touche de poésie. La comédienne passe avec une aisance remarquable d’un registre à l’autre, tout en gardant une sincérité de jeu qui touche en plein cœur.
J’ai été embarquée par l’histoire, dont la tension dramatique se construit crescendo, jusqu’à un final d’une intensité saisissante. 
C’est du beau théâtre, intelligent, sensible et brillamment interprété qui mérite un grand succès dans ce off.

⭐⭐⭐✨

Deux amies de treize ans, Maïa et Alicia, traversent les remous de l’adolescence. Elles vivent quelques épreuves avec humour et légèreté, jusqu’à ce que Maïa affronte ses premiers troubles. Elle commence alors l’écriture d’un journal…

Bien que ce spectacle s’adresse en priorité aux adolescents et qu’il semble parfaitement calibré pour être joué dans les établissements scolaires, il mérite largement d’être découvert par un public bien plus large. Grâce à une écriture fine et au jeu des deux comédiennes, cette pièce touche juste, quel que soit l’âge de celui ou celle qui la voit.

Le thème de l’anxiété adolescente, au cœur du récit, est traité avec habileté. Le personnage d’Alicia, avec sa légèreté et ses pointes d’humour, offre un contrepoint salutaire à la gravité du propos. Le message final, profondément optimiste, ouvre des perspectives et propose des pistes concrètes à tous les jeunes qui pourraient se reconnaître dans le parcours de Maïa. Une pièce utile et profondément humaine à faire tourner sans modération dans tous les collèges de France, en espérant qu'elle permettra de libérer la parole de certains.

⭐⭐⭐⭐

Après tout ce temps passé à l’attendre derrière les barreaux, ça y est, Emile a obtenu sa peine aménagée. Dès demain, il passera ses journées à l’usine et ses nuits en centre de détention, de quoi rêver d’une sortie rapide pour bonne conduite. Problème : l’usine où il s’apprête à travailler délocalise. Émile n’a plus le choix : pour se sauver, il faut qu’il devienne le meilleur des syndicalistes, sauve l’usine, ses collègues et, peut-être, au passage, le pays tout entier. Made in France est un spectacle qui raconte le combat d’hommes et de femmes prêts à tout pour sauver l’industrie française... enfin... à tout, sauf à faire quelque chose.

Avec "Made in France", la compagnie La Poursuite du Bleu confirme son engagement artistique et citoyen. Après le remarquable "Coupures", elle revient avec une nouvelle création à la fois percutante et drôle. Le titre annonce la couleur: il sera question de politique et de société sur fond de désindustrialisation.

Servie par une écriture affûtée et un jeu d'acteurs toujours aussi juste, la pièce mêle intelligemment humour et réflexion. On retrouve cet humour qui faisait déjà le charme de leur précédent spectacle. La mise en scène, d'une grande ingéniosité, repose sur très peu d'éléments: une batterie (qui symbolise à la fois le vacarme des machines, la révolte ouvrière et permet de réaliser des effets sonores) et quelques grands panneaux noirs suffisent à recréer l’univers de l’usine.

Tout démarre par un savoureux quiproquo qui plonge le personnage principal dans une usine en grève, menacée de fermeture et de délocalisation. Ce point de départ donne aux auteurs l’occasion de tirer à boulets rouges sur tout un système: le patronat, les politiques, les investisseurs, les syndicalistes… Personne n’est épargné.

"Made in France" est une comédie politique aussi réjouissante qu'engagée. Elle amuse, révolte, interpelle et séduit. Les salles sont pleines, le public conquis, et les listes d’attente s’allongent. Un succès pleinement mérité.

⭐⭐⭐⭐

L’amour incommensurable d’une mère pour son fils, prête à tout pour lui offrir la meilleure vie possible.

Dans ce texte ciselé et haletant, cette mère courage qui n’a pas les mots, a en revanche aucune limite pour son fils qu’elle embarque sur les routes de France en quête d’un rêve hollywoodien.

Un (presque) seul en scène à 10h du matin, après douze jours intenses de festival : le pari était risqué. Et pourtant, quelle révélation. Avec cette adaptation de Zoom, pièce écrite il y a une quinzaine d’années par Gilles Granouillet, Pamela Ravassard confirme, s’il en était encore besoin, qu’elle est une comédienne et metteuse en scène désormais incontournable du paysage théâtral français.

Difficile de ne pas commencer par sa performance, tout simplement magistrale. Elle incarne, avec une intensité foudroyante, une mère débordante d’amour, de peur, de frustrations, et surtout de rêves projetés. Une femme extravertie, étouffante, qui vit à travers son fils comme on tente de remplir le vide d’une existence déçue. Le portrait est aussi glaçant qu’émouvant, et ce qui frappe le plus, c’est sans doute la transformation complète de la comédienne. Lorsqu’on la voit saluer à la fin du spectacle, calme, douce, lumineuse, on peine à croire qu’elle vient d’incarner cette mère volcanique. Une véritable métamorphose d’actrice.

La mise en scène est d’une grande finesse. Le décor pourrait sembler épuré, mais chaque élément, chaque position, chaque lumière a du sens. Un grand écran blanc trône en fond de scène : sa couleur évolue subtilement au fil du spectacle, reflétant les humeurs du personnage. 

La musique, enfin, distillée avec parcimonie, joue un rôle essentiel. Parsemée de références au cinéma, elle accompagne l’histoire avec justesse, sans jamais l’écraser. Elle fait écho au fantasme de cette mère, qui rêve pour son enfant une carrière sous les projecteurs. Une mère qui veut le bonheur de son fils, mais à travers une vision totalement façonnée par ses propres manques.

Zoom est un spectacle bouleversant, dérangeant parfois, mais toujours juste, porté par une comédienne incandescente et une mise en scène parfaitement maîtrisée.

Un moment rare à ne pas manquer.

⭐⭐⭐⭐

C’est l’histoire d’un enfant qui, pour redonner le goût de vivre à sa maman, rédige une liste de tout ce qui est génial dans le monde, tout ce qui apporte de la joie :
1- Les glaces. 2- Les batailles d’eau. 3- Rester debout après l’heure habituelle...
L’enfant grandit et la liste s’allonge… jusqu’à atteindre un million de choses géniales !
Abordant sur un ton léger le thème de la résilience en mêlant comédie et improvisation, ce spectacle est une expérience collective jubilatoire où le public est invité à prendre part à l’histoire.

"Toutes les choses géniales" est un spectacle profondément touchant, porté par une simplicité qui fait toute sa force. En mêlant habilement humour et émotion, il aborde avec finesse un sujet grave: la dépression, vue à travers les yeux d’un enfant qui cherche à redonner goût à la vie à sa mère en dressant une liste de tout ce qui, selon lui, rend le monde merveilleux.

Sur scène, un seul comédien : Stéphane Dauray, lumineux, et incroyablement juste. Il incarne ce récit avec sincérité, naviguant sans effort entre tendresse, naïveté et gravité. Son interprétation donne une profondeur particulière au texte, qui ne verse jamais dans le pathos malgré le thème abordé.

L'une des particularités de la pièce réside aussi dans son interactivité. Le public, régulièrement sollicité, devient complice du jeu, créant une proximité rare entre scène et salle. Ce dispositif renforce l’universalité du propos, chacun pouvant rire, et parfois se reconnaître dans cette liste.

"Toutes les choses géniales" est une œuvre précieuse : accessible, intelligente, bouleversante et joyeuse. Un spectacle qui nous rappelle, avec pudeur et humanité, la beauté des petites choses, et l’importance de les célébrer.

⭐⭐⭐✨

Pour sonder la sincérité de Dorante, qu’on lui destine sans l’avoir jamais rencontré, Silvia échange son habit avec sa servante Lisette. Ce qu’elle ignore, c’est que son prétendant a recours au même stratagème avec son valet Arlequin. Ainsi travestis, les deux couples seront donc les dupes de ce jeu de hasard et d’amour orchestré par le père de Silvia et son fils Mario. Parviendront-ils à sortir de ce cruel labyrinthe amoureux ? C’est évidemment tout l’enjeu de ce scénario génial, épuisant pour ceux qui en sont les victimes, réjouissant pour ceux qui les manipulent.

Terminer un festival intense par un spectacle d’1h45 à 21h45 n’était peut-être pas l’idée la plus brillante que j’aie eue. Et je le reconnais volontiers : mon état de fatigue a sans doute influé sur mon ressenti. Car si je n’ai pas été conquise de bout en bout, ce n’est pas tant à cause de la qualité du spectacle, loin de là, que du texte lui-même.
Sur le plan scénique, il n’y a pas grand-chose à redire. Les comédiens livrent une partition très maîtrisée, avec un vrai sens du rythme et une belle énergie. La mise en scène, résolument moderne, joue habilement avec les codes et réussit à dépoussiérer le Marivaux sans jamais le trahir. On sent une vraie proposition, cohérente et inventive, qui donne un coup de jeune à ce grand classique.
Là où je décroche un peu, c’est du côté de l’intrigue. Comme souvent chez Marivaux, les quiproquos amoureux s’étirent, les jeux de masques se prolongent, et la résolution se fait attendre… longtemps. Trop longtemps. La fin, en particulier, m’a semblé ne jamais vraiment arriver.
Mais je dois rester honnête: ce n’est pas tant la faute de la compagnie que de Marivaux lui-même. Si vous aimez l’auteur, ses mécaniques théâtrales et ses dialogues ciselés, cette adaptation vous ravira à coup sûr. Et si vous ne le connaissez pas encore, c’est sans doute l’une des meilleures manières de le découvrir aujourd’hui: dans une version vive, contemporaine, et portée par une troupe investie.

⭐⭐⭐✨

Rosalie Pierredoux, 8 ans, sent toute la tristesse du monde peser sur ses épaules. Un matin, sans prévenir, Jean Rochefort et sa moustache vont changer son regard.

Difficile de commencer cette critique sans saluer d’emblée la performance éblouissante de Thomas Drelon. Il incarne avec une justesse rare la délicate Rosalie, une fillette qui, du jour où elle se réveille affublée d’une moustache, se persuade qu’elle est Jean Rochefort. Et paradoxalement, c’est ce postiche incongru qui lui permet enfin de s’affirmer, de prendre confiance en elle, et d’embrasser sa différence.

Le spectacle ose le surréalisme, et il faut accepter d’entrée de jeu ses partis pris décalés : oui, une petite fille de huit ans s’exprime comme un académicien ; oui, elle se réveille avec une moustache et arrive à s'exprimer comme Jean Rochefort. Mais une fois cette poésie absurde intégrée, on se laisse emporter par ce récit tendre, drôle et profondément humain.

Entre rires et émotions, cette fable moderne parle de dépression infantile, d’acceptation de soi et du pouvoir de l’imaginaire. Un moment de théâtre singulier, qui touche autant les enfants que les adultes.

⭐⭐⭐✨

Julien, jeune garçon du sud de la France, entend pour la première fois le rappeur Jul à la radio. Il devient fan, de sa musique, de ses messages, de son mode de vie. Lui, le jeune “chien de la casse” s’identifie dans l’artiste marseillais qui devient une véritable bouée de sauvetage dans sa vie. Un jour dans une église, Julien a une apparition. La vierge Marie lui apprend qu’il porte le même nom que Jul: Julien Marie. Il est l’élu.

Autant être honnête : en entrant dans la salle, j’étais sceptique. Le pitch (un jeune qui devient obsédé par Jul jusqu’à en faire un modèle de vie) me faisait craindre un long monologue plein d’autotune et de références auxquelles je ne comprendrais rien. Et pourtant, j’ai passé un excellent moment.

"J’oublie tout" n’est pas un spectacle sur Jul. C’est un spectacle sur l’admiration, la quête d’identité, le besoin de repères, surtout quand on est jeune. 

Ce qui rend ce choix d’autant plus pertinent, c’est que Jul n’a pas été choisi au hasard : il est l’idole d’une génération entière, et surtout, il vient du même Sud que le comédien. Le lien est personnel, sincère, et donne au spectacle une dimension mi-fictionnelle, mi-autobiographique.

Et si le fond est sérieux, la forme reste légère, vivante, très souvent drôle. Le comédien possède une vraie aisance. Dès l’entrée en salle, il crée une proximité immédiate et sincère avec le public : il salue chacun, improvise, échange. On sent chez lui une générosité et une envie de partage, sans jamais tomber dans la facilité.

Le texte, finement écrit, évite tous les écueils attendus. Inutile d’être fan de Jul (et fort heureusement pour moi, on entend très peu sa musique) pour être touché. Ce n’est pas le chanteur qui est célébré ici, mais ce qu’il peut représenter: un refuge, un cap dans le flou de la jeunesse. Et c’est là que le spectacle devient universel.

L’humour est bien présent, mais toujours dosé avec justesse. On rit souvent, mais jamais au détriment de l’émotion.

Porté par un comédien à la fois naturel, drôle et touchant, "J’oublie tout" est une très belle surprise. Un seul en scène qui émeut, fait sourire et interroge notre rapport à nos propres idoles.

⭐⭐⭐

Quatre frères et sœur, que tout oppose, se retrouvent dans leur maison d’enfance pour organiser la mise en bière de leur père. Entre rires, piques et souvenirs, les conflits et les secrets de famille explosent… 

Dire que je suis un public difficile pour les comédies relève presque de l’euphémisme. Autant dire que faire mouche avec moi n’est pas chose aisée. Et pourtant… Cette pièce a réussi le pari. Dès les premières minutes, on sent que les codes du genre sont parfaitement maîtrisés: situations cocasses, dialogues bien ficelés, personnages hauts en couleur... Rien de révolutionnaire sur le papier, mais une redoutable efficacité sur scène.

Il faut dire que la distribution y est pour beaucoup. Mention spéciale à Xavier Martel, que j’avais déjà remarqué et apprécié dans Gagnant-Gagnant et à son acolyte Gilles Dyrek, encore et toujours dans son rôle de loser (pas si loser) tellement attachant. Ici encore, ils confirment leur sens du timing comique et leur présence scénique. L’ensemble du casting fonctionne à merveille, formant un quatuor de personnages volontairement caricaturaux, mais jamais lourds ni agaçants. Juste ce qu’il faut pour embarquer le spectateur dans une mécanique bien huilée.

Certes, certains thèmes abordés, plus profonds qu’il n’y paraît, auraient pu mériter un traitement plus poussé. Mais cela aurait sans doute changé le ton général du spectacle, qui assume pleinement sa légèreté et son envie de faire rire. Et sur ce point, c’est une réussite.

En bref, si vous cherchez un moment de détente, une comédie efficace et bien jouée, n’hésitez pas: cette pièce est faite pour vous. Même les plus grincheux (dont je fais partie) pourraient bien se surprendre à rire. 

⭐⭐⭐⭐✨

Dans Éclats De Vies, chaque pas résonne comme un cri d'émotion, chaque mouvement raconte une histoire, chaque danseur incarne une part de nous-mêmes.

Je n’aurais jamais imaginé être autant bouleversée par un spectacle de danse. Et pourtant… "Éclats de vie" dépasse largement le cadre de la performance chorégraphique: ce n’est pas simplement une démonstration de technique ou d’endurance, c’est une œuvre profondément humaine.

Ce qui distingue ce spectacle des autres spectacles de danse, c’est avant tout sa construction narrative d’une rare intelligence. Chaque tableau, car le mot n’a jamais été aussi bien employé, raconte une histoire forte, poignante, sans un seul mot. Par la seule force du mouvement, les danseurs parviennent à faire surgir des émotions d’une grande intensité. Les thèmes abordés sont graves et universels: violences (familiales, sociales, systémiques), burn-out, handicap, exclusion, dépendance… autant de réalités souvent tues, ici mises en lumière avec un immense talent.

Les musiques choisies ne sont pas de simples accompagnements: elles nourrissent le propos voire l’amplifient. Et que dire des jeux de lumière, qui sculptent littéralement les corps et renforcent la dramaturgie de chaque scène?

Quant à la fin, que je ne révélerai pas, elle est bouleversante mais profondément porteuse d’espoir. On quitte la salle à la fois remué et touché en plein cœur.

"Éclats de vie" est un petit bijou, une expérience sensorielle et émotionnelle rare, à ne manquer sous aucun prétexte. Même si vous pensez ne pas aimer la danse, ce spectacle pourrait bien vous faire changer d’avis.

⭐⭐⭐

Norah est une jeune femme pour qui tout va bien. Tout va bien à l'exception d'un petit problème : dès qu'elle essaie de se concentrer elle entend des chansons. Comme si un musicien sommeillait en elle, prêt à transformer en numéro de comédie musicale le moindre événement de son quotidien. Impossible d'y échapper, ni au bureau, ni en famille ou entre amis. Mais de quoi ce musicien dans sa tête est-il le symptôme ?

Avec "La Tête Ailleurs", on entre dans un univers décalé: celui d’une femme qui, du jour au lendemain, se met à entendre les pensées des autres… en chansons. Un point de départ original, qui pourrait laisser craindre une mécanique répétitive. Et de fait, les premières minutes suscitent un brin de scepticisme: la fantaisie va-t-elle suffire à tenir tout le spectacle?

Mais sous les airs de comédie musicale légère, un propos plus profond émerge au final, et donne toute sa cohérence à cette proposition. Certaines scènes sont vraiment drôles, portées par des chansons efficaces et un vrai sens du rythme comique.

La comédienne principale, dans le rôle de cette femme un peu paumée, est touchante. À ses côtés, son partenaire de jeu est une véritable pile électrique: il joue de la musique et enchaîne les personnages avec une énergie folle, passant d’un rôle à l’autre avec aisance.

On sort de ce spectacle à la fois surpris et charmé. Sans être un coup de cœur absolu, "La Tête Ailleurs" est une jolie proposition, inventive et pleine de malice, qui devrait également vous émouvoir. 

⭐⭐⭐

A la fois parodie de convention d'entreprise (avec un festival de loupés : problèmes techniques, dérapages verbaux, démissions en direct, interventions des syndicats, etc.) mais aussi véritable pièce de théâtre, car les discours se succèdent et créent une vraie histoire.

Bienvenue dans le monde merveilleux de l’entreprise… ou plutôt dans sa version la plus déjantée ! Avec Gagnant-Gagnant, le public est plongé dans une grande convention professionnelle où, très vite, tout dérape: les bugs techniques s'enchaînent tout comme les révélations croustillantes. Une satire enlevée qui fait mouche.

L’auteur de la pièce, également comédien principal, incarne avec brio un loser d’une maladresse sans nom, qu’il pousse jusqu’à l’absurde avec une precision réjouissante. Autour de lui, les autres comédiens, tous très convaincants, endossent plusieurs rôles avec une belle aisance et contribuent à maintenir un rythme soutenu tout au long du spectacle.

Certes, c'est un humour assez classique, mais force est de constater que ça fonctionne: les rires fusent dans la salle, les situations absurdes s’enchaînent sans temps mort, et certains passages sont franchement irrésistibles.

En somme, Gagnant-Gagnant est une comédie efficace, populaire, calibrée pour plaire au plus grand nombre. Une soirée sans prise de tête, parfaite pour ceux qui aiment les parodies bien rythmées et les fous rires en cascade.

⭐⭐⭐✨

De 2019 à 2024, Camille Daloz va se faire passer pour celui qu’il n’est pas. Où ça ? Sur Leboncoin. Un faux acheteur pour tromper de vrais vendeurs. Un jour, il est un homme. Le lendemain, une femme. Tour à tour pince-sans-rire, vulgaire ou dépressif… tous les profils y passent mais un seul pseudo reste : Pomelopop. Qui donc se cache derrière le masque de cet arnaqueur du dimanche ? Voici la véritable enquête d’une sombre histoire de mensonges.

"Leboncoin du feu" raconte une histoire aussi improbable que vraie: celle du comédien lui-même, qui, pendant plusieurs années, a échappé à la solitude en se faisant passer pour d’autres sur Leboncoin. Une fuite virtuelle qui le mènera beaucoup plus loin qu’il ne l’aurait cru… jusqu’à son arrestation et son procès.

Sur scène, il raconte cette spirale avec une énergie débordante et une folie douce. Le tout est renforcé par un dispositif vidéo judicieusement utilisé: l'écran affiche en temps réel les petites annonces, les messages absurdes, les photos d’objets. Ces éléments donnent une saveur très concrète au récit, et ajoutent au comique tout en ancrant l’histoire dans le réel. Le spectacle est très drôle, mais derrière ces rires, une dimension plus grave se dessine. Car si l’aventure amuse, elle interroge aussi : sur la solitude, le besoin de contact, la tentation de la fiction, et les conséquences parfois inattendues de nos actes. Le spectacle n’élude rien. Il évoque sans détour les "victimes", tout en rappelant qu’elles pouvaient toujours interrompre les échanges. Il ne cherche pas à s’excuser mais à se justifier.

C’est ce mélange d’humour, de lucidité et de vulnérabilité qui rend "Leboncoin du feu" si singulier. On y rit beaucoup, on est parfois mal à l’aise, souvent touché… et surtout, on en sort ébranlé, amusé, et plein de questions. Un seul-en-scène fou, maîtrisé, et étonnamment profond.

⭐⭐⭐

Quand L’Ancien, la Nouvelle, la Revenante et le Golgoth se retrouvent piégés au fond d'un trou, métaphore brute et poétique de l’addiction, ils ne savent pas ce qui les attend. Ils se débattent pour s'en sortir, chacun à leur manière. Mais alors qu'ils pensaient être seuls pour affronter la réalité, leur cohabitation forcée va tout bousculer, entre affrontements, situations absurdes, confessions émouvantes et espoir de rédemption.

"Shot, Shoot, Chut" nous enferme dans un huis clos tendu, où quatre personnages s’affrontent autant qu’ils se débattent avec leurs dépendances: alcool, drogue, nourriture, médicaments. La pièce frappe fort. L'écriture est percutante et les comédiens livrent une performance à fleur de peau et sincère. Heureusement, on y trouve quelques respirations, des traits d’humour bienvenus, mais le fond reste sombre.  Ce parti pris radical et assumé ainsi que les propos parfois philosophiques pourraient cependant laisser certains spectateurs à distance. "Shot, Shoot, Chut" interroge et dérange. Il ne cherche pas à plaire, il veut secouer. C’est là sa force, et peut-être sa limite : un spectacle coup de poing, radical, qui bouscule autant qu’il questionne.

Coup de coeur 

❤️❤️❤️❤️❤️

Camille Beaurain raconte au journaliste Antoine Jeandey le parcours de son mari, Augustin, agriculteur dans la Somme : leur rencontre, leur amour, leur travail à la ferme… Mais aussi, le terrible système qui humilie la paysannerie française : les relations avec la grande distribution, la volatilité des prix, les conditions d’emprunt bancaire… Alors que Camille raconte, les souvenirs reviennent, les scènes se jouent, et elle vit de nouveau les évènements qui provoqueront le tragique départ de son mari.

"Tout contre la terre" est un spectacle d’une intensité rare, de ceux qui vous serrent le cœur et vous bouleversent profondément. Sur scène, Camille confie à un journaliste le récit de sa vie aux côtés d’Augustin, son mari, éleveur porcin: leur amour, leur travail, leur combat quotidien… et peu à peu, la descente aux enfers d’un homme broyé par un système agricole inhumain.

Inspiré du roman autobiographique "Tu m’as laissée en vie", ce spectacle met en lumière la souffrance silencieuse de milliers d’agriculteurs. On y découvre les humiliations infligées par la grande distribution, la précarité financière, l’endettement, l’épuisement. Même l’amour, la tendresse, la fidélité indéfectible de Camille ne suffisent plus à enrayer la spirale. Et pourtant, ce n’est jamais pesant. Parce qu’on rit (beaucoup) grâce à la galerie de personnages secondaires hauts en couleur qui apportent de la respiration au drame. Cette alternance parfaite entre émotion et humour rend le propos encore plus percutant et le spectacle d'autant plus remarquable. 

La mise en scène, d’une grande sobriété, est d’une redoutable efficacité : quelques blocs recouverts de paille suffisent à transformer l’espace, à faire naître la ferme, la cuisine ou le bureau de l'assureur. 

C’est aussi, au-delà de l’histoire intime de Camille et Augustin, une critique puissante de notre société de consommation, du cynisme de certains grands groupes agroalimentaires, et du mépris parfois inconscient envers ceux qui nous nourrissent. On sort du spectacle à la fois bouleversé, révolté, et infiniment reconnaissant.

Porté par une distribution d’une justesse remarquable, "Tout contre la terre" est une pépite de ce festival. Un spectacle nécessaire, vibrant d’amour, d’émotion et d’engagement. À ne surtout pas manquer.

⭐⭐⭐

Paris, jeudi 1er mars 1973.
Rose McConaughey a rendez-vous au siège du SDECE (le service de renseignement extérieur de l’armée française) pour son dernier debriefing. Elle revient d’une mission dans le Nord-Vietnam, en plein conflit armé, où elle a pu entrer en contact avec Gustave Duong dit Florence, un agent infiltré au plus près de la Présidence de la République Démocratique du Vietnam depuis près de trente ans. Cet échange intéresse particulièrement le SDECE, car Florence a cessé d’émettre depuis plusieurs années... Florence est-il devenu un traître? Alors qu’elle cherche à comprendre pourquoi l'espion ne répond plus, Rose va être embarquée dans un tourbillon d'histoires qui l'emmèneront sur les traces de son propre passé...

Un film d'espionnage au théâtre, ça vous tente? "Hongai" est une proposition théâtrale audacieuse: un récit d’espionnage sur fond de seconde guerre mondiale, de guerre d’Indochine et de conflit vietnamien. Un sujet rarement abordé sur scène, qui offre ici un mélange de tension politique et d’intrigues personnelles.

On y suit en parallèle les parcours de deux espions, dont les destins finissent par se croiser au fil d’un récit dense, parfois un peu difficile à suivre, mais toujours prenant. Le spectacle exige une certaine attention du spectateur, tant l’histoire est riche et les enjeux multiples. 

Entre manipulations, sacrifices, missions clandestines et trahisons, leurs parcours nous entraînent d’une époque et d'un continent à l’autre. Ce voyage à travers les décennies permet de mieux comprendre les enjeux du présent, sans jamais perdre de vue les drames intimes.

La performance des comédiens est à souligner: ils incarnent tous plusieurs rôles, changeant de voix, d’allure et d’énergie en un clin d'œil.

"Hongai" est donc un spectacle original et intense, qui prouve que le théâtre peut, lui aussi, faire vivre les grandes heures du roman d’espionnage sans effets spéciaux. Petit conseil : entre CIA, KGB et conflits coloniaux, mieux vaut être un peu renseigné pour saisir toutes les subtilités.

⭐⭐⭐⭐

Londres 1888. Dans une ruelle de Whitechapel, une femme est assassinée dans l’anonymat de la nuit. Qui ? Quand ? Pourquoi ? À Scotland Yard, Warren le chef de la Police, peu inquiété par le meurtre d’une prostituée, tarde à ouvrir une enquête alors que la presse s’empare déjà de l’affaire. D’un simple badaud à la reine d’Angleterre, tout le monde veut mettre la main sur celui qui se fait appeler « Jack ». Aux premières loges, derrière les rideaux d’une maison close, un groupe de femmes s’organise : trouver le meurtrier, avant qu’il ne les trouve. Et si pour une fois, les héroïnes de l’histoire, c’étaient elles ?
Inspirée de crimes réels, cette comédie à l’anglaise vous plonge en pleine ère victorienne au cœur du fait divers le plus connu de l’histoire.

"Demain tout le monde aura oublié" est une comédie policière qui, sous des dehors légers, déstabilise et interroge. Si le ton peut d’abord sembler presque potache, le propos, lui, est beaucoup plus profond qu’il n’y paraît.

L’humour repose en grande partie sur le personnage du chef de Scotland Yard, brillamment interprété  par Benjamin Alazraki, hilarant de bout en bout. Ce parti pris n’est pas anodin : il souligne l'impuissance (voire l'aveuglement) des autorités de l'époque. 

Mais ce qui fait toute l'originalité de la pièce, c’est que ce sont les rôles féminins qui apportent le sérieux, l’émotion, la dignité. Ces femmes (invisibilisées parce que femmes, méprisées parce que prostituées) deviennent ici les véritables héroïnes.

Le spectacle s’empare du mythe de Jack l’Éventreur pour en renverser la perspective : ce ne sont plus les crimes qui fascinent, mais les victimes qu’on refuse de voir. Il en résulte une critique fine de la presse sensationnaliste et du voyeurisme collectif, d'ailleurs toujours d'actualité. 

La mise en scène, d’une grande précision, fonctionne comme une mécanique bien huilée. 

Certes, certaines scènes peuvent déstabiliser. Mais cette alternance entre comique et tragique est assumée, et fait toute la richesse de la proposition. "Demain tout le monde aura oublié" n’est pas une comédie comme les autres : c’est une pièce résolument moderne, audacieuse et percutante. Et la scène finale, d’une intensité rare, vient clore le tout avec force.

Un spectacle drôle et très surprenant.

⭐⭐⭐

Prélude est l'histoire de la rencontre entre la musique de Romain Dubois et la physicalité des danseurs. La musique, crescendo rythmique et mélodique, nous tient dans une intensité qui devient tension. La virtuosité des danseurs bat à l'unisson avec la musique et l'attention des spectateurs. 

"Prélude" est un spectacle qui impressionne avant tout par l’incroyable performance physique des danseurs. Leur puissance, leur précision et leur endurance forcent l’admiration. Ils occupent l’espace avec une incroyable énergie. Ce sont de véritables performeurs, totalement investis dans ce qu’ils donnent sur scène.

Le travail sur les lumières est également remarquable. Les éclairages accompagnent les corps avec justesse et créent des images fortes, parfois presque hypnotiques. 

Le seul bémol, pour moi, concerne la narration. Le spectacle commence avec le chorégraphe Kader Attou qui raconte une partie de son histoire personnelle, puis laisse complètement la place à ses danseurs dans la seconde moitié. Cette rupture rend le propos un peu flou, et on a du mal à comprendre où l’ensemble veut vraiment nous emmener.

Cela dit, malgré cette réserve sur le fil conducteur, Prélude reste une proposition puissante et très réussie sur le plan physique et visuel. Un beau moment, porté par des artistes impressionnants.

⭐⭐⭐⭐✨

Eté 1971, Marie-Claire, 16 ans, tombe enceinte. Bien que ce soit un crime puni par la loi, elle ne veut pas garder l'enfant. Elle veut avorter. Solidaire, sa mère, Michèle puis Lucette, Renée et Micheline mettent tout en œuvre pour l'aider. Mais l'avortement clandestin tourne mal... Automne 1972. Toutes les femmes se retrouvent inculpées. Une certaine avocate, Maître Gisèle Halimi, orchestrera ce procès, le procès de Bobigny. Leur courage a écrit la suite de l'Histoire.

"Le Procès d'une vie" est de ces spectacles qu'on n'oublie pas. Parce qu’ils remuent, bousculent, et éclairent une part essentielle de notre histoire collective.

Cette pièce est d’abord un hommage vibrant à Gisèle Halimi, figure incontournable du XXe siècle, aux côtés de Simone Veil ou Simone de Beauvoir. Une femme engagée, qui a fait bouger les lignes et ouvert la voie à un féminisme plus combatif.

Mais elle rend aussi hommage aux victimes du procès de Bobigny. Ce procès emblématique, qui a marqué un tournant décisif dans la lutte pour le droit à l’avortement.

Les comédiennes sont remarquables. Chacune donne chair et voix à son personnage avec une justesse saisissante. Et, comme si le public, constamment en tension, avait besoin de respirations, il s’amuse du personnage interprété par Jeanne Arènes qui, par son talent et son sens du rythme, parvient à faire rire même lorsque le propos est grave.

La mise en scène se distingue notamment par son ouverture immersive, qui surprend et capte immédiatement l’attention.

En résumé, un spectacle à la fois fort, nécessaire et profondément humain, qui réussit le pari de nous émouvoir autant qu’il nous instruit. À voir absolument.